Развитие современного театра (XIX-XX вв.)

Изменения, которые происходят в XIX в., связаны с развитием науки и техники. Появляются новые возможности, которые преобразуют искусство, зарождается кинематограф, который обладает качественно иными способами воздействия на зрителя, и все это оттесняет театр, искусство которого сиюминутно. Теперь появляется возможность тиражирования кинолент, которые как бы "остановили мгновение", возник и широкий доступ зрителя к представлению в любое удобное для него время.

Театр несколько уступил свои позиции, но не исчез, он начинает искать новые формы выражения и способы привлечения зрителей. В сиюминутности театра было заложено и его достоинство - тесный контакт со зрительным залом, который всегда положительно сказывался на работе актеров, побуждая их к самоотдаче. Театр стал выходить на новый уровень: он становится не только актерским, но и режиссерским. Новая театральная профессия - режиссер - сделала постановки более целостными, подчиненными единой режиссерской идее.

Использование технических достижений позволило усилить эмоциональное воздействие. Все средства выразительности получили возможность гармонично объединиться. В теории театра стали появляться новые понятия, такие как сверхзадача, драматический узел, коллизия. В театре начался процесс идейного и эстетического размежевания. Театр приобретал ярко выраженный национальный колорит. На смену романтизму и реализму приходят новые, иногда и противостоящие друг другу течения - позитивизм, интуитивизм и др. Связь между драматургией и театром укрепляется.

"Новая драма" появляется в конце XIX в. Она получила такое определение в связи с появлением новых художественных форм и проблем. В спектр тем и идей драмы попали социальные проблемы, героические темы. Драматурги находили новые пути воссоздания психологии героев: они пытались увязать воедино внутренний мир человека и нравственные проблемы. Например, в пьесах Г. Ибсена появляется символика и кодировка смысла. Новая драма поставила перед театром задачу познать жизненные закономерности через осознание проблемы или конфликта и эмоциональное воздействие. Генрих Ибсен (1828-1906) - один из создателей национального норвежского театра. Его романтические драмы на сюжеты скандинавских саг и историческую тематику наполнены философско-символическим осмыслением (драматические поэмы "Бранд" и "Пер Гюнт"), Социальные реалистические драмы "Кукольный дом" ("Нора"), "Привидения", "Враг народа" раскрывали сложный внутренний мир героев, противостоящих жизненным обстоятельствам. В драмах "Дикая утка", "Гедда Габлер", "Строитель Сольнес" усилились черты психологизма и символизма. Ибсен выразил протест против всей системы современных общественных установлений, требуя максимальной эмансипации человека.

В начале XX в. появляется большое количество пьес о противоречиях буржуазного общества. Было расширено понятие сценической правды; так, Бернард Шоу (1856-1950) мастерски изобличал лицемерную мораль и современного английского общества. Теоретические основы сценического искусства в творчестве Шоу находятся в тесной связи с философскими идеями. Он стал создателем драмы-дискуссии, в центре которой столкновение враждебных идеологий, социально-этические проблемы: "Дома вдовца", "Профессия г-жи Уоррен", "Тележка с яблоками". В основе художественного метода Шоу - парадокс как средство ниспровержения догматизма и предвзятости, традиционности представлений ("Андрокл и лев", "Пигмалион").

Впервые на пороге XX в. стало появляться представление о постановке как едином целом и при этом эстетическом явлении. Большое воздействие на развитие европейского театра XX в. оказало влияние немецкого театра. Ведущей фигурой не только немецкого, но и мирового театра стал Бертольд Брехт (1898-1956). Он создал теорию "эпического театра", которая стала одной из основополагающих в театральной системе XX в. Брехт считал, что театр предыдущих эпох заставлял зрителя сопереживать. Цель его театра - воспитать в зрителе классовое сознание. Именно этот театр, по мнению Брехта, обращал зрителя к разуму, а не эмоциям. Действие ставилось таким образом, что зритель должен был научиться анализировать и самостоятельно домысливать выход из трудной ситуации. Только в результате такого подхода у зрителей вырабатывалась собственная жизненная позиция, которая помогает в реальной жизни. Свои пьесы

Брехт называл "параболами". Сюжет его пьес представлял некоторую отвлеченность от эпохи, но при этом обязательно присутствовал намек на современные проблемы ("Трехгрошовая опера", "Мамаша Кураж и ее дети").

Развивающийся символизм проявился в творчестве бельгийского драматурга Мориса Метерлинка (1862-1949). В его произведениях наряду с символистским отрицанием реальности заметны элементы народной драмы и традиционного театра. Он выстроил в театре новую "концепцию молчания". По его мнению, человек очень часто и много говорит, при этом его слова пустые, а главные события проходят стороной. Диалог в пьесах должен быть продуманным, а иногда надо уметь сделать паузу, просто замолкать. Именно в этом душа драмы. Метерлинк в своей концепции не обошел вниманием и проблемы актерского мастерства. Он считал, что требуется специальная манера игры, чтобы воплотить принципы условности. Иногда он заменял актеров куклами. Творчество и теоретические взгляды М. Метерлинка способствовали развитию новых подходов к сценическому действию в европейском театре. Попытки внедрения эстетической концепции были усвоены многими театрами мира. Недаром одной из первых постановок К.С. Станиславского была пьеса-сказка Метерлинка "Синяя птица".

Нельзя не сказать об А. Арто (1896-1948) - французском драматурге и режиссере, киносценаристе и теоретике театра. Он является новатором театрального языка. Арто посвятил жизнь и творчество вопросу о новом обосновании искусства, его месте и роли. Арто отвергал традиционное понимание театра и разработал собственную театральную концепцию. Он назвал ее "театр жестокости". Для него "жестокость - осознанное подчинение необходимости, направленное на разрушение индивидуальности". Он стремился реализовать катарсис Аристотеля. Актерскую игру, считал Арто, тоже необходимо изменить, для нее он разработал концепцию "атлетизма": актер должен был применить жестокость к себе, и тогда создавалась особенная реальность.

В историю театра вошли такие авторы, как Дж. Голсуорси (1867-1933), О. Уальд (1856-1900). Переходная эпоха породила много профессиональных актерских школ, из которых выросли многие известные артисты. Новые подходы режиссерского театра оказали воздействие на новый вид искусства - кинематограф. Режиссерская работа стала заметна и в театре, и в кино.

В середине 1950-х гг. появляется театр Ж. Вилара во Франции. Он стал лучшим театром страны. Жан Вилар (1912- 1971) начинал свой творческий путь актером. Он выступил против "прозаизма бульваров" и "абстракций авангарда", пытался утвердить театр, который был бы доступен всем. Ему удалось утвердить новый сценический стиль, эстетически совершенный и широкодоступный. Главной задачей театра Вилар считал доступность восприятия зрительской аудитории. У него появилось много последователей. Он стал руководителем фестиваля драматического искусства в Авиньоне. Ведущим актером в его театре был неповторимый Жерар Филипп.

Произведения, созданные в период постмодерна, приобрели репрезентативный характер. Возникновение театра постмодерна связано с практикой перформансов и хэппенингов. Они получили распространение во второй половине XX в. Главная идея перформанса (англ. performance - исполнение, представление) - отказ от репрезентации для демонстрации истинного действия, которое освобождается от условности. В перформансе полностью доминирует художник, автор, который представляет "живые композиции" с символическими атрибутами, жестами и позами.

Принципиальное отличие хэппенинга (англ. happening - происходить здесь и сейчас, непреднамеренно) заключается в активном зрительском соучастии. Он основывался на импровизации и спонтанной реакции участников.

Период современного развития театра интересен и противоречив. Он был отмечен политическими, социальными изменениями и войнами, которые наложили отпечаток на творчество драматургов и, соответственно, на театр. В XX в. расширились возможности искусства, авторы стали искать новые формы для воплощения, концентрируя внимание на процессе творчества и его динамике.

Итак, мы рассмотрели историю театра древних стран, античности, европейских государств. Каждый период имел свою специфику и национальный колорит.

История русского театра не стала исключением, но у русского театра конца XIX - начала XX в. особая роль: он оказал огромное влияние на всю последующую театральную мировую культуру. Знаменитая система К.С. Станиславского, драматургический талант А.П. Чехова, мастерство русского балета стали достоянием всемирного театра - они не имеют ни временных, ни национальных границ.