Особенный мир Марка Шагала
Марк Захарович Шагал (1887-1985) – уроженец Витебска. Он обучался в Витебске, затем переехал в Петербург и обучался в различных школах Петербурга. В 1910-1914 годах он жил в Париже, где познакомился с выдающимися мастерами парижской школы, с французской живописной культурой.
Когда говорят о Шагале, говорят, прежде всего, о гротескно-абсурдной ориентации его искусства, в котором соединились кубизм и фовизм французов, но особенностью Шагала являете его «сверхреальность». «Шагал не уничтожает быт, напротив, он сохраняет его, наполняет символами. Почва его картин — быт. Его средства – символы и метафоры. Его цель — вечные истины. Художник разламывает быт, разрывает привычные для нас связи, сцепления, а затем по-своему соединяет разомкнутые куски в целостные картины мира».
Шагаловские герои ведут себя в высшей мере произвольно — они летают, ходят вниз головой, его люди превращаются в какие-то странные существа. Мир быта попадает в какое-то новое измерение. Фантастичность художника не знает границ. Мир – как калейдоскоп, он скорее похож на причудливый антимир. И вместе с тем в картинах Шагала всегда присутствует большая правда. Это правда бедности, нужды, бесправия, озабоченности, правда привычек, любви и дружбы, жизни и смерти – вечных и постоянных человеческих проявлений.
Картины Шагала – всегда построенные организмы, где каждый эпизод, каждая деталь занимает свое определенное место.
Текст № 22.
Валентин Серов
Валентин Серов – один из самых известных художников конца XIX – начала XX века.
Он родился 7 января 1865 года. Отец Серова был профессором консерватории, автором популярных опер. Мать была студенткой консерватории. Их близкими друзьями были знаменитые музыканты, художники, ученые.
Когда Серову было шесть лет, неожиданно умер отец. В их шумном доме сразу стало тихо и скучно.
В 1880 году Серов стал студентом Петербургской академии художеств, но учеба в Академии (программа, преподаватели) быстро разочаровали Серова, а за несколько месяцев до окончания он бросил Академию, хотя ему обещали дать медаль и деньги для продолжения учебы за границей. Но Серову уже надоело чувствовать себя учеником, ему захотелось независимости.
В 23 года Серов решился показать свои картины на всероссийской выставке в Москве.
Огромный успех на выставке сделал Серова не просто известным, но и модным художником. Он получал множество заказов на портреты. И художник не отказывался от заказов, даже если люди, которых он рисовал, не всегда ему нравились. Для него главным было понять и показать внутренний мир человека со всеми его плюсами и минусами. Неудивительно, что люди, которых рисовал знаменитый Серов, часто были недовольны своим портретом и называли его «злым художником». Он был очень честным человеком, прямым по характеру.
Умер Валентин Серов 22 ноября 1911 года. На его похоронах много говорили о таланте художника, но еще больше говорили о том, что Серов был совестью русских художников.
Текст № 23.
Краски Древней Греции
Мы привыкли к белым статуям в наших музеях и забываем, что у греков статуи были раскрашены: открытые части тела в телесный цвет, одежда в красный и синий, оружие – в золотой. Глаза мраморных статуй кажутся нам слепыми именно потому, что зрачки у них не вырезались, а писались по мрамору краской.
Греки любили яркость. Неудивительно, что они любили и живопись. Но греческую живопись мы знаем гораздо хуже, чем греческую скульптуру: картины сохраняются труднее, чем статуи. «Древнюю архитектуру мы знаем по развалинам, скульптуру по копиям, живопись по описаниям», - сказал один ученый.
Греки рисовали, как рисуют дети: сперва чертили контур, потом его закрашивали. Красок поначалу было только четыре: белая, желтая, красная, черная. Лучшую белую делали из известняка с острова Мелос (отсюда наше слово «мел»), лучшую желтую – из аттической глины, красную привозили с Черного моря, а для черной пережигали виноградные косточки или слоновую кость.
Современные художники чаще всего пишут масляными красками на холсте; в Греции этого не было. Когда расписывали стены по сырой штукатурке, то разводили краски прямо водой, они всасывались и засыхали; потом такой способ стали называть «фреска». А когда писали на деревянных досках, то приготавливали краски не на масле, а на яичном желтке – этот способ потом назывался «темпера», так работали средневековые иконописцы.
(М.Гаспаров)
Текст № 24.
Большой театр
Большой театр – один из старейших музыкальных театров России. Трудно подсчитать, сколько спектаклей было поставлено, сколько поколений актеров сменилось, сколько миллионов зрителей, побывав здесь, приобщилось к великому чуду искусства.
А начинался театр так: в 1776 году московский губернский прокурор П. В. Урусов построил театральное здание, которое получило название «Петровский театр», так как стояло на углу улицы Петровки. Это был первый в Москве постоянный театр. В нем ставились оперы, драмы и балеты.
В 1825 году на месте старого Петровского театра был построен новый. Его назвали Большой театр, это здание было вторым в Европе по величине после знаменитого миланского «Ла Скала». В 1853 году, после пожара, помещение театра было перестроено. Архитектор Альберт Кавос сохранил общую схему здания, но сильно изменил его пропорции – театр был надстроен и стал выше.
В 1921 году здание театра обследовала комиссия, включающая видных московских архитекторов А. В. Щусева, И. П. Машкова и И. В. Жолтовского; комиссия пришла к выводу о катастрофическом состоянии зрительного зала. Работы по укреплению стены начались в 1921 году и продолжались в течение двух лет. При перестройке зал был расширен, его форма несколько изменена для улучшения акустики. Охваченный пятью ярусами, театр имеет 2150 мест. Большой театр стал таким, каким его знают сегодня все любители искусства.
Текст № 25.
О Майе Плисецкой
С известной русской балериной Майей Михайловной Плисецкой я встретилась во Франции. Она выступала в Парижском театре оперы и балета. Когда я разговаривала с ней, я узнала, что для Майи Плисецкой вопроса «Кем быть?» не было, потому что, еще не научившись хорошо ходить, она уже танцевала. Она всегда знала, что будет балериной.
Плисецкая родилась в московской семье, где все занимались искусством. С детства она слышала рассказы о жизни театра, об искусстве, музыке. Майя училась в Московской балетной школе у опытных педагогов. Майя была очень талантливой девочкой. Природа дала ей все: легкие ноги, красивые руки, музыкальность. Все это ставило девочку на первое место в классе. Преподавателям работать с ней было просто и интересно.
Но природные способности иногда мешали Майе. Она очень долго не могла понять, что танец – это, прежде всего труд, тяжелый труд каждый день. И она очень переживала, когда в танце что-то не могла сделать.
Так было много лет назад. Шли годы. Майя Плисецкая училась не только танцевать, но и работать, работать постоянно, ежедневно.
У Плисецкой был талант и огромная работоспособность, поэтому она стала одной из самых известных балерин мира. Однажды Плисецкую спросили: «Сколько лет вы учились танцу?» Она ответила: «Всю жизнь и каждый день».
Текст № 26.
Российский кинематограф
Кино до сих пор самое популярное искусство, доступное всем. Фильмы не знают границ, а кинозвезд знают все. Только появившись, кинематограф завоевал мир.
Российская кинематография стала известна в мире с выхода на экран фильма «Броненосец «Потемкин» (1925 г.), который возглавляет список 10 лучших фильмов XX века.
Неоднократно российские фильмы побеждали на престижных международных кинофестивалях. Это кинокомедия «Веселые ребята» (1934 г.), военная драма «Летят журавли»(1957г.), затем «Баллада о солдате», «Отец солдата», «Гамлет» и др. Премии «Оскар» были удостоены фильмы «Война и мир», «Москва слезам не верит», «Утомленные солнцем».
С начала 90-х годов XX века русское кино переживает кризис. Государственное финансирование резко сократилось, кинопроизводство почти остановилось, многие киностудии закрылись. В этих условиях кинотеатры начали широкий прокат американских фильмов. Однако так продолжалось не очень долго. Удовлетворив любопытство к голливудским фильмам, люди почувствовали, как далеки эти фильмы от российских реалий и проблем. Режиссеры тоже пришли в себя от экспансии зарубежного кино, начали адаптироваться к условиям рынка, стало увеличиваться и бюджетное финансирование отечественной кинематографии. В результате на экранах появились новые российские «хиты»: «Кавказский пленник», «Небеса обетованные», «Брат», «Брат-2», «Утомленные солнцем», «Сибирский цирюльник» – фильмы разные по художественному уровню, по жанрам, но их авторы нашли стиль, темы, образы, приметы жизни, отражающие дух времени, отвечающие ожиданиям и вкусам сегодняшних зрителей.
Текст № 27.
Фестивальная жизнь
Несмотря на кризисную ситуацию, в России регулярно проводятся кинофестивали. В последнее время их количество даже увеличилось. Фестивали способствуют популяризации отечественного кино среди зрителей; они нужны и кинематографистам: здесь режиссеры знакомятся с творчеством друг друга, открывают для себя новых актеров.
Во время встреч со зрителями деятели кино имеют возможность почувствовать их настроение, понять их интересы и ожидания, а также объяснить свое понимание сегодняшнего кино. Фестиваль – объективный показатель уровня развития киноискусства, он же высвечивает проблемы отечественного кино. Наконец, фестиваль – всегда праздник и для зрителей, и для создателей фильмов.
Самым известным и представительным российским кинофестивалем является «Кинотавр», который ежегодно проводится в Сочи и собирает много участников и зрителей. Этот фестиваль открыл для широкого показа фильмы «Кавказский пленник», «Барышня-крестьянка», «Брат», имеющие большой успех у зрителей. В Санкт-Петербурге проходят фестивали «Виват, Россия!» и «Фестиваль фестивалей», а также фестиваль документального кино «Послание к человеку».
Особое место занял кинофестиваль в городе Выборге – «Выборгский кинофестиваль», благодаря теплой, непринужденной атмосфере, широкому отклику всего населения этого небольшого городка, праздничному настроению, созданному организаторами. В Гатчине, под Петербургом, проводится интересный фестиваль «Литература и кино», в котором участвуют кинематографисты бывших союзных республик, а также польские и канадские деятели кино. Все это дает надежду, что российское кино впереди ждут большие успехи.
Текст № 28.