Гатчина, дворец Павла (!!!) – нимфа Эхо

Театр в Эпидавре насчитывал 20000 мест. Грандиозными театрами были в Мегалопоне (40тыс) и в Эфесе (60тыс).

Театральное представление было органической частью повседневной жизни греков. В Афинах был учрежден государственный фонд, который предназначался бедным гражданам. Его не трогали даже при войнах, болезнях и т.д. Он был сугубо театральным.

Организацию театральных представлений брало на себя государство через специальных лиц. Драмы ставились на малых сельских дионисиях и на линеях.

В драматических представлениях, проходивших в форме состязания, участвовали 3 трагических поэта и 3 комических. Каждый из трагиков должен был представить 4 пьесы (3 трагедии и 1 сатировскую драму), они должны быть связаны одним сюжетом – вместе они составляли тетралогию.

Комические поэты представляли по 1 комедии.

Состязания продолжались 3 дня. Каждый день с утра играли тетралогию, а вечером – комедию. К участию допускались только новые произведения, повторяться запрещено.

Высшим должностным лицом был архонт, он давал добро на постановку пьесы или набор хора. Издержки, связанные с обучением хора, костюмами государство брало на себя.

Хореги, актеры, все члены хора находились под покровительством божества на участии в состязаниях (освобождались от налогов и воинской повинности). Состязания судил демос и особые выбранные лица. Было установлено 3 награды.

Победившие драматурги получали гонорар и награждались венком из плюща. Имели право возвести памятник с указанием победы, с обозначением даты проведения этих соревнований. Результаты состязаний вносились в особый протокол, хранимый в Афинах – дидаскалия.

Протагонист – первый выделившийся актер из хора.

Тефтерагонист – второй актер.

Тритагонист – третий актер.

В последний период эллинистический актеры в Греции пользовались большим уважением и занимали высокое положение в обществе, некоторые были даже членами государственного совета.

Актером мог быть только свободный человек в Греции. Их избирали на высокие должности (могли быть послами).

В спектакле было 3 актера, каждому их них приходилось играть несколько ролей. Значительная часть драмы проходила на глазах зрителей, а то, что происходило за сценой, зрители узнавали от вестников (подсунутых в толпу людей).

Актеры были мужчинами и исключительно в масках, выдававших только одну эмоцию. Маски нельзя было менять. Необходимость маски на лице: позволяла играть женские роли, а также без нее были плохо видны черты лица актера. Маски делались из дерева или из полотна, покрытого гипсом. Маска прикреплялась к парику и надевалась на голову, могла прикрепляться борода. Трагическая маска – онакс, делалась дырка во лбу, должна вызывать смех. Одежда и обувь у разных масок тоже были различны: трагики надевали одежду жрецов Диониса (длинные плащи – гематии, короткие костюмы - хламиды), ее шили из льняной ткани. Только выдающиеся персонажи носили плащи (благодаря внешнему виду зрители понимали, кто перед ними).

Если в пьесе планировались роли без слов, для них существовали специальные люди – статисты, актеры-непрофессионалы. Особое внимание уделялось жестам (чтобы подчеркнуть выражение лица), безукоризненной дикции.

Хор выполнял разные функции. Трагический хор – 12-15 человек, изображал людей, близких к герою (жена, дети, друзья). Комедийный хор – 24 человека, изображал людей и животных или сказочных героев, служителей религиозного культа.

С появлением вторых и третьих актеров значение хора ослабевало и не носило более никакой функции, порой он даже переставал появляться в антрактах.

Драматические представления начинались с рассвета, заканчивали к вечеру. Зрители ели, пили прямо там. Публика выражала непосредственное отношение к пьесе (могло дойти до того, что люди ломали скульптуры и кидали в актеров). Театр был полнейшей импровизацией, руководимой мнением зрителя.

Для получения успеха у зрителей и провала выступления соперников авторы пользовались подставными лицами в публике, которые заводили толпу.

Литература:

Эристофан «Всадники», «Мир», «Лягушки»

Еврипид «Медея»

Софокл «Царь Эдип»

Эсхил «Орестея»

Москульский С.С. «История западноевропейского театра»

Истории древнеримского театрального искусства

Является прямым продолжением древнегреческого театра.

Древнейшая цивилизация – этруски, этрусская культура была выше римской и греческой, они еще до римлян организовали конфедерацию городов (Рим), внесли свой вклад в театрально искусство.

В 9 веке до н.э. – греческое влияние на этрусков (образцы мифологии, обрядовые игры, гомеровский эпос)

8-6 вв до н.э. – 1 царский период римской истории (7 царей)

Истоки римского театра восходят к обрядовым играм, но: в Греции обрядовые игры находились под патронажем религии, в Риме – это политический механизм создания определенного гражданского мировоззрения (плебейский театр, гладиаторские бои и т.д.)

Сатурналии – праздник, посвященный Сатурну. Происходило так называемое «переворачивание» - любительские игры с эротическим подтекстом, когда господа превращались в рабов, а рабы в господ.

Одним из источников римского театра стали праздники сбора урожая. Все обрядовые стороны плодородия связаны с угождением божеству. Праздники возникали издревле, когда Рим был еще маленьким городом Лацией. На этих праздниках распевались веселые грубоватые песни – фесценины (два полухория, которые обменивались шутками). Зародились еще при родовом строе и существовали в дальнейшие века. Квинт Гораций Флант говорил, что в фесценинах находила отражение борьба между плебеями и господами.

Сатура – другая форма театрального искусства. Основа – мимические танцы. Театралы – плебеи.

В 364 году Рим постиг большой мор. Чтобы остановить трагедию римляне решили умилостивить богов и устроили сцен.игры на 5 лет: из 12000 актеров осталось 600 человек, и когда умер последний актер – мор закончился.

Ателаны – предшественники римской тогаты, игры. В них был не только политический подтекст, были популярны среди молодежи (грубые, веселые). Изначально проводились в дни празднеств, в последствие чаще. В ателане действовало 4 постоянных комических персонажа (мак – простак, крестьянин-дурак (в ослиной маске, с горбом); буккон – хвастун, обжора, сплетник (надутые щеки, уродливый рот); папп – глупый старик, самовлюбленный пьяница, мб скупердяй (маска старика с красными щеками и длинной бородой); доссен – шарлатан, злой философ (в маленькой шапочке, с кривыми зубами).

К народной драме восходит и мим. Мим воспроизводил сценки из народного быта, иногда пародировал миф. Римляне любили дурачиться на тему богов (переодеваться в них, убивать их).

В Риме существовали те же обрядовые игры, что и в Греции, но дальше начал драмы дело не дошло. Считалось, что народный театр в принципе не может существовать (театр – только для богатых, для патрициев). Развитию народного театра мешал консервативный уклад римской жизни и сопротивление жрецов. В Риме не сложилась самостоятельная мифология (перенимали у греков). Заимствовали литературную драму.

После войны Рима с Карфагеном 240 до н.э. было решено устроить представление (Тит Ливий Андроник – драматург, родоначальник римской драмы). Его постановки дали первый толчок развитию римского театра.

С 235 года пьесы ставит Гней Невий (???) – первобытный римский поэт, сочинявший произведения не на греческой основе. Изначально пытался по троянскому циклу писать, но после выступил с сюжетами из римской истории (серия о пунических войнах). Славу ему принесли его комедии – Палиата (переработка новоаттической бытовой комедии – ставилась в Риме в течение 200 лет). Действие палиаты происходило в Греции. Контаминация – соединение в римской комедии 2-3 греческих сюжетов. Невий стал основателем римской национальной комедии – тогаты.

Тит Макций Плавт (254-184 до н.э.) – Рим из с/х общины превращается в урбанистический ареал обитания, расцвет государственности, Рим захватывает полностью территорию Апенинского полуострова. Излюбленным персонажем Плавта является сам мак (сам играл исключительно мака). Секрет успеха Плавта – его комедии имели самобытный дух римского общества, заимствованы черты ателаны. Любил шутить над плебеями (сам плебей), за счет своей деятельности стремился к наживе (интересовался заработком). Имел патронаж сенаторов. Большое место в его комедиях отводится пению и музыке – кантики (большие музыкальные элементы: арии и речитативы). Образы героев статичны и не обладают психологической глубиной. До нас дошло 20 комедий полностью, одна в отрывках (всего 60). В Средние века был основательно забыт.

Публий Теренций – следующее поколение драматургов. 195-109 гг до н.э. Урожденец Карфагена, раб. Сенатор заметил способности, взял в обучение. Работал в жанре палиаты. Он отказался от театральных средств, от приемов ателаны (непристойно), отказался от грубых, надменных шуток, прямого общения со зрителями. Взамен этого он создает более глубокие психологические характеры персонажей, с некоторых снимаются маски, чтобы обратить внимание на мимику актеров. Комедии знакомили зрителей с миром, персонажи которого находились в ограниченных рамках, но за счет своей психологии их разрывавшие. (Раньше были широкие рамки). Написал 6 комедий, все сохранились, сюжеты бытовые, некоторые сюжеты заимствовал у Менандра. Конфликты носили семейный характер, главная цель комедии – гуманизация нравов. В комедии «Братья» (166до н.э.) он развивал вопрос о воспитании молодежи (воспитание сверхнового человека, демократа). Предшественник новой европейской драмы – его творчество оказало влияние на европейскую творческую общность (Мольер, Дидро, Лессинг).

Императорская эпоха театра – падение республики 1 век до н.э.

Октавиан Август (31год до н.э.) понимал значение театра как механизма манипуляции сознанием народа. Особой заботой было возрождение на римской сцене трагедии греческого типа. Его стремления были поддержаны поэтом Горацием (написал «Науку поэзии»). Пишет, что в основе искусства должна лежать мудрость, поэт – воспитатель нравственности, искусство должно быть изящным. Остальные поэты восприняли эту идею не очень (предпочитали комедию). Август хотел показать в трагедиях, как за 6 веков разложилось римское общество.

К концу правления Октавиана трагедия приходит в упадок. Ставились отдельные музыкальные части трагедии, которые вызывали хоть какой интерес (актерские арии в костюмах и масках). Далее оно превращается в самостоятельно представление и так и сохраняется до конца существования Рима 476.

Се’нека – полит.деятель, философ, писатель. 4 до н.э. - 60 н.э. Воспитатель Нерона. Писал трагедии в последние годы своей жизни (связано с изгнанием). Наиболее известные трагедии - «Эдип» и «Медея». Трагедии получили новую направленность под влиянием социально-политических условий того времени (террор Нерона). Герои Сенеки – жестокосердные тираны, попиравшие все нормы морали и человечности. Сенека умело описал их пороки. Персонажи однолинейны по характеру, это компенсировалось тем, что каждая черта доводилась до предела. Задача – чтобы зритель ушел, задумавшись. Зритель не одобрял. Однолинейность оказала влияние на философов и ученых эпохи Возрождения (Сенека – эталон). Сенека придумал декорации (типа 3д) из дерева или гипса (два дома, двор или рощи). Пьесы игрались на плебейских играх в ноябре, на аполлоновых играх в июле.

Здания театра не было до середины 1 века до н.э. Иногда пытались строить здания, но сенаторы его разрушали. Поэтому использовались только помосты. Актеры в 3-2 веке уже не имели масок, маски появлялись в некоторых жанрах изредка. Могли играть 3-4 актера.

Постоянный театр был сооружен в 55 году до н.э. Неем Помпеем (40 тысяч человек вмещал). Позже были построены еще 2 театра – крытые помещения, курии).

Плавт «Хвастливый воин»

Теренций «Братья»

Сенека «Медея»

Литература по средневековью:

Бодель Жан «Игра о Св.Николае»

Адвокат Потлен «Анонимный фарс 15 века»

Де Ла-АльАдам «Игра о рабыне Имарион»

Миракль о роберте дьяволе

Театр в Средневековье

5-15 вв. Начинается с падения Рима, заканчивается началом эпохи Возрождения.

Основные черты эпохи:

процесс формирования наций и государств в Европе

развитие городов (урбанизация)

складывание западноевропейского христианского типа культуры на основе повсеместного распространения христианства

В период раннего Средневековья идет формирование европейской нации. История театрального искусства рассматривается в 2 направлениях: светском и клерикальном (религиозное). К клерикальному направлению относят литургическую драму, миракль, мистерию и моралите. К светскому – ранние обрядовые игры, площадной фарс и первые опыты светской драматургии. (Истоки театра).

Противоборство христианства и язычества. Деревенское население продолжало праздновать конец зимы, в играх, танцах и песнях они выражали веру в богов. Городские жители принимают христианство. Болгария и Италия могли похвастаться тем, что у них первых проходили соревнования в творчестве.

Отдельные виды сельских увеселений породили новый вид игрищ – соревнования гистерионов (в Германии – шпильманы).

В городах появляются актеры-профессионалы своего дела. Появлялись шарлатаны, способствовавшие ворам обкрадывать зазевавшихся зрителей. Основы гипнотического воздействия театра.

К 12 векам актеров тысячи. Окончательный отрыв от деревни, выступления на ярмарках. Искусство отличалось синкретизмом (шутки, музыка, куклы, все что угодно еще). Далее происходило разделение гистерионов по специальности.

Буффоны – комики. Циркачи, жонглеры, рассказчики, певцы, музыкант и т.д., стихи+баллады – трубадуры.

Развивается народное творчество вагантов (летописцев). В их деятельности ярко выражался бунтарский характер. Ими становились школяры, низшие священники или священники, лишившиеся должности – они насмехались над папской властью и королями Европы.

Трубадуры и ваганты были гонимы церковью, однако светской власти нравились. = глас народа. Были шутами при дворах феодалов.

Гистерионами были совершены первые попытки изобразить человеческие типы. Подготовили рождение фарсовых актеров и светской драматургии.

С 13 века искусство гистерионов угасает (церковь считает недопустимым).

Церковная драма – возникла в противовес деревенским игрищам, с целью проповеди и увеличения паствы, христианизации Европы. В 9 веке театрализуется месса, вырабатывается ритуал чтения в лицах эпизодов из жизни Христа (евангельские мотивы). Отсюда формируется ранняя литургическая драма, разыгрывавшаяся в храме.

Литургия – «служение», «общее дело». Рождество, Пасха. Литургическая драма – часть литургии, ее исполнители – священнослужители. Ранние драмы были насыщены символами и символическими жестами, дальше – более реалистическое исполнение.

Та же тенденция в оформлении действа (гроб господень – алтарь, потом ящик).

Лит.драма органически вписывалась в пространство храма. В алтаре находилась ризница, где хранили утварь, костюмы и т.д. Использовались верхние галереи, где находился хор (изображали ангелов).

К 12 веку лит.драму выгнали на паперть (считали, что негоже приходить в церковь за развлечением). Рождается полулитургическая драма, попадавшая под влияние толпы, библейские сюжеты становились все более житейскими, любимыми персонажами народа стали черты. Таким образом, в драме «Действо об Адаме» черты устраивали веселую пляску, встречая Адама и Еву в аду. Все персонажи наделялись психологическими чертами, сам дьявол был вольнодумцем, философом. Библейские тексты подвергались поэтической обработке, появлялись трюковые моменты, хлопушки и т.д. Церковная драма продолжала сохранять тесное отношение с церковью.

Продолжали развиваться светские элементы в церковной драме. Жанр миракль (12-13 в) – в основе лежит авторская драма. Сюжет миракля не имел прямого отношения к библейским мотивам, он сочинялся на основе легенд о святых. «Игра о Св.Николае» - отголоски крестовых походов. «Миракль о Роберте дьяволе» давал общую картину столетней войны (Жанна Д’Арк).

Во всех эпизодах миракля передавалась реальная картина времени (все молились утром и на ночь). Сатирическое изображение картин давалось, чтобы предать невеж поруганию, нацелены на то, чтобы привести к покаянию грешников. Все сюжеты, заимствованные из рыцарских романов, начинались с осуждающего описания жизни города.

Параллельно развивалась светская драматургия французского трувера (трубадура).

Адам Де Ла-Аль. 1ая пьеса – «Игра в беседке», ее отличает жанровый разнобой (бытовые нюансы + сказочные элементы). Смешанный жанр получает название «толченный горох».

«Игра в короля и королеву» (пляски + театральное действо + хоровое пение + песнь деве Марии). В его творчестве народно-поэтическое начало сочетается с сатирой (отличительная черта). В произведениях были зачатки будущего театра эпохи Возрождения, был ряд продолжателей его творчества.

Далее развивается мистерия. Это жанр религиозного театра, в котором сочетались библейские сцены с комедийно-бытовыми эпизодами. Ведет начало от 13 век. Наибольший расцвет получает с 15 века. Город преодолевает феодальную зависимость, становится центром политической свободы. Мистерия – продукт городской культуры. Складывается площадная мистерия для широкой публики, организованная не церковью, а цехами (союзами ремесленников). Цель – привлечь народ на площадь, на рынок. В мистериях участвовали сотни актеров.

Мистериальная драматургия делится на 3 цикла:

- ветхозаветная (самые ранние)

- новозаветная

- апостольская

«Мистерия ветхого завета» - 50 тысяч стихов. 242 действующих лица.

Ветхозаветные – главный герой Бог, ангелы, Люцифер, Адам и Ева. Показывалось сотворение мира, восстание Люцифера и т.д. Чудеса в виде фокусов.

Новозаветные – «Мистерия страстей», образ Христа, высокая риторика, патетика, драматические образы Богоматери, грешника Иуды – понятие внутреннего монолога

В мистерии 15 века проникает патриотический пафос. «Мистерия об осаде Орлеана» 1429 - исторические персонажи заменяют ветхозаветную мистерию (Бог = французы, дьявол – англичане). Патриотический пафос вложили в Жанну.

Сценическое искусство было эффектным, использовались подъемники, передвижения декораций, пакетики с бычьей кровью/краской, смена живых актеров на кукол (при отрубании головы, распятии).

Мистерии были эффективнее проповеди.

Актеры рядились в костюмы.

Игра актеров: патетика + гротеск.

Текст мистерии часто импровизировался, критика церкви и феодалов могла не фиксироваться, а указываться вскользь.

Архигистреон – верховный актер, «постановщик».

Из-за импровизации к 15 веку мистерия затухает.

1548 году мистериальным обществом был запрещен показ представлений.

Площадная форма была хранима церковью. 15 век – сочетание проповедников и гуманистов. Власть искореняла вольнодумство, а представление его поощряло.

Мистерия воспитала в народе вкус к театру. Не смогла выйти из-под церковного влияния, но раздвинула тематический диапазон средневекового театра, накопила опыт.

Драма в стихах – моралите. Любимый жанр церкви. Наивысшее развитие в 15-16 веках. Основной признак – аллегория. Каждый отдельный персонаж олицетворялся пороком + было столкновение героев. Особенность – поэтическая речь. Актеры – риторы, которые имеют свое якобы собственное мнение и высказывают отношение к окружающему миру. Игра актеров становится весьма сдержанной, нет сатирического подтекста, перевоплощения выполняются элементами костюма (красное платье – мятеж, полное вооружение – война и т.д.). Можно было встретить мотивы социальной критики. Авторы – гуманисты, профессора школ. Во франц. «Осуждение пиршеств» осуждаются наряды, лакомства, обжорства, пьянство и т.д.

Историческое значение моралите – он внес в средневековую драматургию структурную четкость. Жанр поставил перед театральным искусством задачу построения типического образа. Задачу решил, распространения не получил.

Фарсовый театр. Площадной фарс ко 2 пол 15 века выделился в отдельный жанр – пародии на церковную службу в виде веселых праздников (дурацкие корпорации). Они объединяли мелких чиновников, богему, семинаристов в шутовские общества, распространявшиеся по всей Европе. В представлениях высмеивались епископы, судьи и короли. Разыгрывались сатирические сценки – сотьи. В них выступали шуты и дураки. В сотье использовался опыт аллегории моралите. Стали самостоятельным жанром и испытали расцвет в 15-16 векам. Благодаря сотьям, король Юлий 2 боролся с Папой Римским. (????)

Высмеивались власти. Франциск 1 запретил сотьи.

Фарс использовался в мистериях. Основу сценок составляли события бытовые. Актеры – фарсеры. Белили лицо мукой, придавая им «масочность». Фарсёры наделяли персонажей яркой чертой, маска не менялась в процессе представления, роль эмоционально статична, в ходу была импровизация.

В целом массовый буффонный фарс стал господствующим жанром, ибо олицетворял все события социально-политические. В 15 веке была распространена серия фарсов об адвокате, который преуспевал на поприще мошенничества, его надул пастух.

Высмеивались все слои населения.

Фарс был детищем народа – демократический жанр в драматургии, был связан со свободным волеизъявлением.

Базош (кружок судейских клерков) – популярный.

В конце 16 века монархи добились прекращения деятельности главных обществ фарсеров.

Из фарса родилась комедия дель артэ.

В Испании появилось творчество отца испанского театра (Лопе де Руэдо).

В Англии по типу фарса писал Джон Гейвуд.

В Германии - Ганс Сакс.

Фарс – театр эпохи Возрождения.

Периодизация эпохи возрождения:

12-14 вв – проторенессанс

Тричентро квантрочентро – 2 пол 14 в – 15 вв

Высокий ренессанс до 2 трети 16 века

Поздний ренессанс до 1 половины 17 века

Театр барокко

Вклад в развитие этого театра внесла Италия. Поздний Ренессанс: оперный театр. Опера родилась вместе с комедией дель арте. Зрелости достигла в середине 17 века. Усвоила ряд тенденций разлагающегося театрального стиля. Стала основным жанром театра аристократии и буржуазии.

Опера была автономна от своих предшественников. Барокко – культура контрреформации. Ренессанс + Реформация = барокко. Оно есть католическая реакция на Реформацию. Задача церкви – подчинение буржуазии, упрочение своего авторитета. Контрреформаторы не отрицали наследие гуманистов, они осваивали новые течения в нужных себе направлениях, убирая все ненужное и вредное, очищая искусство под себя.

Искусство барокко сочетало аскетический мистицизм и светский гедонизм.

Соперничали друг с другом идеализм и натурализм, субъективизм и античные каноны. Барокко отвечало тенденциям прогресса, учитывало специфику развития и впитало в себя социально-политический заказ.

Итальянский оперный театр: сам по себе становится барочным искусством. Барокко – наиболее театральный стиль.

Особенности театра барокко:

Особенности в области драматургии: утверждение смешанных жанров (трагикомедия); сочетание речи, плясок и пения (опера, комедия дель арте)

Особенности в области театральной архитектуры: ярусный театр (ложи, балконы и т.д.) – для дифференциации посетителей по ранговому признаку; давал право выбора мест в зрительном зале (ценовая политика)

В области устройства сцены: создается глубинная сцена барокко с меняющимися перспективными декорациями, появляется разнообразная бутафория, сложная машинизация – работает на сценические эффекты

В области построения спектакля: установка на беспрестанное движение (постоянная динамика), разнообразие, использование всех ресурсов сцены в сочетании с развитым мастерством профессиональных актеров.

Особенности в области актерской техники: установка на внешнее виртуозное мастерство, понимаемое в смысле преодоления технических трудностей. Актер должен стремиться поразить зрителя своей виртуозностью.

Все эти особенности ярко прослеживаются в оперном театре (призван обслуживать ведущий социальный класс). Цель: поразить аристократов.

Из Италии опера проникает в другие страны, ставится в театрах с другой архитектурной (в неярусной оперу не пели).

Задача флорентийских новаторов – создание одноголосных мелодий, которые д.б. производить впечатление... Первый композитор – Винченцио Галилей. Следующий – Жулио Кончини, ввел речитативный стиль музыкальной декламации.

Встает задача создание музыкально-речитативной драмы. Эту задачу осуществил Ягоппо Пери и поэт Оттавио Ребучини. Ими была написано первое либретто для первой итальянской оперы «Тафт» 1594г.

Первые оперы еще не имели увертюр в начале, зачастую начало выступления знаменовали фанфары трубачей. После них следовала пауза и спектакль (с пролога, исполнявшийся в виде арии). Драматургическое настроение: сочетание ренессансной трагедии и пасторали.

Религиозно-дидактическая опера (от церкви). «Представления о душе и теле» 1600 г, автор – Эмилио Де Пуальери. Этот вид оперы дает начало оратории (крупное музыкально-драматическое произведение для хора, солистов, оркестра). Очень сложно.

Венецианская опера – новый виток в развитии оперы. Демократизировал оперные спектакли (публичные, платные театры для каждого желающего). Внедрение в спектакли элементов буржуазного реализма: Клавдио Монтоберди (1567-1643) отказался от преклонения перед античностью, внес историческую тематику, что сделало его самым знаменитым композитором оперы. 1642 г – «Короноция Попей» Историческая тематика прямо отвечала запросам буржуазного реализма, передавалась в музыке вся эмоциональная палитра спектакля (актерская).

Франческо Ковали (1599-1676) – появление в опере народных мотивов, упрощается мелодический рисунок, развит комический элемент (опера вступает во взаимодействие с комедией). Свобода движения, сложность интриги, характерный политический элемент. Главная цель – изображение подробных событий исторической тематики (аристократия, события жизни). Театр 17 века политизируется с новой силой. Венецианская опера утверждает барочную структуру театра, размах барочной пышности и роскоши, феерия.

В Венеции начал свою деятельность Джузеппе Торелли (аристократич. Работ).

Меняется техническая составляющая театра, эволюционирует сцена эпохи барокко: на смену статической сцене приходит динамизированная перспективная сцена (везде царит движение благодаря техническим элементам и развитию живописи). Декорации менялись в процессе представления без необходимости закрывать занавес. Живопись: глубина, перспектива, позволяет поместить актера не перед декорацией, а внутри ее.

Была завоевана вся площадь сцены, не только горизонталь, но и вертикаль. Театра барокко изобретает систему верхних и нижних машин – герои эпохи летают над сценой. Усовершенствуется сценическое освещение (масляные лампы, отражались по принципу маяка, отражатели были разных цветов).

Подвижные декорации – сменяющиеся декорации.

Появляется оркестровая зала.

Сцена отделялась от зрительного зала передним рвом – увеличивал расстояние зрителя от перспективных декораций, размещение оркестра, невидимого залу, для осветительного оборудования и для опускания в него занавеса.

Симметрично ему был задний ров (позади сцены): для осветительного оборудования, там проезжала бутафория, управление машинами (рычаги, тех.оборудование).

За задним рвом находились перспективные задники (фон). Большие деревянные рамы, обтянутые холстом с изображением, менялись со сменой декорации (мб до 50), переезжали. Появляется кулиса (ее изобрел Джиован Батисто Алеотти, архитектор, 1620г).

Андрэа Поца (1642-1709).

Новшество: создан новый тип ярусного театрального зала (ложи, балконы, галереи) – сохранился до наших дней. 1637 в Венеции построен первый ярусный театр – Сан-Кассиан. Затем до начала 18 века было построено еще 9 ярусных театров (В Венеции), из них 7 – оперные, 2 – для комедии дель арте. Переход к ярусному театру ознаменовал обрыв с ренессанской традицией в области театральной архитектуры. Заканчивается эпоха Возрождения в театральном искусстве. (Столкнулся с оптическими и акустическими проблемами).

Поначалу аристократия с удовольствием занимала первые места в партере, а потом стала забираться повыше – в ложи (изолировать свое сиятельство). Таким образом, партер стал местом для обычных людей, кресла сменились деревянными лавками. Позже партер стал стоячим – до конца 18 века.

Италия 17 века стала экспериментальной лабораторией театрального искусства. Несмотря на экономический упадок, итальянский театр стал образцовым для подражания для Европы, получает мировое признание. Театральное развитие других стран происходило медленно.

Северный Ренессанс (Ренессанс Англии, Испании, Нидерландов и т.д.)

В 15 веке итальянское влияние распространяется на северные страны. Главная особенность СР подготовлена Реформацией. Нидерланды в начале 15 века становится крупным центром европейской культуры, в сер 15 века – Германия и Швейцария, далее Франция, Англия и Испания (16 – 1 пол 17).

Пик СР – 1 пол 17 века, когда в Италии Ренессанс подходил к своему концу. Нидерланды, благодаря выгодному положению, стали одним из передовых участков для Европы в плане экономическом (на первом месте Италия). Это обусловило создание в Нидерландах образцов ренессанского искусства и культуры. Новую культуру создавали ученые-гуманисты (Эразм Роттердамский). Гуманистическое движение сопровождалось переводами античных писателей на национальные языки (Цицерон, Теренций, Гомер). Возникает ученая поэзия на латинском языке. Эразм Роттердамский (1466-1536) – знаток поэзии. Наиболее выдающимся представителем немецкой культуры можно назвать – Ганса Сакса, поднимает новые темы в комедиях и трагедия (связаны с немецким стилем жизни). «Комедия о терпеливой и послушной графине Гризельде» (по мотивам Боккаччо). В ней он дает моральный образец патриархальной женской кротости и послушания. «Роковой Зигфрид» - непослушный сын получает возмездие за буйное поведение. Практически все произведения СР были направлены на создание образа послушного юноши/девушки, отвечавшим запросам католических религиозных канонов. Демократический реализм Ганса Сакса стал причиной его широкой популярности. В 18 веке правдивостью, наивностью восторгался Гетте, он подражал ему в первой части Фауста. В 19 веке нем.композитор Рихард Вагнер сделал Сакса героем своей муз.драмы.

Во Франции Контрреформация, нарастает количество народных восстаний. Франц.дворянство полностью берет в свои руки культурную жизнь страны (манипуляция сознанием). До середины 16 века во Франции еще игрались фарсы, мистерии. Были популярны в силу своей демократичности (понимаемы, дешевы и т.д.) Появляются первые ростки ренессансной драмы – в виде трагедии. Сочиняли ученые-гуманисты на латинском или франц.языках. Одну из первых трагедий «Эдип» написал франц.гуманист Жозеф Зуст Скареген (1540-1609). Составил трактат по поэтике ренессансной драматургии (на основе поэтики Аристотеля) – разработал элементы будущей системы драматургии:

деление пьесы на 5 актов

закон трех единств

изображение в трагедии только возвышенных сюжетов и исключительных положений (не крестьянин)

запрет смешивания трагедии и комедии

введена обязательная роль вестника (люди рассказывают о том, что происходит)

Актер должен испытывать натуральные эмоции, которые произошли бы с человеком в той ситуации (естественность). Следуя Сенеке, рекомендует использовать мелодраматические эффекты (гибель царств, убийство, речь мертвецов и т.д.). Такого рода трагедии сочинялись студентами как литературные упражнения, предназначались они для постановки в стенах учебных заведений. Затем перекочевали на домашнюю любительскую сцену (аристократия, буржуа), благодаря этому студенческий театр получил путевку в жизнь.

Отцом французской трагедии является Этьен Жадель (1532-1573) - мечтал о создании нац. поэзии, писал исключительно на франц.языке. В 1552 г «Пленная Клеопатра» (трагедия): предсказание скорой смерти Клео, Клео растеряна и умирает. Были короткими, простыми, но отвечали всем канонам классической трагедии (длились до получаса).

В его трагедиях отсутствуют подлинные душевные коллизии, и нет индивидуальности в характерах (собирательные образы).

След.шаг в развитии трагедии сделал Роберт Раке (15?4-1590). Писал исходя из античных авторов, либо по мифолог. греч. сюжетам (Антигона и т.д.). Чувства выражены более естественно, разделение на темпераменты, прослеживается яркая политическая ориентация, антипатия к тирании.

Жанр трагикомедии (Гранье).

Комедия из средневекового фарса.

В целом, франц.Возрождение в силу отсутствия подъема нац.самосознания, не создало революц. в искусстве. Использовалось наследие античности.

Испанское возрождение. Театра существовал религиозный (миракль, мистерия), иногда были зачатки светского фарса, в Испании религ.театр интенсивно развивался до 17 века, не замещаясь светским. Популярны оставались жанры народного комического театра, они усовершенствовались знаменитыми драматургами, сохраняя свою естественную форму, меняли смысл. Запутанные сюжеты, большое количество актеров, смесь жанров. Одним из великих драматургов назовем Мигеля де Сервантеса (1547-1616): стремление к психологической правдивости, утверждение благородных чувств персонажей. Он ищет правдоподобия, выступает против нагромождения сюжета, против экстравагантности. Был хорошим критиком, сам создавал не слишком удачно. Большинство пьес до нас не дошли, дошли 2 пьесы: «Нумансия» (влияние Сенеки) и «Педро де Пурдемалос» (фольклорное произведение: нравы бродяг, жуликов, ГГ из старых испанских сказок).

Интермедии Сервантеса (маленькие острокомические пьесы 1605-1611г, похожие на фарсы): сюжеты бытового характера (разборки крестьян, суд над кем-то и т.д.), в них высмеиваются человеческие слабости. Пропитаны тонким юмором, написаны ярким языком, большое количество текста было просторечным.

Наряду со старыми жанрами развивается новая ренессансная драматургия (сер 16 века). Первые зачатки новой драмы находим в творчестве Хуана де Монсиви (перемешивал элементы стилей в маленьком объеме пьес), сентиментальность + правдивое изображение бытовой жизни.

Истинный создатель нац.драмы – Лопэ Де Лурээ(дро) (1510-1566). Театр вышел на площадь, стал народным. Большие комедии «Хвастливый воин» + маленькие комические пьески «Приглашенный», «Олиф».

Хуан де Лан Гуэва (-нач 17в). Трактат «испанская поэтика»: изложил принципы новой драматургии. Принципы: отрицание аристотелевской поэтики, против использования античных сюжетов, рекомендовал разрабатывать национальные темы на основе народного фольклора. Советовал пользоваться различными стихотворными размерами (разбавить однотипность сюжетов), вводил в драму сюжеты сказок и исторических событий.

Самый любимый драматург в Испании – Лобе???????????? (1652-1635). Его произведения стихотворные. До нас дошли тексты его 400 пьес. Гигантский объем и напряженность его творчества (очень эмоциональный чувак). Драматургия широка, в пьесах изображал людей абсолютно всех сословий (рыбак + король, священник + богохульник). Бытовые сюжеты: «Комедия плаща и шпаги» (низшее дворянство одето в костюмы высшего дворянства), «Собака на сцене», «Мадридские годы», «Девушка с кувшином» и т.д.

Известные исторические пьесы (героические): «Благородный Обельсераф» (???) – война с маврами, все сцены пронизаны исключительным патриотизмом.

«Разумные в своем доме» (простачок-адвокат + крестьянин).

Теоретические взгляды на драматургию изложены в стихотворном варианте «Новое искусство сочинять комедии в наши дни». Завещание для будущих преемников его деятельности, развивающих национальную драматургию: 3 пункта: 1)угодить зрителю, 2)сочетать в сюжете трагическое и комическое, как в жизни и природе, 3)придерживаться единство действия, но нарушать единство места и времени.

Сократил количество авторов в пьесе с 5 до 3, ратовал о самом значении экспозиции (наличие узла интриги, развязки, разные роли надо писать разными стилями), сцены должны заканчиваться эффектно (при статичном действии). Развил положения поэтики Аристотеля (хотя сам его презирал).Лопе де Вега считал театр зерном жизни, воспитанием морали.

Театральное устройство представляло собой примитивные подмостки, на котором происходило действие. В городах спектакли устраивались во дворах частных лиц либо в помещениях общественного значения (в бане).

Первый театр был построен в 1674г – по типу дворовых театров в Мадриде. Не было переднего занавеса. Декорации и машинные приспособления были скудными, зато костюмы отличались пышностью и живописностью, что компенсировало отсутствие машинизации.

После смерти Филиппа 2, который не любил театр, придворный театр стал оборудоваться лучше. В публичных театрах не было крыш и искусственного освещения (показы днем). Отличительная черта актеров – горячий темперамент, до и после выступления – танцы (типа интермедий).

Конец 16-17 вв – драматурги яркие, темпераментные, динамика и показуха, близкая народному зрителю. Развивается творчество продолжателей традиции Де Веги – Пирьон де Касто (1569-1631), написал «Юность Исида». До нас дошло более 80 пьес. Создает жанр религиозно-философской драмы (размышляет о бытии), интеллектуальной драматургии.

Хуан Руис де Алагхон (из той же школы) (1580-1639) – в его творчестве намечается переход от комедии интриги к комедии характеров, которую он углубляет и оттачивает лучше Лопе де Веги. Сдержанность фантазии, строгость композиции (с учетом темперамента героев), некоторая сухость образов и языка, выражена отчетливо моральная тенденция произведения (воспитательный характер). «Ткач из Сигови» (??): благородный дворянин осужден по доносу, под видом ткача он спасается от смерти, спасается от разбойников и мирится с королем, убедившимся в его невиновности. Политический подтекст. «Сомнительная правда» (комедия) – источник для произведений Гальгоне: сочетание комедии интриги и комедии характеров.

Английское театральное искусство.

Англия достигла расцвета драматической литературы. Эволюция средневекового театра носила спокойный характер: драма сохранила народный характер, вырастая из моралите и мистерии. Расцвет гуманизма совпадает с Реформацией, театр в средневековой форме (островное государство, куда с трудом все просачивалось). Под влиянием Европы в Англии создавались гуманистические школьные придворные театры, имеющие очень узкое значение, не имевшие влияния на массы, т.о. это были изолированные театры, изолированные традиции, которые не могли создать что-либо нового.

С другой стороны, в Англии были сильны национальные традиции, случился синтез противоположных драматических течений, создается уникальное. Оставался театр средневековый (защищался от изменений), развивалось то, что существует, придавая этому национальный оттенок. (Испания, Англия).

Несмотря на запрет мистерий, был 1543 года парламентский указ (???)

Особой популярностью пользовались моралите (использовалась гуманистами). Джон Бейл (1495-1563) с 1552 он стал епископом, писал на библейские мотивы, его произведения были теологического содержания. «Иоанн король Англии» - идеализирует образ короля, бывшего борцом против папства, вопреки исторической правде. В пьесе показаны аллегорические фигуры «Мятеж», «Дворянство», всех клириков. Фигуры умоляют короля защитить их от католического духовенства. Пьеса образов. Развязка трагическая.

Смешение аллегории и исторических личностей – отличительная черта английской драмы.

Другой вид театральных представлений – интерлюдии. Пьесы комического содержания с несколькими действующими лицами. (Почти то же самое, что моралите, по типу французских фарсов). Стали основанием развития бытовой комедии. Джон Хейвуд (1495-1565), протеже Томаса Мора. «Веселая сцена между продавцом индульгенций. Монахом, священником и его соседом Баррахом» (1520) Столкновение между нищенствующим монахом и его оппонентом – продавцом индульгенций, потасовка, всех изгоняют из церкви.

С развитием гуманизма в англ.драматургии усиливается влияние образцов античной драмы (особенно в студенческих рядах). Спектакли ставились в Кембридже, Оксфорде (конец 15 века). В 1 пол 16 века в школьной драме стал использоваться народный язык вместо латинского, ставились Плавт и Теренций, к 60 годам 16 века появляется много комедий различных типов (подражание итальянцам, античности). Увеличивается международный обмен информацией.

В Англии возникает ренессансная трагедия. Образец – трагедии Сенеки. Его переводы появились в 60-80 гг 16 века. Первая трагедия: «Горбодук» Томас Мортон. Направлена против средневековых феодальных распрей. Впервые использован белый стих, впоследствии стал преобладающим стилем написания.

Придворный театр для избранных и уличный театр для простого населения. С 70х годов появились предприниматели, строившие стационарные театры. В 1676 году Джеймс Бербридж построил первый публичный театр и назвал его «Театр». Появился первый частный театр. Затем еще большое количество публичных театров. В Англии театр становится любимым развлечением горожан и играл важную общественно-политическую роль. С 16 века сценическое искусство Европы из любительского превращается в профессиональное, возникает круг актеров, ведущих бродячий образ жизни. Представители богатых дворов принимали актеров в состав своей челяди. Актеры считались слугами знатного человека (слуги лорда Адмирала, слуги его Величества Короля) – название труппы.

Помещения театра сдавали актерам в аренду. Создавались актерские товарищества, иногда гильдии. В таком товариществе началась деятельность Шекспира.

Английское возрождение

Строительство нового театра в Англии произошло в начале 16 века. Связано с исторической позицией Англии (Англия не изолирована от Европы, становится континентальной державой, морской державой). Англия занимает торговое первенство среди европейских стран, становится колониальной державой.

Меняется мировоззрение населения, смена формацией во всех сферах общественной жизни, в идеологии страны.

Напоминает театр Испании, но лишен классицистической направленности. Создается своя собственная театральная система (национализация, государственный шовинизм).

сочетание трагедии и комедии

отсутствие писаных декораций

свободное обращение к законам трех единств

театральные здания без крыши со стоячим партером

Театр желал подчинить своему влиянию все слои населения. Был направлен не только на образованных дворян – театр господствующего класса. Отсутствовала фетишизация королевской власти, к религии относились ровно.

Особенность театра: техника ведения интриги в сочетании с интересом раскрытия внутреннего мира персонажа – эталон: Шекспир. Англ.спектакль не имеет барочной пестроты, как театры Испании и Италии, но барочные элементы присутствуют (воспроизведение рядя традиций средневекового театра). Наследуются определенные нотки феодализма, преодолевается средневековая ограниченность.

Драматурги 16 века прокладывают путь для возникновения буржуазного театра в Англии. Причина всех культ.конфликтов лежит в специфичной расстановке классовых сил (нет ярой дифференциации между высшими и низшими классами, классовой ненависти). Англия – аграрная страна, городское население – 20%. Ломка феодальной формации произошла в деревне (реформы снизу). Центральная фигура – джентри (сельское дворянство). Лэндлорды – крупные помещики. Начинается процесс обуржуазивания дворянства и одворянивания буржуазии.

Итоги феодальных войн: конфискация королевской земли и передача землевладельцам нового типа (из финансовых гильдий) – 1455-1485 Война Алой и Белой розы.

Генрих 8 занялся секуляризацией церковных земель (в пользу лендлордов). Смена формаций à рождение нового капиталистического дворянства (верхушка – джентри, +промышленники, +биржевики). Королевская знать принадлежала продвинутой капиталистической династии Тюдоров. Новое капиталистической дворянство (из джентри, сельское население) занимало положение в верхней палате парламента. Мировоззрение – типично ренессансное (практически гуманисты с добавлением меркантильных интересов), гедонисты, атеисты, жадные до денег. Френсис Бэкон.

Возникновение гуманистического театра в Англии – выстроенный по образу Античности, по эталонам итальянского театра, со средневековыми мистериями и моралите.

Формируется елизаветинская драма. Студенческие спектакли на англ.языке, далее придворный театр у Генриха 8 (покровитель англ.гуманистов). 1520 г – поставлена одна из комедий Плавта, вводят комедийные образы и приемы, по примеру французского фарса появляются интерлюдии (Джон Гейбон). Появляется «Горбодук» (1561-2) – показано дочери Генриха 8, Елизавете – одобрено, используется в качестве агитации (новые абсолютистские порядки).

Трагедия, после идет еще 2 акта. Узкие рамки театра + желание окунуться с головой в народную драму англ.драматургов, учитывая средневековые традиции. Античная тематика меняется на национальную английскую (больший успех).

Появляется жанр истинной трагедии (жанр истории), восхваляет подвиги королей. Пьеса «Король Джон» 1539 (Джон Бейли).

Национальная драма – елизаветинская – дала представление о динамике общественной жизни в Англии и о культурных взаимоотношениях в обществе.

Гуманисты создавали утонченные академические произведения, не рассчитанные на широкую публику, но с момента перехода театра в массы меняется и характер постановок – пронизаны политикой, создается новая театральная идеология (обоснование абсолютизма) – хороший инструмент манипуляции сознанием.

Театр выполнял функцию прессы (рассказывал о том, что творится в Англии).

К концу правления Елизаветы буржуазия хочет отделиться от дворянства (пуританизм – идеология). Не признавали авторитет официальной церкви. Был характерен аскетический образ жизни, были традиционалистами. Пуританизм был идеологическим выражение капиталистического накопления на ранней стадии (развитие левых слоев буржуазии). Пуритане пытались разрушить культуру Возрождения, театр отрицали (дьявольская потеха). Посл четверть 16 века: в руки пуритан попадает местное самоуправление) – театры закрываются и исчезают. Труппы бродячих комедиантов, Елизавета пытается урегулировать отношения с ними. 1560 Декрет о предварительной цензуре пьес – спасает театр от гонений пуритан, управление театром перешло в руки центральной власти.

1604 Яков 1 упразднил все частные труппы, все труппы стали королевскими.

Потребность создание стационарных театров в Лондоне (поначалу играли в гостиницах, особняках лендлордов, городские подмостки, за чертой города). В злачных местах строятся театры: 1576 г – строится театр «Театр», 1577 театр «Куртина», 1587 – театр «Розен», 1595 – театр «Лебедь», 1599 – театр «Глобус», 1600 – театр «Фортуна».

Актеры ринулись под патронаж королевского окружения и знати. Пропасть между пуританами и проф.актерами росла.

Появляется трактат Уильяма Принга «Бич актеров» 1625 (в печать в 33). Это – последняя выходка пуритан в отношении монархии.

Корона в руках династии Стюартов, театр инструмент антимонархической пропаганды в преддверии буржуазной революции. Отрицанием культуры Ренессанса пуритане давали сведения своей классовой несостоятельности.

Широта елизаветинской драмы была неугодна пуританам, поэтому театр не мог развиваться так же быстро, как в других странах.

С 16 века сценическое искусство превращается в профессиональное (труппы с отчасти бродячей жизнью), в Англии представители богатых домов принимали актеров в состав собственной челяди. Актер – аниматор при дворе. Это положение отразилось в названии маленьких театров «Слуги лорда-камергера», «Слуги лорда-адмирала», «Слуги Его Величества Короля». Театр – частное предприятие (цель: заработать). Богатые люди строили театральные здания. Были актерские товарищества на паях. Каждая труппа имела своих драматургов, связь авторов с театром была очень тесной (авторы объясняли, как ставить пьесы, актеры редактировали произведения драматургов).

В Лондоне с конца 16 века было 3 вида театров: придворный, частный и публичный.

Частные с самого начала делались зрелищами для зажиточной публики. Труппы малолетних артистов (со спец.подготовкой) играли в них. Учились декламации, пению, делали спектакли пасторально-романтического характера.

Придворный театр возник раньше других (1509, вступление на престол Генриха 8). В 1512 показано новое зрелище, получившее название «Маски». Были заимствованы из Италии («Морески»).

Публичный театр (1576 – первый). Центры театрального искусства эпохи, в нем было меньше политики. Играли великие актеры, с публичной сцены были написаны все шедевры драматургии того времени.

Примерно 20 театральных помещений в Лондон. В среднем шли по 5-6 спектаклей, постоянно действовали.

«Глобус» был построен в Лондоне на собственные деньги труппы в 1599году. 1644 – здание было снесено по приказу пуританского парламента. Современное здание открыто в 1997г. Театр был круглый, восьмигранник, зрительный зал – овальная площадка, обнесенная стеной. Зал вмещал около 2000 человек. Крыши не было, над сценой небольшой балдахин. Спектакли шли при дневном свете, без антракта. Занавеса не было.

Позади сцены гримерки и реквизит. На самой сцене имелся люк для привидений и т.д. Сцена трехэтажная + балкон, выше балкона домик с окнами (для героев). По горизонтали сцена делилась на 3 части: на передней части сцены разыгрывались эпизоды на открытых пространствах (первая линия), на основной сцене – эпизоды в помещении, в углу бутафорский трон, например, на третьей линии игрались моменты, которые требовали интимных переживаний или затемненного света.

Декоративное оформление было условным, аскетичным. Драматурги рассчитывали на воображение зрителя. В 1572 – Второй закон о бродяжничестве (Елизавета) – всем актерам велено быть приписанными к знатным господам или королевскому двору. В 1603 году Джеймс 1 становится покровителем актерский компаний. Труппа Шекспира получила название «Слуги Короля», забота о репертуаре труппы лежала на плечах Шекспира. За 18 лет работы в труппе он написал 18 пьес (всего около 30). В сезон мог написать 2-3 произведения.

Для открытия «Глобуса» написал: «Юлий Цезарь», «Как вам это понравится», «12 ночь». В творчестве Шекспира присутствует периодизация:

1590-1600 – комедийный период + «Ромео и Джульетта», «Тит Андроник»

1600-1608 – период великих трагедий «Король Лир», «Гамлет»

1608-1614 – период написания фантастических драм

1564-1616 год – Шекспир. Родился в Стедфорде, был сыном зажиточного перчаточника. Учился в местной грамматической школе. В ранней молодости женился, бросил детей, переселился в Лондон. В 1593 году работает актером и драматургом в Лондоне. В 1599 году этой труппой построен «Глобус». В 1612 году он возвращается в родной город, к семье и умер в день своего рождения – 23 апреля.

Пьесы Шекспира приписывали графу Дерби, Бэкону и т.д. Недоказуемо.

Сблизился с группой аристократов-театралов. Посвятил поэмы «Венера и Адонис», «Обесчещенная Лукреция».

В комедиях ставились крупные проблемы. Шекспир – реформатор, стремился что-то изменить в жизни. Вселял в сознание масс гуманистические идеи. В «Бесплодные усилия любви» он изобразил короля Наварры и его приближенных, которые решили отречься от любви и погрузиться в изучении философии. Приезжает принцесса и придворными дамами. Любовь. Изнасилование. «Сон в летнюю ночь» - право свободной любви довлеет над стремлением родителей распоряжаться судьбой своих детей.

«Венецианский купец» - противостояние двух миров: радости и красоты и мир теней.

Роли шутов: 1)проф.шуты (служили у знатных лиц для забавы) 2)шутовские персонажи из числа крестьян и слуг (дурачества).

Призыв к борьбе против старых порядков – главная тема Шекспира. Тематика: феодальные смуты, династические распри, Война Алой и Белой Розы. В стране утверждается абсолютизм.

Злом для страны Шекспир считал феодалов («Генрих 4», образ буйных баронов). Противопоставлял анархию феодалов твердой централизованной власти. Не идеализирует королей. Считает свержение Ричарда 2 справедливым. К Ричарду 3 относится как к моралисту, к хищнику. Шекспир – сторонник абсолютизма. Идеальный король – образ Генриха 5.

Король Генрих 5 опирался на широкие массы – внедрение публичного театра в культурную жизнь Англии.

Это был комедийный период.

Второй период:

Решение трагедий собственной жизни. Появляется струя пессимизма в пьесах: «Гамлет», «Отелло» (1604), «Король лир» (1605), «Макбет (1605), «Антоний и Клеопатра» (1606).

С этого периода комедии содержат большой трагический подтекст (принято называть их драмами): «Мера за меру» (1604).

Сущность трагизма: столкновение 2 начал – человечности и всех остальных пороков человеческой природы. Наиболее ярко показывает подлость, пошлость, корысть, эгоизм. Под натиском темных сил гибнут только умные и одаренные. Зло очень легко овладевает душой человека и приводит к ужасным последствиям. Надежда на лучшую жизнь.

Позволяет человеку задуматься о своем существовании на Земле.

Третий период:

«Перикл», «Буря», «Зимняя сказка». Тяжелые испытания сопровождаются радостью избавления от бедствий, клевета уличается, невинность оправдывает себя, любящие всегда соединяются в счастливом браке.

Появление метафоры «Мир – театр» - ренессансная идея. Сюжеты о сновидениях. Поэтическое пространство пьесы «Буря» образовано контрастом двух противоположных мотивов: буря природных страстей и музыка вселенской гармонии, человеческого духа.

Английский театр после Шекспира.

Вокруг Шекспира были талантливые современники, давшие развитие его идей. Публика с удовольствием посещает театры. В пьесах идейный упадок, утрачивает реализм и появляется тенденция развлекать, во что бы то ни стало. Обострение социальных противодействий между буржуазий и дворянством, которое приходит в упадок. В театре пестрота жанров. 2 направления драматургии: демократическое и аристократическое. 1)Бен Джонсон – знаток античной классики, создатель английской сатирической комедии. Его комедии отражали крах ренессансных иллюзий и отрезвление публики. Бытовая, достоверная, обличительная комедия. Опирался на античную комедию, изучал теоретические труды римских и итальянских авторов, создал свою теорию комедии: жизненное подобие, сетовал на последовательную типизацию характеров. Ввел в теорию комедии понятие – «юмор» - ведущая черта комического характера, определяющая весь характер персонажа. Основа юмора персонажа – гипертрофированный индивидуализм. Развенчание этого индивидуализма – главная тема комедий. «Лис»: погоня за богатствами. Основная мысль комедии: несовместимость представлений с реальностью, возникает сарказм, за ним смех.

Другой последователь – Френсис Бомонд (1584-1616) и Джон Флетчер (1579-1625). Драматурги аристократического направления, снисходительны к индивидуализму человека. В их произведениях явно встречалась проповедь аристократического гедонизма. «Укрощение укротителя» - полемический ответ Шекспиру (показалось, что Ш. пропагандирует рабскую покорность женщины мужчине); высмеивает культ поклонения.

В комедиях Флетчера представлена блестящая интрига (путаницы, смешанные положения).

Бомонд писал трагикомедии. Очень много случайностей вместо раскрытия психологии персонажей – для развлечения зрителя.

Оба – поклонники драмы плаща и шпаги. Король – неприкосновенная фигуры для театра и драмы, монархов в их произведениях нет. Рабское поклонение бытовым мотивам и сюжетам – мелодраматические жестокости, лишенные жизненного смысла (красивая картинка).

Все творчество Шекспира связано с народно-национальной традицией (выражал взгляды передовых слоев общества). Сила шекспировского реализма в обнажении глубочайших противоречий времени.

Англ.театр создал на рубеже 16-17 веков искусство, идейная зрелость которого предопределялась зрелостью самого исторического процесса (ломка феодальных форм жизни, закладка нового буржуазного общества).

На сцене царили мрачные трагедии ужасов. Подстегнуло общество к назревающим политическим переменам.

В 1642 году пуританская буржуазия захватила власть, парламентом запрещаются все публичные зрелища. Пуритане не смогли уничтожить наследие театра.

Драматургия англ.Возрождения вошла в плоть и кровь мировой культуры. Определяется курс развития мировой драматургии в целом.

Французский театр

Развивалась под влиянием комедии дель арте. 16 век – век феодальных войн во Франции, мешавших становлению театра в стране. Стабильность достигнута в результате установления абсолютной монархии (Генрих 4), продолжена в годы правления кардинала Ришелье и завешена Людовиком 14.

Людовику удалось урегулировать интересы дворянства и буржуазии – равновесие политических сил. Каждому сословию было отведено соответствующее место. Абсолютная монархия предоставила возможность для развития производства – наступает мир. Вера в государство как в разум нации, король – олицетворение. При Людовике 14 идея разумности проникает во все сферы жизни – строгая регламентация во всех сферах жизни общества (нормы поведения). От гражданина требуется выполнение гос.обязанностей (служба в армии, гос.учреждении), то, что не соответствует этому – делинквентное поведение.

Господство разума в литературе и искусстве – зачатки классицизма (существует некая идеальная красота и абсолютного вкуса: Гомер, Софокл – подражание античному искусству).

Как худ.стиль классицизм – классицистическая трагедия. Имеет отчетливое политическое содержание, в основе лежит борьба с эгоистическими страстями и самоотвержение как высшая форма героизма человека. Основная трагическая коллизия – борьба личных интересов с чувством долга.

Классицизм характеризуется применением сословного принципа в отношении жанров (высокий жанр – трагедия (аристократы), низкий жанр – комедии (горожане, простолюдины)). Комедия направлена на то, чтобы растрогать зрителя.

Ведущий жанр классицизма – трагедия.

строгое деление искусства на жанры означало строгие границы жанров (невозможность проникновения элементов одного жанра в другой)

сюжет трагедии должен опираться на произведения античных драматургов (основной трагический конфликт – борьба личных чувств с долгом перед обществом и государством)

закон трех единств: действие должно разворачиваться в одном месте в течение суток и только вокруг главных героев

в герое трагедии интересы государства превалируют над личными, он подавляет свои страсти собственным разумом

в характере героя одна ведущая черта, заслоняющая все остальные (силач, рассудительный и т.д.)

в сюжете должно быть немного внешних событий, побочных сюжетных линий быть не должно вообще

главное средство воздействия в трагедии – слово (создается александрийский стих)

Теорию трех единств сформулировали в 16 веке (Италия).

Главное единство – действие, второстепенны место и время (его обуславливают).

1674 – закон трех единств как важнейший, обеспечивающий худ.ценность произведения (теор обоснование классицистической идеологии)

Пьер Карнель (1606-1684). Писал комедии и трагедии, «Сид» (1636): в основе античный сюжет, переделка пьесы испанского драматурга. Огромный успех, против нее ополчилась Фран.академия по указанию Ришелье. Мнение академии: нарушены все единства, действие охватывает не 24 часа, а 36; действие не в одном месте (а в целом городе) + дополнительная тема любви; завязка трагедии недостойна высокого жанра (пощечина), нагроможденность сюжета, нарушается александрийский стих в некоторых местах, сюжет неантичный. + Политические мотивы. Трагедия запрещена.

Жан Россин (1639-1690), обогатил жанр классической трагедии глубокой эстетической проблематикой и психологической обрисовской характеров персонажей. Сюжеты его произведений более простые. Особенность: высший критерий оценки общественного поведения – не его служение государству, а моральная стойкость и верность долгу (нравственность). Ранние трагедии в духе Карнеля. «Анромах» - намек в сторону Людовика 14. Античные сюжеты, вопросы морали, гражданские мотивы себя изживают. Волнуют моральные совершенства человека.

«Федра» - по мотивам Еврипида и Сенеки. Совершенная трагедия. Конфликт в столкновении морали и страстей. Пик карьеры Россина. Завистники добиваются его провала, он уходит из театра и пишет еще 2 трагедии (новаторские, не понравились королю, больше не писал).

Жан Батист Мольер (Патлен) (1622-1673), величайший драматург мирового театра. Родился в очень состоятельной семье, получил хорошее образование à занялся юриспруденцией. 1643 – организовывает любительскую труппу «Блистательный театр», через 2 года театр разваливает, огромные долги, отец Мольера их выплачивает. В 1645 году начинается провинциальный период жизни (до 1658), он вступает в бродячую труппу Шарля Дюфрена и берет псевдоним Мольер. Период отречения: накапливает актерское мастерство, мастерство драматургии, играет комические роли, с 1650 года становится руководителем всей труппы (понял, что театр должен иметь собственное лицо, репертуар). Решил сам создавать комедии (сначала подражал комедиям дель арте), слава театра достигает Парижа. 1658 года труппа выступает в Лувре перед королем, трагедия не имеет, комедия на ура, король оставляет труппу в Париже. Новый период – парижский.

Предложено играть в театре, играли с итальянцами, конкурировали, итальянцы были круче. В 1659 году – премьера первой парижской комедии «Смешные жеманницы» - оглушительный успех, оглушительный скандал. Использовал приемы фарса, чтобы высмеять аристократов. Сатирическая карикатура на аристократию. 1660 – комедия «Мнимый рогоносец», имела большой успех и привлекла внимание короля (неприязнь среди аристократии, их пытаются выжить из театра, под предлогом ремонта Лувра их переводят в театр «Пале Рояль», полуразрушенный) – труппу заткнули на год. После ремонта первый спектакль был провальным (никто не понял), еще через год эта же постановка имела успех.

1662 – «Школа мужей» и «Школа жен» - высокая комедия, критиковался семейный деспотизм.

Мольер противопоставляет своих героев надуманным героям Корнеля и Россина.

Мольер привлекался аниматором для короля (придворные драмы славы ему не прибавили, а усложнили жизнь, обострив борьбу)
⇐ Назад
12