Меценаты в русской музыке (Н. фон Мекк, С. Мамонтов, М. Беляев).
Надежда Филаретовна фон Мекк— русская меценатка.
После смерти своего мужа Надежда фон Мекк начинает оказывать значительную финансовую поддержку композиторам — Николаю Рубинштейну, который в то время возглавлял консерваторию, и начинающему Клоду Дебюсси, наставнику по музыке дочерей фон Мекк.С 1877 года Надежда фон Мекк начала оказывать значительную поддержку Петру Ильичу Чайковскому. Впоследствии она предоставляла ему настолько большое финансовое пособие (6 000 рублей в год), что он смог оставить профессуру в Московской Консерватории, чтобы сосредоточиться исключительно на творчестве. Надежда фон Мекк в письмах к Чайковскому всегда подчёркивала тот факт, какую большую роль в её внутренней жизни играет его великая музыка.В знак признательности Чайковский посвятил свою 4-ю Симфонию Надежде Филаретовне. Она из скромности не пожелала, чтобы там значилось её имя, и композитор указал на титульном листе партитуры — «Посвящается моему лучшему другу». Его «Траурный марш» (ныне утерянный), написанный в 1877 году и 1-ая сюита для оркестра, также посвящены ей. Духовная связь с Надеждой фон Мекк оказалась для Чайковского столь мощным фактором, что, несмотря на свою психологическую неуверенность в своих силах, он мог продолжать работать, игнорируя критику, которая постоянно преследовала его самого и его творения почти до конца жизни. Так, после того, как была раскритикована его 5-я Симфония, Надежда фон Мекк умоляла его не малодушничать и упорно продолжать свой творческий путь. Однако, с октября 1890 года Надежда фон Мекк уже не имела возможности далее оказывать финансовую поддержку Чайковскому, поскольку её собственные дела в то время резко пошли на убыль. Умерла Надежда фон Мекк от туберкулеза в начале января 1894 года, пережив Петра Ильича Чайковского лишь на два месяца.
Савва Иванович Мамонтов— русский предприниматель и меценат.
Савва Мамонтов активно поддерживал различные виды творческой деятельности, заводил новые знакомства с художниками, помогал организациям культуры, устраивались домашние спектакли, даже организовал на сцене театра Солодовникова частную оперную труппу (1885; частные труппы были разрешены с 1882). В 1870—1890 годах имение Абрамцево стало центром художественной жизни России. Здесь подолгу жили и работали русские художники. Многим художникам Мамонтов оказывал существенную поддержку, в том числе и финансовую, но не занимался коллекционерской деятельностью.Культурная деятельность Мамонтова была многим неприятна, даже родственникам, уж не говоря о директорах железной дороги, инженерах. Однако Мамонтов вкладывал в театр огромные деньги, его не останавливали неудачи.
Митрофан Петрович Беляев— русский музыкальный издатель и меценат, основатель Беляевского кружка, объединившего многих выдающихся музыкантов.
С 1882 г. Беляев устраивал у себя дома в Петербурге еженедельные музыкальные вечера камерной музыки (которые в первое время не прерывались даже и летом), положивших начало объединению выдающихся музыкальных деятелей, в дальнейшем известного как Беляевский кружок. Исполнялись на этих вечерах — преимущественно любительским квартетом, в котором сам Митровфан Петрович играл на альте, — наряду с классическими произведениями иностранной музыки, и только что написанные сочинения русских композиторов. Большое число мелких отдельных пьес, нарочно для Беляевских пятниц написанных, изданы затем Беляевым в двух сборниках под заглавием «Пятницы». По пятницам разыгрывались и сочинения, присылавшиеся ежегодно на конкурс, учрежденный Беляевым при СПб. обществе камерной музыки. Последние годы Беляев состоял председателем этого общества. Под влиянием своего увлечения новейшей русской музыкой, в особенности сочинениями А. К. Глазунова, Беляев с начала 1880-х годов оставил все свои торговые дела и предался всецело служению интересам русской музыки. Похоронен М. П. Беляев на Новодевичьем кладбище Санкт-Петербурга. В 1936 г. прах перенесен в Некрополь мастеров искусств Александро-Невской лавры (бывшее Тихвинское кладбище). Н. Римским-Корсаковымв 1904 году сочинена прелюдия «Над могилой» и посвящена памяти незадолго перед тем скончавшегося Митрофана Петровича Беляева, его большого друга и друга всех русских композиторов.
18. Русская музыка советского периода: композиторы и сочинения. Обзор оперного и балетного творчества с.Прокофьева. Балет «Ромео и Джульета»
Александр Николаевич СКРЯБИН (1872 – 1915). Пиком композиторского творчества стали 1903-1908 гг, когда вышли Третья симфония ("Божественная поэма"), симфоническая "Поэма экстаза", "Трагическая" и "Сатаническая" фортепианные поэмы, 4 и 5 сонаты и др.произведения. "Поэма экстаза", состоящая из нескольких тем-образов, сконцентрировала творческие идеи и является ярким шедевром. В ней гармонично соединились любовь композитора к мощи большого оркестра и лирическое, воздушное звучание сольных инструментов. Воплощенная в "Поэме экстаза" колоссальная жизненная энергия, огненная страстность, волевая мощь производит неотразимое впечатление на слушателя и до сегодняшнего дня сохраняет силу своего воздействия. Ещё одним шедевром является "Прометей" ("Поэма огня"), в которой автор полностью обновил свой гармонический язык, отступив от традиционной тональной системы, а также впервые в истории это произведение должна была сопровождать цветомузыка, но премьера, по техническим причинам, прошла без световых эфектов. Последняя незаконченая "Мистерия" была замыслом Скрябина, мечтателя, романтика, философа, обратиться ко всему человечеству и вдохновить его на создание нового фантастического миропорядка, соединение Вселенского Духа с Материей.
Сергей Васильевич РАХМАНИНОВ (1873 - 1943) Быстро стал известен как дирижёр и пианист, сочинял музыку. Провальная премьера новаторской Первой симфонии (1897) в Петербурге вызвала творческий композиторский кризис, из которого вышел в начале 1900-х со сформировавшимся стилем, объединившим русскую церковную песенность, уходящий европейский романтизм, современные импрессионизм и неоклассцизм, - и всё это насыщено сложной символикой. В этот творческий период рождаются лучшие его произведения, среди которых 2 и 3 фортепианные концерты, Вторая симфония и его самое любимое произведение - поэма "Колокола" для хора, солистов и оркестра. В 1917 году с семьёй был вынужден покинуть нашу страну и осесть в США. Почти десять лет после отъезда ничего не сочинял, но много гастролировал в Америке и Европе и был признан одним из величайших пианистов эпохи и крупнейшим дирижером. За всей бурной деятельностью, оставался ранимым и неуверенным человеком, стремящимся к уединению и даже одиночеству, избегающим назойливого внимания публики. Искренне любил и тосковал по родине, думая не совершил ли он ошибку, покинув её. Он постоянно интересовался всеми событиями происходящими в России, читал книги, газеты и журналы, помогал материально. Его последнии сочинения - Симфония № 3 (1937) и "Симфонические танцы" (1940) стали итогом творческого пути, вобрав в себя все лучшее его уникального стиля и скорбное чувство невосполнимой утраты и тоски по родине.
Игорь Фёдорович СТРАВИНСКИЙ (1882-1971)взлёт был стремительным - серия трёх балетов: "Жар-птица" (1910), "Петрушка" (1911) и "Весна священная" (1913) сразу вывела его в число композиторов первой величины.В 1914 покинул Россию, как оказалось почти навсегда (в 1962 были гастроли в СССР), вынуждено сменив несколько стран - Россия, Швейцария, Франция, в итоге остался жить в США. Его творчество разделяют на три периода - "русский", "неоклассический", американский "серийного производства", периоды разделяются не по времени жизни в разных странах, а по авторскому "почерку". был очень высокообразованным, общительным человеком, с прекрасным чувством юмора. В круг его знакомых и корреспондентов входили музыканты, поэты, художники, ученые, бизнесмены, государственные деятели.Последнее высшее достижение- "Реквием" (Заупокойные песнопения) (1966) вобрал и объединил предшествующий художественный опыт композитора, став истинным апофеозом творчества мастера. В творчестве выделяется одна уникальная черта - "неповторяемость", недаром его называли "композитором тысячи одного стиля", постоянная смена жанра, стиля, направления сюжета - каждое его произведение неповторимо, но он постоянно возвращался к конструкциям, в которых видно русское происхождение, слышны русские корни.
Дмитрий Дмитриевич ШОСТАКОВИЧ (1906 - 1975) До определённого периода, а именно до постановки оперы "Леди Макбет Мценского уезда", творил как свободный художник - "авангардист", экспериментируя со стилями и жанрами. Жесткий разнос этой оперы, устроенный в 1936 году, и репрессии 1937 года положили начало последующей постоянной внутренней борьбы за стремление выразить свои взгляды своими средствами в условиях навязывания государством направлений в искусстве. В его жизни политика и творчество очень тесно переплетены, он был хвалим властью и ею же гоним, занимал высокие должности и снимался с них, награждался и был на грани ареста сам и его близкие.нашел свою форму выражения творческих принципов в симфониях, где мог максимально открыто говорить правду о времени. Из всего обширного творчества во всех жанрах именно симфонии (15 работ) занимают центральное место, самыми драматически насышенными являются 5,7,8,10,15 симфонии, ставшие вершиной советской симфонической музыки. Совсем другой Шостакович открывается в камерной музыке.Несмотря на то, что сам был "домашним" композитором и практически не выезжал за рубеж, его гуманистическая по сути и истинно художественная по форме музыка быстро и широко распространялась в мире, исполнялась лучшими дирижерами. Величина таланта столь необъятна, что полное постижение этого уникального явления мирового искусства ещё впереди.
Сергей Сергеевич Прокофьев (1891–1953) — советский композитор, пианист, дирижёр. Народный артист РСФСР (1947). С 1902 занимался композицией у Р. М. Глиэра. С 1904 учился в Петербургской консерватории у Н. А. Римского-Корсакова (инструментовка), А. К. Лядова (композиция), Я. Витола (музыкально-теоретические дисциплины), А. Н. Есиповой (фортепиано), Н. Н. Черепнина (дирижирование); окончил её как композитор (1909) и пианист (1914). В годы учёбы в консерватории начал концертную деятельность. В 1918–33 жил за рубежом; с успехом гастролировал в Европе и Америке. В 1927, 1929 и 1932 предпринял концертные поездки в СССР. Музыка воплощает гармоничное и радостное ощущение жизни, проникнута духом деятельной энергии. Оперное и балетное творчество, охватывающее широкий круг нетрадиционных сюжетов, новые принципы и приёмы музыкальной драматургии, принадлежит к числу реформаторских завоеваний музыкального театра (сотрудничал с С. П. Дягилевым, В. Э. Мейерхольдом, А. Я. Таировым). Уже в операх 1910–1920-х гг. («Игрок», «Любовь к трём апельсинам», «Огненный ангел») проявились особенности творческого метода— напряжённость и непрерывность музыкально-драматургического развития, лиризм в сочетании с острой характерностью, гибкость и точность вокальной декламации. От «Игрока» и «Огненного ангела», развивавших традиции русской речитативной оперы (А. С. Даргомыжский, М. П. Мусоргский), тянутся нити к опере «Семён Котко» — народно-бытовой драме о событиях Гражданской войны и военной интервенции 1918–20 на Украине, в которой декламационность обогащается национальной народной песенностью. Опыт работы над национальной историко-героической тематикой в жанре киномузыки (кинофильм «Александр Невский», «Иван Грозный», в содружестве с режиссёром С. М. Эйзенштейном) оказал большое влияние на стиль композитора и подготовил патриотическую оперу-эпопею «Война и мир».в последней опере — «Повесть о Настоящем человеке» наиболее ярко воплотилась связь стиля с русским музыкальным фольклором, свойственная большинству его сочинений. Опера «Обручение в монастыре» завершила поиски Прокофьева в области современной комической оперы. Сюжетное и жанровое многообразие отличает балеты Прокофьева 20-х — начала 30-х гг. («Сказка про шута, семерых шутов перешутившего», «Стальной скок», «Блудный сын», «На Днепре»). Балеты Прокофьева 2-й половины 30-х — начала 50-х гг. («Ромео и Джульетта», «Золушка», «Сказ о каменном цветке») принесли советскому балетному театру мировую славу. Продолжая традиции балетов П. И. Чайковского, создал современные классические образцы жанра. Не менее значительны достижения Прокофьева в других жанровых сферах. Таковы, прежде всего, его 7 симфоний.Самобытный стиль фортепианных сочинений Прокофьева (9 сонат и 5 концертов, циклы) с его ударной трактовкой инструмента и преломлением раннеклассицистских фактурных приёмов сыграл значительную роль в формировании нового пианизма в музыке 20 в. Музыка Прокофьева, завоевав огромную популярность во всём мире, оказала значительное влияние на творчество многих советских и зарубежных композиторов.
«Ромео и Джульетта». Появление балета “Ромео и Джульетта” составляет важную переломную веху в творчестве. Он был написан в 1935-1936 годах. Либретто разработано композитором совместно с режиссёром С. Радловым и балетмейстером Л. Лавровским.Прокофьев стремится к воплощению живых человеческих эмоций, утверждению реализма. Музыка Прокофьева ярко раскрывает основной конфликт шекспировской трагедии – столкновение светлой любви с родовой враждой старшего поколения,характеризующий дикость средневекового уклада жизни. Ярчайший 3 темы любви, как 3 ступени развития чувства: 1 тема – его зарождение; 2 тема – расцвет; 3 тема – его трагический накал.Центральное место занимает в музыке лирическая струя – тема любви, побеждающая смерть. С необычайной щедростью обрисовал композитор мир душевных состояний Ромео и Джульетты (более 10 тем) особенно многогранно охарактеризована Джульетта, превращающаяся из беззаботной девочки в сильную любящую женщину. В соответствии с замыслом Шекспира дан образ Ромео: вначале он охватывает романтические томления, затем проявляет пламенную пылкость влюблённого и отвагу бойца.
Музыкальная культура Беларуси второй половины XVII –XVIII вв: общая характеристика. Музыкальный театр Беларуси XVIII века: школьная опера, частнособственнические театры белорусских магнатов (Несвиж, Гродно, Слоним, Шклов и другие).
Во второй половине XVII—XVIII в. существовали крепостные капеллы, которые выступали на семейных и больших публичных праздниках, и крепостные оркестры в Несвиже, Слониме, Гродно, Шклове, Могилеве, Ружанах, Деречине. Среди них выделялись оркестры смешанного состава, камерные струнные оркестры («домашняя музыка»), духовые («музыка шкловского корпуса»), роговые, ударных, народных инструментов («янычарская музыка», «литовская музыка»). Широкую известность получил крепостной оркестр в Несвиже. Местные магнаты пригласили туда первоклассных музыкантов: капельмейстера Дж. Альбертини, скрипача Дж. Константини, виолончелиста Я. Фляйшмана. «Северными Афинами» называли имение Залесье Махала Клеофаса Огинского — автора знаменитого полонеза «Прощание с Родиной», активного участника восстания 1794 г. Наиболее популярным музыкальным произведением у шляхты являлась опера с сюжетом из жизни крестьян или самой шляхты. Так, инициатором создания оперы «Агатка» на стихи Матея Радзивилла и музыку Яна Давида Голанда был известный Пане Коханку.
С середины XVIII в. любительские актерские труппы в частных владениях магнатов превращаются в профессиональные крепостные театры. Расцвет крепостного театра был обусловлен влиянием Просвещения. Театр являлся сильным средством воспитания и улучшения нравов общества. Развитию театрального искусства содействовали не только короли Речи Посполитой (Август II, Август III), но и магнаты. У последних общественно-политическая деятельность сочеталась с развлекательными формами быта. Во времена общего ухудшения жизни они стремились к вычурному украшению своего быта, что проявлялось в исполнении бессмысленных ритуалов, в интересе к моде в одежде — например, парики, обувь с красными каблуками. Все это соответствовапо рококо — стилю, который театрализовал быт. Например, у Иеронима Радзивилла отстрел зверей на охоте происходил в специальном бутафорском лесу. А Пане Коханку превратил в театр костельное богослужение: на мессе в Несвиже пели евреи, одетые в турецкие костюмы. Около Несвижа была построена «идеальная» деревня, которую он заселил обедневшей шляхтой. Ее жителей называли «альбанская банда». Сама жизнь обитателей этой деревни была театрализованной и бутафорской. Они ходили «вооруженные» турецкими мушкетами и восточными музыкальными инструментами. Таким образом, театр являлся частью быта.
Абсолютно уникальным явлением можно считать Несвижский театр Франтишки Уршули Радзивилл, жены магната Михала Казимира Радзивилла (Рыбоньки). Сначала дворцовые представления должны были «украшать» жизнь. Так, первая пьеса «Остроумная любовь» (1746) ставилась по случаю дня рождения Михала Казимира. Однако постепенно в театральную жизнь втянулись многие придворные Радзивиллов, шляхта, духовенство, богатые мещане. Сюжеты произведений Франтишки Радзивилл не были оригинальными, но и не являлись прямым пересказом на польском языке западноевропейских произведений. Она наполняла свои пьесы местным колоритом, фольклором, фактам из жизни Несвижа. При театре действовали балетная, музыкальная и театральная школы.
Европейскую славу приобрел Слонимский театр, созданный Михалом Казимиром Огинским, необычайно разносторонней и одаренной личностью. Он был и оперным композитором (автор опер «Елисейские поля», «Силы мира», «Положение сословий»), и музыкантом-виртуозом, и поэтом. Театр был основан в 1771 г. В нем работали профессиональные актеры из Польши, Германии, Италии, действовали хор, балет, музыкальная школа. Здесь устраивались грандиозные представления. Сцена театра была настолько огромной, что актеры могли заезжать на нее на лошадях. Когда возникала необходимость, то на сцене мог появиться бассейн, размещенный под полом. Тогда можно было наблюдать настоящие морские бои.
Кроме Несвижа и Слонима крепостные театры действовали в Гродно (Тизенгауза), Ружанах (Сапег), Свислочи (Тышкевича). Актеров для них готовили из мещанских и крепостных мальчиков и девочек. Об уровне их профессионального образования свидетельствует тот факт, что крепостные артисты Тизенгауза из Гродно были приняты в Варшавский королевский театр.
На сценах магнатских театров Беларуси ставились в основном французские и итальянские оперы, балеты. Драматические постановки устраивали, как правило, профессиональные передвижные труппы. В числе драматических представлений следует вспомнить постановку в гродненском театре комедии П. Бомарше «Севильский цирюльник».
Таким образом, культура белорусских земель во второй половине XVIII в. достигла значительных успехов и развивалась в русле идей Просвещения.