Музыкальная культура барокко
СОДЕРЖАНИЕ
1. Что такое художественная культура?. 3
2. Художественная культура барокко. 4
2.1 Архитектура барокко. 4
2.2Изобразительное искусство. 4
2.3 Живопись. 6
3. Живопись Голландии. 8
4. Великие мастера Голландии. 11
5. Описание картины «Возвращение блудного сына». 11
6. Музыкальная культура барокко. 13
7. Русская музыка барокко. 15
8. Русский портрет 18 века. 17
9. Композиторы Венской Классической школы.. 19
10. Библиография. 20
1. Что такое художественная культура?
Художественная культура — это совокупность художественных ценностей, а также исторически определенная система их воспроизводства и функционирования в обществе. Вторая линия накопления культурных ценностей выражается в том, что в качестве ценностей наследуются не отдельные компоненты, актуальные идеи, части теории, а целостное художественное произведение. Но понять художественную культуру определенной эпохи невозможно без тех знаний, которых достиг человек в области науки, философии, права, религии,морали.
По своему содержанию духовные ценности делятся на научные, нравственные и художественные.
Роль художественной культуры в духовном развитии человека огромна. Художественная культура (или искусство) воздействует на разум человека, на его внутренний мир. Формирование культуры предполагает не только сохранение лучших элементов.
старого, но и создание нового, приращение культурного богатства в процессе творчества.
В развитии национальных культур есть и общее, и различное. Источники национальных различий культур кроются в исторических условиях их формирования. Культурные различия — один из источников многообразия исторического процесса, придающий ему красочность и многомерность. Каждая национальная культура уникальна, неповторима. И эта неповторимость определяет необходимость особенно бережного отношения к ней.
Вместе с тем в античной цивилизации шел процесс взаимодействия культур. Национальные культуры не только взаимодействуют, но и взаимообогащают друг друга. В результате этого создаются общечеловеческие культурные ценности, важнейшими из которых являются нравственные нормы. Без национального искусства, не связанного с жизнью, культурой и традициями своего народа нет и быть не может. Истинное искусство несет в себе, как национальное, так и общечеловеческое содержание.
Художественная культура барокко
Барокко (итал. barocco - странный, химерический) - направление в искусстве и литературе ХVII - XVIII ст., которому принадлежит важное место в развитии европейской культуры. (Термин многозначный, происходит от португальского названия la perrola baroca - жемчужина (или раковина с жемчужиной) необыкновенной формы.) Сначала так назвали художественный стиль архитектуры и изобразительного искусства XVII ст. Потом этот термин распространили на музыку и литературу. Сегодня так называют всю культуру XVII ст. В стиле барокко, который пришел на смену эпохе ренессанса, объединяются традиции готики и ренессанса.
Архитектура барокко
Зарождение барокко относится ко времени угасания великой культуры Ренессанса. Художники эпохи барокко отвергали классические представления о гармонии и строгой упорядоченности бытия, помещая в центр своего творчества коллизию человека и мира, борьбу разума и чувственных начал, торжество сил стихии и их обуздание. Характерными чертами искусства барокко стали напряженность, экспрессия, мистическая экзальтация. Необычайных высот достигло техническое мастерство художников и ремесленников.
Распространение барокко пришлось на период становления абсолютных монархий в странах Европы, экономического освоения европейских колоний в Азии и Америке, подъема католицизма на волне Контрреформации. Эти обстоятельства определили патетический характер образов барокко, монументальность и значительный масштаб создававшихся в это время произведений.
Изобразительное искусство
Барокко свойственны контрастность, напряжённость, динамичность образов, стремление к величию и пышности, к совмещению реальности и иллюзии. В этот период, благодаря открытиям Коперника, изменилось представление о мире как о разумном и постоянном единстве, а также о человеке как о разумнейшем существе. По выражению Паскаля, человек стал сознавать себя «чем-то средним между всем и ничем», «тем, кто улавливает лишь видимость явлений, но не способен понять ни их начала, ни их конца».
Стиль барокко в живописи характеризуется динамизмом композиций, «плоскостью» и пышностью форм, аристократичностью и незаурядностью сюжетов. Самые характерные черты барокко — броская цветистость и динамичность. Яркий пример — творчество Рубенса и Караваджо с их буйствами чувств и натурализмом в изображении людей и событий.
Караваджо, считают самым значительным мастером среди итальянских художников, создавших в конце XVI в. новый стиль в живописи. Его картины, написанные на религиозные сюжеты, напоминают реалистичные сцены современной автору жизни, создавая контраст времен поздней античности и Нового времени. Герои изображены в полумраке, из которого лучи света выхватывают выразительные жесты персонажей, контрастно выписывая их характерность.
Живопись
Живопись Барокко принято называть художественный стиль, преобладавший в искусстве Европы в 16-18 веках. Именно эта эпоха считается началом триумфа «западной цивилизации».
Оно возникло благодаря двум важным событиям Средневековья. Первоначально изменились мировоззренческие представления о человеке и мироздании, благодаря эпохальным научным открытиям того времени. В дальнейшем возникла необходимость власти создать имитацию собственного величия на фоне материального упадка. Для этого стали использовать художественный стиль, прославляющий могущество знати и церкви. Однако человек стал ощущать себя деятелем и созидателем и уже в сам стиль прорвались дух свободы и чувственность.
Живопись Голландии
Живопись буржуазной Голландии в XVII веке развивалась в направлении большей простоты. Главными заказчиками картин здесь были состоятельные горожане, которые хотели видеть в живописи себя и свою жизнь. Картины предназначались не для церквей и замков, а для жилых комнат, отсюда их небольшие размеры, а также господство жанровой, бытовой и пейзажной тематики. Это уютные крошечные дворики и комнаты в картинах Питера де Хоха (1629-1685) – «Хозяйка и служанка», «Чулан», «Игроки в карты». Это полные гармонии и красоты сцены из домашней жизни Яна Вермеера Дельфтского (1632 - 1675) – «Девушка с письмом». «Кружевница», «Бокал вина».
С поразительным мастерством в своих картинах передавал блеск атласа, бархатную мягкость ковров Герард Терборх (1617-1681) – «Бокал лимонада». Широко распространился жанр натюрморта с изображением дорогих сосудов, хрустальных кубков, ярких букетов цветов, например, в творчестве Виллема Хеды (1594-1680) – «Завтрак с крабом», «Завтрак с ежевичным пирогом».
В пейзажной живописи голландцев отражены образы любимой родины - плоские равнины с мельницами, уютные деревенские улочки, море (марина - новый вид пейзажа), пастбища с животными (анималистка).
Герард Терборх (1617-1681) – «Бокал лимонада»
Высокого уровня достигла и портретная живопись, особенно групповой портрет. Великим портретистом был Франс Халс (1585-1666). Он рисовал всех - солдат, офицеров и цыган в ярких одеждах, детей и пожилых. Главное - естественность и индивидуальная характерность в позах, в эмоциях, жестах. Лучшие произведения Халса - «Цыганка». «Портрет молодого человека с перчаткой». «Групповой портрет попечительниц приюта для престарелых».
Гордостью Голландии является Харменс ван Рейн Рембрандт (1606-1669), непрестанно ищущий, прокладывающий новые пути в искусстве художник. Тематика его творчества разнообразна. Здесь и мифология («Даная»), и история («Заговор Юлия Цивилиса»), портрет («Флора», «Автопортрет с Саскией», «Портрет старика в красном») и жанровые сцены, пейзажи и натюрморты, евангельские сюжеты.
«Автопортрет с Саскией»
Самая знаменитая картина Рембрандта известна ныне как «Ночной дозор». Первоначально она была залита солнечным светом, но потом ее общий фон значительно потемнел. На картине изображены участники гражданской гвардии, показанные в движении: один насыпает порох, другой заряжает мушкет, знаменосец поднимает знамя, барабанщик бьет в барабан, а сержант отдает приказы.
Шедевром невероятной духовной глубины и пронзительности явилась картина «Возвращение блудного сына». Евангельский сюжет ассоциируется автором с трагическим путем познания жизни.
Великие мастера Голландии
В начале века обучение живописи по-прежнему проводилось по средневековой системе – молодого человека отправляли к художнику в ученики. Мастерские в Голландии были маленькими, и на многие из них нередко накладывались определенные ограничения со стороны гильдии. К наиболее известным художникам того времени относятся:
• Питер Клас – мастер натюрмортов с изображением накрытых столов.
• Франс Халс – портретист раннего периода.
• Рембрандт ван Рейн (известный нам просто как Рембрандт) – величайший портретист в мире, творивший в середине золотого века голландской живописи.
• Ян Стен стал известен благодаря изображению сцен в тавернах примерно в то же время, когда Рембрандт писал свои легендарные портреты.
• Питер де Хох и Ян Вермеер, художники конца семнадцатого века, великие жанровые мастера того времени, хотя талант Вермеера был признан лишь после его смерти.
• Рашель Рюйш работала в конце века в технике цветочного натюрморта и, что очень важно, известна как одна из немногих женщин-художников, прославившаяся своими работами в этот период.
5. Описание картины «Возвращение блудного сына»
Созданная в 1668-69 годах картина великого художника Рембрандта Харменса ван Рейна «Возвращение блудного сына» основывается на Библейском сюжете о Блудном сыне из Евангелия от Луки и является воплощением духовного и плотского, божественного, небесного и земного начал.
Данное полотно явилось результатом сомнений и мучительных чувств и переживаний зрелого автора. Он скорбит об утраченной молодости и сожалеет о невозможности изменить текущие дни. Многие искусствоведы и богословы трактовали изображение на картине с точки зрения воплощения земных страстей и божественной первоосновы.
Некоторые исследователи считают, что на картине художник изобразил себя в разных ипостасях, на разных стадиях духовного перерождения. С одной стороны, мастер представляет себя блудным сыном, кающимся в собственных грехах перед своим земным отцом и Богом, который изображён стариком. С другой – это старший сын, в котором воплощается совесть. Здесь же младший сын как символ упрека в грехах молодости. Старый отец принимает блудного сына, невзирая на его ошибки и промахи в жизни, он прощает его и жалеет.
Но стоит заметить, что художник не был чересчур набожным человеком. Он скорее думал по земному и обладал психологией простого человека, которому присущи земные страсти, страхи и переживания. Поэтому можно говорить, что «Возвращение блудного сына» есть иллюстрация того, как в одном человеке в конце его жизни происходит объединение внутреннего, духовного и внешнего, подверженного страстям мира.
В данном случае мытарь (блудный сын) содержит в себе воплощение сферы «дьявольских страстей», то есть молодости художника. Старший сын – совесть и мораль, основанные на божественных и общественных устоях.
Внутреннее «я» Рембрандта видно в центре картины. Он как бы наблюдает за тем, что происходит вокруг него. При этом он смотрит не только на персонажей картины, но и на зрителя, вовлекая его в свой мир переживаний.
Музыкальная культура барокко
Условно музыкой барокко называют множество существовавших в течение 150 лет ( 1600 - 1750 г.г. \1750 - год смерти И.С. Баха) композиторских стилей обширного, в географическом смысле, западноевропейского региона. К музыке термин «барокко» первый раз применяется в 1746 году французским критиком и писателем Н. А. Плюшем. Позже этот термин фигурирует в «Музыкальном словаре» (1768 год) Ж.-Ж. Руссо. Каждый из них под словом «барокко» подразумевает «странную», «необычную», «причудливую» музыку доклассической эпохи. В «Музыкальном словаре» Х.Коха (1802 год) слову barock сопутствуют такие качества музыки как «спутанность», «высокопарность», «варварская готика». Гораздо позже Б. Кроче в «Истории итальянского барокко» (1929 год) утверждает, что «историк не может оценивать барокко как нечто позитивное; это чисто отрицательное явление… это выражение дурного вкуса».
Следует заметить, что термин «барокко» как обозначение музыкальной эпохи используется относительно недавно. Впервые его применил музыковед Курт Закс (англ. Curt Sachs) в 1919 году, затем термин появился лишь в 1940 году в статье Манфреда Букофцера (Manfred Bukofzer). И до самых 1960-х годов в академических кругах не утихал спор, правомочно ли применение единого термина к сочинениям таких разных композиторов, как Якопо Пери, Антонио Вивальди, К. Монтеверди, Ж.-Б. Люлли, Доменико Скарлатти и И. С. Бах; но слово прижилось и сейчас повсеместно используется для обозначения широкого спектра музыки. Так, советский музыковед Константин Розеншильд категорически возражал против отнесения к музыке барокко произведений И.С. Баха или Г.Ф. Генделя. Американский же исследователь Манфред Букофцер считал вполне "правомочным" применение данного термина к музыке указанных авторов. Однако необходимо отличать музыку эпохи барокко от предшествующего ренессанса и последующего классицизма. Кроме того, некоторые музыковеды считают, что необходимо разделять барокко на непосредственно период барокко и на период маньеризма, в целях согласования с разделением, применяемым в изобразительных искусствах.
Другие особенности музыки барокко:
· basso continuo — непрерывный бас, генерал-бас, цифрованный бас — упрощённый способ записи гармоний с помощью басового голоса и проставленных под ним цифр, обозначающих созвучия в верхних голосах, а также сам басовый голос с цифрами, применяющийся при этом способе записи гармоний;
· монодия — стиль сольного пения с гомофонным сопровождением (инструментальным аккомпанементом), сложившийся в Италии в 16 в. и вызвавший к жизни ряд новых форм и жанров (ария, речитатив, опера, кантата и др.);
· гомофония — тип многоголосия, характеризующийся разделением голосов на главный и сопровождающие. Этим ’’гомофония’’ отличается от полифонии;
· бельканто;
· драматическая экспрессия;
· постановочные формы музыкальных произведений (опера, музыкальная драма);
· комбинированные вокально-инструментальные формы, такие как оратория и кантата;
· новые приёмы игры на музыкальных инструментах, такие как тремоло и пиццикато;
· чистая и линейная мелодия;
· notes inégales («неровная игра», «перепунктировка») — техника игры, при которой ноты, записанные в одинаковой длительности, тем не менее играются ритмически неровно;
· ария;
· ритурнель — короткие инструментальные разделы, выполняющие функции вступления, интермедии или коды;
· кончертато — стиль, подразумевающий «соревнование» групп оркестра, хоров и т. д.
· точная нотная запись музыки (в эпоху ренессанса детальная запись нот для инструментов была весьма редка);
· идиоматическая запись инструментальных партий: лучшее использование особенностей конкретных музыкальных инструментов;
· усложнение музыки, сочинение произведений, рассчитанных на виртуозное исполнение;
· орнаментика;
· развитие современных западных музыкальных ладов (мажора и минора).
Русская музыка барокко
Музыкальная культура русского барокко успешно развивалась в течение ста лет, с середины XVII до середины XVIII в. На русскую барочную музыку оказали влияние западноевропейские музыкальные традиции, пришедшие к нам через Польшу и Украину. При этом русская музыка барокко сохранила характерные черты древнерусского знаменного распева, его сурово-сдержанный, величавый стиль.
В основу русской барочной музыки легло торжественное партесное (лат. partes — голоса, т. е. многоголосное) пение, получившее наиболее яркое воплощение в так называемых партесных концертах XVII — начала XVIII в. Николай Павлович Дилецкий, главный теоретик партесного стиля пения, автор «Мусикийской грамматики» (1681), отмечал, что в основе такого концерта лежит «борение гласов», т. е. противопоставление голосов солистов общему хору. Композиторам предписывалось создавать композиции на 4, 8, 12 и даже 48 голосов! При этом количество частей и продолжительность их звучания строго не регламентировались, хотя предпочтение всё же от- давалось трёхчастным концертам. В качестве главного требования выдвигалась передача малейших движений человеческой души.
На русской почве барокко обрело свои национальные черты:
«Барокко в России более жизнерадостно и декоративно, чем на Западе, в нём сильно проявляет себя украшательство, порой доходящее до пестроты. Орнаментальность достигает пределов возможного» (Т. Ф. Владышевская).
Музыкальная культура русского барокко положила начало развитию русской композиторской школы. В это время в России появляется целая плеяда талантливых композиторов, хотя многие партесные концерты по-прежнему оставались анонимными.
Василий Поликарпович Титов (около 1650—1715) — автор многочисленных духовных хоровых концертов на 12 голосов. Совместно с Симеоном Полоцким он создал «Рифмотворную Псалтырь». В. П. Титов был в числе первых русских композиторов, прославивших воинскую доблесть и реформаторскую деятельность Петра I.
В XVIII в. стиль барокко воплотился в музыке к оперным и балетным спектаклям, а также в искусстве колокольных звонов. В народной среде особенно популярны были песенные жанры барокко — канты (песнопения светского содержания) и псалмы (музыкально-поэтические переложения псалмов библейского пророка Давида).
Яркую и незабываемую музыкальную интерпретацию псалмов Давида сделал русский композитор Максим Созонтович Березовский(1745—1777). В течение нескольких лет он сочинял для Придворной капеллы церковные концерты, вызывавшие восхищение знатоков и одобрение царского двора. Наиболее известные среди них: «Господь воцарися в лепоту облечеся», «Не отверже мене во время старости», «Хвалите Господа с небес» и др.
Вершиной творческих исканий Березовского стал и поныне знаменитый концерт «Не отверже мене во время старости» (1760-е гг.) на текст 70-го псалма Давида:
Не отвергни меня во время старости;
Когда будет оскудевать сила моя, не оставь меня...
Да постыдятся и исчезнут враждующие против души моей;
Да покроются стыдом и бесчестием ищущие мне зла.
В этих словах — сокровенное желание человека закончить свой земной путь достойно, не боясь смерти, ибо впереди — жизнь вечная.
М. С. Березовский создал монументальное по форме сочинение, до сих пор поражающее слушателей глубиной чувств и эмоций. Просьба-молитва, взывающая к Всевышнему, молитва надежды и гневный, смелый протест против сил зла и несправедливости — главные музыкальные темы этого произведения.
Замечательная музыка композитора передаёт неукротимость человеческого духа, стойкость в вере, мужество перед лицом испытаний.
Признанным мастером духовного хорового концерта по праву считают Дмитрия Степановича Бортнянского(1751 —1825). В историю русской музыки он вошёл прежде всего, как автор 35 хоровых духовных композиций для четырёхголосного хора, 10 концертов для двух хоров. Одним из лучших сочинений Бортнянского был концерт № 32 «Скажи ми, Господи, кончину мою...», созданный на слова 38-го псалма Давида:
Скажи ми, Господи, кончину мою и число дней моих, дабы я знал, какой век мой...
Услышь, Господи, молитву мою; не будь безмолвен к слезам моим...
П. И. Чайковский, редактировавший в 1882 г. сочинения Бортнянского, считал этот концерт лучшим. Помимо духовной хоровой музыки, Бортнянский создал оперы и сочинения для клавира. Ему принадлежит патриотическая хоровая песня «Певец в стане русских воинов» на слова В. А. Жуковского.
Русский портрет 18 века
В ранний период развития русского портрета он эволюционировал по принципам общеевропейского портрета Средневековья, ограниченного религией, когда «изображение человека подчинялось представлениям средневекового мировоззрения и существенно отличалось от понимания личности в искусстве нового времени. Главное различие состояло в том, что индивидуальное, неповторимое в человеке менее всего находило отражение в его образе. Художник стремился запечатлеть не „бытовое“, „обнаженное“ лицо, а „измененное, преображенное, запечатленное в своем, „как бы идеальном вневременном состоянии“. Кроме того, отдельный человек интересовал художника не столько сам по себе, сколько как представитель определенной ступени феодальной иерархии. Индивидуальность оказывалась для мастера полностью подчиненной тому нормативному идеалу, который соответствовал социальному положению]».
«Портреты» Средневековья, создаваемые по этому принципу, можно было найти в церковных росписях, на иконах, в книжных миниатюрах. Изображали, как правило только очень знатных лиц, крупных церковных деятелей, жертвователей.
К наиболее ранним изображениям конкретных лиц в русской культуре относят миниатюру, представляющую князя Святослава Ярославича с семьей («Изборник Святослава», 1073), а также фреска с изображением семьи князя Ярослава Мудрого (Киевская София). Портретные тенденции прослеживаются в изображениях донаторов с моделями зданий в руках — князь Ярослав (церковь Спаса на Неурядице, ок. 1246). В индивидуальной характеристике черт лица князя, трактовке одежды видно стремление художника к передаче индивидуального сходства.
Святослав Ярославич с семьей