Художественная и научная деятельность Леонардо да Винчи
Леонардо да Винчи (Leonardo da Vinci) (1452-1519), итальянский живописец, скульптор, архитектор, ученый, инженер. Сочетая разработку новых средств художественного языка с теоретическими обобщениями, создал образ человека, отвечающий гуманистическим идеалам высокого возрождения.
Родился в семье богатого нотариуса. Сложился как мастер, обучаясь у Андреа дель Верроккьо (1467-72). Методы работы во флорентийской мастерской того времени, где труд художника был тесно сопряжен с техническими экспериментами, а также знакомство с астрономом П. Тосканелли способствовали зарождению научных интересов юного Леонардо. В ранних произведениях (голова ангела в "Крещении" Верроккьо, после 1470, "Благовещение", около 1474, оба в Уффици, "Мадонна Бенуа", около 1478, Эрмитаж) обогащает традиции живописи кватроченто, подчеркивая плавную объемность форм мягкой светотенью, оживляя лица тонкой, едва уловимой улыбкой. В "Поклонении волхвов" (1481-82, не закончена; подмалевок - в Уффици) превращает религиозный образ в зеркало разнообразных человеческих эмоций, разрабатывая новаторские методы рисунка. Фиксируя результаты бесчисленных наблюдений в набросках, эскизах и натурных штудиях (итальянский карандаш, серебряный карандаш, сангина, перо и другие техники), Леонардо добивается редкой остроты в передаче мимики лица (прибегая порой к гротеску и карикатуре), а строение и движения человеческого тела приводит в идеальное соответствие с драматургией композиции.
На службе у правителя Милана Лодовико Моро (с 1481) Леонардо выступает в роли военного инженера, гидротехника, организатора придворных празднеств. Свыше 10 лет он работает над монументом Франческо Сфорца, отца Лодовико Моро; исполненная пластической мощи глиняная модель памятника в натуральную величину не сохранилась (разрушена при взятии Милана французами в 1500) и известна лишь по подготовительным наброскам.
"Тайная вечеря"
В трапезной монастыря Санта-Мария делле Грацие Леонардо создает роспись "Тайная вечеря" (1495-97; из-за рискованного эксперимента, на который пошел мастер, применив для фрески масло в смеси с темперой, работа дошла до нас в весьма поврежденном виде). Высокое религиозно-этическое содержание образа, где представлена бурная, разноречивая реакция учеников Христа на его слова о грядущем предательстве, выражено в четких математических закономерностях композиции, властно подчиняющей себе не только нарисованное, но и реальное архитектурное пространство. Ясная сценическая логика мимики и жестов, а также волнующе-парадоксальное, как всегда у Леонардо, сочетание строгой рациональности с неизъяснимой тайной сделали "Тайную вечерю" одним из самых значительных произведений в истории мирового искусства.
"Битва при Ангьяри". Джоконда (Портрет Моны Лизы)
Во Флоренции Леонардо работает над росписью в Палаццо Веккьо ("Битва при Ангьяри", 1503-06; не закончена и не сохранилась, известна по копиям с картона, а также по недавно обнаруженному эскизу - частное собрание, Япония), которая стоит у истоков батального жанра в искусстве нового времени; смертельная ярость войны воплощена тут в исступленной схватке всадников. В наиболее известной картине Леонардо, портрете Моны Лизы (так называемой "Джоконды", около 1503, Лувр) образ богатой горожанки предстает таинственным олицетворением природы как таковой, не теряя при этом чисто женского лукавства; внутреннюю значительность композиции придает космически-величавый и в то же время тревожно-отчужденный пейзаж, тающий в холодной дымке.
"Трактат о живописи"
Важнейшим источником для изучения воззрений Леонардо да Винчи служат его записные книжки и рукописи (около 7 тыс. листов), написанные на разговорном итальянском языке. Сам мастер не оставил систематического изложения своих мыслей. "Трактат о живописи", подготовленный после смерти Леонардо его учеником Ф. Мельци и оказавший огромное влияние на теорию искусства, состоит из отрывков, во многом произвольно извлеченных из контекста его записок. Для самого Леонардо искусство и наука были связаны неразрывно. Отдавая в "споре искусств" пальму первенства живописи как наиболее интеллектуальному, по его убеждениям, виду творчества, мастер понимал ее как универсальный язык (подобный математике в сфере наук), который воплощает все многообразие мироздания посредством пропорций, перспективы и светотени. "Живопись, - пишет Леонардо, - наука и законная дочь природы..., родственница Бога". Изучая природу, совершенный художник-естествоиспытатель тем самым познает "божественный ум", скрытый под внешним обликом натуры. Вовлекаясь в творческое соревнование с этим божественно-разумным началом, художник тем самым утверждает свое подобие верховному Творцу. Поскольку он "имеет сначала в душе, а затем в руках" "все, что существует во вселенной", он тоже есть "некий бог".
Большинство произведений кисти да Винчи не дошло до наших дней из-за постоянных экспериментов мастера не только с техникой живописи, но и с инструментарием: красками, холстами, грунтовкой. В результате таких экспериментов состав красок на некоторых фресках и полотнах не выдержал испытания временем, светом, влагой.
В рукописи, посвященной изобразительному искусству да Винчи, в основном, делает упор не столько на технику письма, сколько на подробное изложение придуманных им нововведений, которые, кстати, оказали огромное влияние на дальнейшее развитие искусства. Прежде всего, это некоторые практические советы, касающиеся подготовки инструментов. Так, Леонардо советует покрывать холст тонким слое клея, вместо белой грунтовой смеси, которую было принято использовать до этого. Изображение, нанесенное на подготовленный таким образом холст, закрепляется гораздо лучше, чем на грунте, особенно если писать темперой, которая была широко распространена в то время. Масло вошло в обиход несколько позже, и да Винчи предпочитал использовать его как раз для письма на грунтованном холсте.
Так же одной из особенностей живописной манеры да Винчи является предварительный набросок задуманной картины прозрачными темными (коричневыми) тонами, эти же тона использовались и как верхний, завершающий, слой всего произведения. И в том и в другом случае завершенная работа наделялась мрачным оттенком. Вполне возможно, что со временем цвета еще больше темнели именно из-за этой особенности.
Большая часть теоретических трудов да Винчи посвящена изображению человеческих эмоций. Он много рассуждает о способе выражение чувств, приводит собственные исследования. Известен даже случай, когда Леонардо решил экспериментальным путем проверить свои догадки о том, как двигаются лицевые мышцы во время смеха и плача. Пригласив компанию друзей на ужин, он начал рассказывать забавные истории, рассмешив своих гостей, да Винчи внимательно наблюдал за движением мышц, выражением лица. Обладая уникальной памятью, он перенес увиденное им на наброски с такой точностью, что, по словам очевидцев, людям хотелось смеяться вместе с портретами.
Картина Сурикова В. "Утро стрелецкой казни"
Художника В. Сурикова всегда увлекали грандиозные сюжеты, в которых воплощался бы дух эпохи, которые давали бы простор воображению и в то же время предоставляли бы простор для широких художественных обобщений. И еще его всегда интересовали народные судьбы на широких перекрестках истории.
Заслуженно прославленный как величайший художник, Василий Иванович Суриков в области исторической живописи не имеет себе равных среди русских художников. Более того, во всем мире трудно назвать другого живописца, который бы так глубоко проник в прошлое своего народа и так волнующе воссоздал его в живых художественных образах.
Когда Петр I в 1697 году отправился за границу, недовольные его новшествами стрельцы подняли бунт. Возвратившись, царь Петр приказал допрашивать их под страшными пытками. Потом последовали беспощадные казни в октябре 1698 года в селе Преображенском, после которых стрелецкое войско мало-помалу было уничтожено.
Иногда В. Суриков отступал от «буквы» исторического источника, если это нужно было для выражения его замысла. Он переносит действие своей картины «Утро стрелецкой казни» на Красную площадь не только потому, что ему нужна была конкретная обстановка, а в селе Преображенском она не сохранилась. Событие у Лобного места на фоне древнего собора Василия Блаженного и стен Кремля, по его замыслу, приобретало большую историческую убедительность.
История создания картины «Утро стрелецкой казни» начинается с того момента, когда проездом в Петербург (в 1869 году) В. Суриков на один день остановился в Москве. Здесь он впервые увидел Красную площадь, Кремль, древние соборы. И потом через все годы учения в Академии художеств пронес он этот заветный замысел, чтобы в 1878 году приступить к его воплощению. Именно в этом году был сделан карандашный набросок, на котором рукою самого В. Сурикова сделана надпись: «Первый набросок «Стрельцов» в 1878 году». Фигуры здесь едва намечены, еще условны, однако на нем уже были сделаны те главные опорные точки, на которых держится композиция картины в ее окончательном виде. Композиция расчленяется на две части: слева - стрельцы, справа - Петр и его приближенные, а над всем этим возвышаются купола храма Василия Блаженного.
Художник черпал вдохновение не только в действительности. Он очень подробно изучал исторические источники. Однако это послужило Василию Сурикову лишь канвой для воплощения задуманного им замысла. Обращался он с историческими источниками вольно, часто отступал даже от фактической стороны. Так, в действительности на Красной площади не казнили через повешение (как это изображено на картине В. Сурикова), на Красной площади стрельцам рубили головы, и было это уже в феврале 1699 года. Имеются описания обеих казней, но художник объединил их в один сюжет, изменил и по-своему осмыслил многие подробности. А самое главное - он сместил акцент с самой казни на последние минуты перед казнью. В. Суриков сознательно отказался от зрелища бойни, того грубого эффекта, который мог бы заслонить истинной смысл этой трагедии.
В тусклом свете серенького утра темнеет силуэт храма Василия Блаженного. Справа - кремлевские стены, около которых, охраняемая солдатами, идет дорога к виднеющимся невдалеке виселицам.
Петр Великий - верхом на коне, неумолимый и твердый в своем решении. Но его фигура отодвинута В. Суриковым в глубину картины, а весь передний план ее занимает народная толпа, стеснившаяся возле Лобного места и телег со связанными стрельцами.
Где только было возможно, художник стремился найти для своей картины живые прообразы героев. При этом его, конечно, волновало не только внешнее сходство живой модели с действующим лицом картины, но и внутреннее. Одна из главных фигур произведения - страстный, неукротимый рыжебородый стрелец, который через всю картину устремляет яростный взгляд на Петра. На картине этот рыжебородый стрелец как бы концентрирует на себе возмущение и непокорность всей массы, которые у других проявляются более сдержанно и скрыто. Он стоит на пороге смерти, но сила жизни неукротимо горит в нем и в эти последние минуты. Он не обращает внимания на свою плачущую жену, он весь поглощен молчаливым вызовом, который бросает царю Петру. Крепко зажатая, как нож, свеча в его руке бросает красноватые отблески на смуглое лицо с огромными горящими глазами, хищным носом и широко вырезанными ноздрями. За ним в молчаливой скорби заломила руки и склонила голову его жена. На первом плане - мать стрельца: слезы высохли на ее глазах, только страдальчески надломлены брови. Его ноги в колодках, руки связаны у локтей, но зритель сразу видит, что он не покорен. Неукротимая ярость и гнев пылают в лице рыжебородого, он как будто забыл о близкой смерти и хоть сейчас снова готов броситься в схватку.
Крепко держит свечу и чернобородый стрелец. В его смуглом лице ясно читается уверенность в правоте своего дела. В ожидании смерти он не замечает рыданий жены, побледневшей от слез: его гневный взгляд исподлобья тоже брошен вправо.
Величавая торжественность последних минут перед смертью видна и в посеревшем от пыток лице седого стрельца. В беспредельном отчаянии припала к нему дочь, на русую растрепавшуюся голову которой тяжело легла узловатая рука старика.
Напряженному накалу страстей в левой части картины противопоставлены спокойствие и равнодушие в правой ее части. Центральное место здесь занимает Петр I, лицо которого обращено к рыжебородому стрельцу. Левой рукой он сжимает конские поводья - так же властно и гневно, как стрелец свою свечу. Царь Петр неумолим и грозен, сурово и гневно смотрит он на стрельцов. Хотя даже на лицах некоторых иностранных послов видно сострадание. Задумчиво смотрит на казнь иностранец в черном кафтане. Спокойно величав боярин в длинной шубе с собольей опушкой. Его нисколько не волнуют ни яркие пятна рубах смертников, ни сами трагические события, происходящие на площади…
Василий Иванович Суриков был историческим живописцем по самой сущности своего таланта. История для него была чем-то родным, близким и лично пережитым. В своих картинах он не судит и не выносит приговор, а как бы зовет зрителя пережить события прошлого, подумать о судьбах человеческих и судьбах народных. «Вот как бывает сурова и подчас жестока действительность, - говорит нам художник, - смотрите же и рассудите сами, кто здесь виноват, кто прав».
Илья Ефимович Репин, «Бурлаки на Волге»
Известный художник, живописец исторических и бытовых сцен И. Репин родился в городе Чугуеве, где и получил первоначальное художественное образование. В 1863 г. он поступил в Академию художеств в Петербурге и скоро проявил большие успехи. Уже в 1869 г. он был награжден малой золотой медалью за картину «Иов и его друзья», а в 1872 г. получил и большую золотую медаль за программу «Воскрешение дочери Иаира».
В 1870 г. художник предпринял большое путешествие по Волге, во время которого написал множество этюдов и эскизов, по ним впоследствии была написана картина «Бурлаки на Волге», оконченная в 1872 г.
Эта картина, изображающая тяжкий, почти страдальческий труд бурлаков, тянущих баржу, произвела сильное впечатление на публику и критиков искусства.
О том, как родился замысел картины, художник рассказывал в своих воспоминаниях. В 1868 г. Репин, в то время студент Академии художеств, работал над конкурсной картиной на библейский сюжет. Он часто ходил на этюды, которые потом мог использовать в своей картине. Однажды вместе с художником Савицким Репин отправился по Неве на теплоходе в компании веселых студентов, нарядных барышень и офицеров. В это время они заметили на берегу бурлаков, которые бечевой тянули баржу. Эта картина произвела на Репина неизгладимое впечатление. Бурлаки, одетые в лохмотья, с угрюмыми потными лицами представляли собой разительный контраст с веселящейся на теплоходе публикой. Репин решил написать эскиз этой сцены, который он потом использовал в работе над картиной.
Для того чтобы написать «Бурлаков на Волге», Репину потребовалось несколько лет напряженного труда. Он предпринял несколько поездок на Волгу, завел дружбу с будущими героями своей картины, общался с ними долгое время, стараясь понять то, как живут эти люди. Постепенно Репин решил изменить первоначальный замысел картины. Теперь он уже не старался изобразить контраст между весельем нарядных барышень и тяжелым трудом бурлаков. Сцена была перенесена на Волгу. В картине царит летний полдень: песчаная отмель залита раскаленным солнцем, по летнему небу бегут легкие облака. На заднем плане можно разглядеть груженую барку с фигурой приказчика или хозяина, а на переднем плане – ватагу бурлаков, которые с натугой, из последних сил тянут судно.
Репин специально противопоставил великолепные краски природы – янтарь песка, глубокую синь воды, голубой простор неба – серым, землистым краскам, которыми написаны бурлаки. Одиннадцать людей в грязных лохмотьях, насквозь пропитанных соленым потом, в прогнивших лаптях или онучах олицетворяют собой тяжелый труд, который в ту пору ценился даже ниже лошадиного.
Репинские бурлаки не поют, угрюмо налегая на лямки, они не произносят ни слова, но вся картина – словно стон русского народа, бедного и обездоленного. Бурлаки Репина – это специально подобранная им галерея ярких личностей. Каждый из них обладает индивидуальностью, характером, внутренним миром, биографией, психологией и собственным отношением к жизни.
Впереди располагаются «коренники».- самые сильные и опытные бурлаки. Первым идет поп-расстрига, который уже все повидал на своем веку, рядом с ним кудлатый бурлак, заросший бородой до самых глаз. Слева и чуть позади попа – Илька-моряк. Голова его повязана тряпкой, а внимательный взгляд сверкающих белками глаз устремлен прямо на зрителя. За Илькой – высокий худой бурлак с трубкой в зубах. Репин изобразил его недобрым, озлобленным.
Во второй группе взгляд зрителя падает прежде всего на высокого молодого парнишку в лохмотьях красной рубахи. Он слегка замедлил шаг, поправляя лямку, и его фигура вст"а-ла поперек движения бурлаков.
Справа от него – худой, изможденный бурлак, который, вконец обессиленный, вытирает взмокший лоб рукавом, слева – старик, который наверняка не раз исходил Волгу вдоль и поперек. Замыкают ватагу отставной солдат в картузе, надвинутом на глаза, высокий солдат, повернутый к зрителю в профиль, и мужичонка, который буквально повис на лямке. Такие сильные, яркие и цельные характеры невозможно просто выдумать, их нужно было сначала найти, понять и только потом писать. «Бурлаки на Волге» стали первой картиной Репина из тех полотен, которые показали подлинную Россию того времени.
С 1874 г. Репин становится деятельным членом товарищества передвижных выставок, его картины последовательно появляются на выставках товарищества: «Крестный ход в Курской губернии», «Дуэль», «Не ждали», «Иван Грозный и сын его Иван».
Во времена революционеров-разночинцев Илья Репин разделял мысли многих людей того времени, что отразилось в его картинах. Репин решался, несмотря ни на что, писать и арестованных, и приговоренных к казни. В картине «Иван Грозный и сын его Иван» художник изобразил царя с руками, омытыми кровью, с полубезумным лицом, тоже запятнанном кровью.
В 1884 г. Репин написал картину, которая словно вырвалась за рамки искусства и привлекла к себе внимание и любовь тех, кто до сих пор искусством не интересовался. Речь идет о картине «Не ждали». Эта картина выразила мысли художника, не только вобрала в себя горение его души, но и передала этот огонь другим.
Мы видим бедную комнату, в которой, сбившись вместе, точно осиротевшие птицы, только что занимались своими делами члены «обезглавленной» семьи. О сосланном в Сибирь ежеминутно вспоминали жена и мать, реже – дети. И вдруг открылась дверь. Широким, размеренным шагом, тем самым, которым он, арестант, шел по этапу, в комнату вошел их отец, сын и муж – человек, который посмел вступить в единоборство с царизмом.
Первой узнала сына мать. Она торопливо поднялась с кресла. Зритель видит ее дрожащую руку, надломленную горем и годами линию сутулой спины, угадывает ее смятение, ее любовь и жалость, ее потрясение при виде исхудавшего, постаревшего сына. Оглянулась сидящая за роялем жена, и мгновенно на ее лице отразилось волнение, радость и любовь.
Девочка, только что готовившая уроки, не узнала отца. Она просто испугалась. Но зато очень обрадовался сын. У него засверкали глаза, мальчик весь потянулся к отцу – герою, пострадавшему за правое дело, к старшему другу, учителю.
Картина словно пронизана серебром. Серый и дождливый летний день заливает холодным светом бедную комнату, ярко очерчивая силуэты собравшихся в ней людей. Очень правдоподобно обрисован интерьер комнаты, словно художник сам долгие годы прожил в этой комнате, выучил наизусть каждый завиток обоев, каждую трещинку в полу, внимательно разглядел узор на льняной скатерти. Во всей композиции только одна вспышка запретного красного цвета – кайма на скатерти, краснеющая, словно кровь.
Помимо исторической монументальной живописи Репин написал множество прекрасных портретов: Франца Листа, П.М. Третьякова, В.В. Самойлова, баронессы Искуль и мн. др. Портреты отличаются жизненным сходством. Живопись их, как и всех картин Репина, колоритна, свободна. С 1896 г. Репин становится руководителем одной из учебных мастерских в преобразованной Академии художеств.
Описание картины И. Е. Репина «Бурлаки на Волге»
Картина И. Е. Репина «Бурлаки на Волге» - пожалуй, самое знаменитое произведение выдающегося художника. Картина была написана в 1873 году на основе многочисленных этюдов и портретных зарисовок, собранных молодым живописцем во время путешествия по Волге в 1870 году, и явилась свидетельством его духовной творческой зрелости.
Изнемогая от жары и усталости, по берегу великой реки бурлаки медленно тянут тяжелую неповоротливую баржу. Композиция картины построена таким образом, что группа как будто движется на зрителя, но фигуры при этом не закрывают друг друга. Перед нами – одиннадцать персонажей, все, как один, – нищие и обездоленные, но каждый – со своей индивидуальностью и характером.
Впереди – тройка «коренников» во главе с бурлаком Каниным. Этот пожилой бурлак с лицом античного философа олицетворяет лучшие черты русского мужика: спокойствие, мудрость, упорство. Рядом с ним – бородач, воплощение первобытной силы, и Илька-матрос с тяжелым, ожесточенным взглядом разбойника из-под спутанных волос... Бессильно опущены руки бурлаков, ноги напряжены, а в лицах читаются разные чувства – здесь и покорность судьбе, и протест, и простодушие, и озлобленность…
Солнце ласково освещает побережье, но бурлакам не до красот природы – работа требует от них нечеловеческих усилий. Ветхие рубахи потемнели от пота, плечи болят от натянувшейся бечевы, ноги утопают в глубоком песке, а путь кажется бесконечным… Но не жалость вызывают у зрителя их фигуры, а ощущение внутренней могучей силы. Эта грозная сила, пока еще не осознаваемая ими, зреет внутри каждого помимо его воли, и уже нет возможности остановить этот процесс. В картине Репина «Бурлаки на Волге» народная тема звучит жизнеутверждающе. Полотно говорит о народной мощи, будит мысль о необходимости борьбы, рождает веру в светлое будущее народа.
Алексей Кондратьевич Саврасов, «Грачи прилетели»
Алексей Кондратьевич Саврасов родился в Москве в семье небогатого купца. Желание стать художником появилось у него довольно рано. Уже в 14 лет он продавал свои акварельные рисунки московским торговцам. В 1850 г. Саврасов успешно окончил Московское училище живописи, ваяния и зодчества, а уже через четыре года он был удостоен звания академика. Одним из источников, питавших раннее творчество Саврасова, было творческое наследие Венецианова и художников его школы с их поисками гармонии в жизни природы, чистотой и целостностью восприятия мира.
В 1862 г. Саврасов на средства Московского общества любителей художеств отправляется за границу для знакомства с современным европейским искусством.
Вернувшись в Россию, он обращаетсяения «Грачей» неброская русская природа не воспринималась публикой как нечто достойное внимания. Самыми лучшими пейзажами считались в то время виды Италии, на писанные в манере позднего романтизма: лунные дорожки на море, руины Колизея, разнообразные закаты и восходы. Позже, когда натуралистическое изображение природы стало одной из самых популярных тем для художников, картина «Грачи прилетели» стала своего рода открытием.
Знаменитая картина писалась с натуры в селе Молвитино (ныне Сусанино) Костромской губернии. Именно здесь Саврасов нашел новый для русского пейзажа мотив, тонко уловив и почувствовав момент первого проблеска весны. Художник очень точно выразил чувства уставшего от долгой зимы северного жителя, с нетерпением ожидающего первых весенних ветров.
Изобразительный «рассказ» Саврасова очень конкретен. Он насыщает картину множеством деталей: тает снег, вода собирается в низинах, воздух пропитан весенней сыростью, грачи вьют гнезда, а на фоне всего этого рядом течет обычная, повседневная жизнь. Глядя на картину, чувствуешь дуновение свежего весеннего ветерка.
Эта подробная повествовательность не мешает целостному восприятию полотна. Взгляд зрителя свободно поднимается от талого снега к верхушкам берез, растворяясь в голубизне неба, пробивающегося сквозь нависшие тучи. Саврасов любил весну более всего. Он умел передавать затаенную радость при виде солнца, новой листвы, первых цветов. Успех этой картины на первой выставке передвижников в 1871 г. несправедливо затмил и предал забвению все остальные работы художника, оставив его в памяти как худояшика одной картины – «Грачи прилетели».
Тематические пристрастия Саврасова не исчерпываются одними весенними мотивами. Даже изображенная им размытая дождем дорога выглядит натурально, призывая ступить на нее неугомонного путника. Саврасову одному из первых открылся праздничный, радостный облик русской зимы.
Жизненные невзгоды 80-х гг. наложили отпечаток на творчество художника. Тяга к вину перерастает в болезнь, которая притупляет творческие порывы, лишает твердости руку. Заметно ухудшается зрение. Но даже в подобном состоянии он продолжает заниматься творчеством, правда, более упрощенная манера письма приближает его к т.н. «наивному» и народному искусству.
В последние годы жизни Саврасов находился в постоянной зависимости от торговцев картинами, которые, эксплуатируя его талант и используя его болезненное состояние в своих интересах, заказывали ему многочисленные копии его известнейшей картины. Отсюда и множество повторений «Грачей», появившихся в это время на российском художественном рынке.
На закате дней Саврасов делает попытку вырваться из бедственного круга, но расшатанное здоровье уже не дает ему возможности подняться. Он скончался в одной из городских больниц. В некрологе на смерть Саврасова Левитан, один из его учеников и последователей, сказал: «С Саврасова появилась лирика в живописи пейзажей и безграничная любовь к своей родной земле, он создал русский пейзаж, и эта его заслуга никогда не будет забыта в области русского художества».
В Государственной Третьяковской галерее кроме картины «Грачи прилетели» хранится несколько пейзажей кисти Саврасова: «Проселок», «Дворик», «Сельский вид», «Вид на Кремль в ненастную погоду», «Вид в Ораниенбауме», «Лосиный остров в Сокольниках». В собрании Государственного Русского музея творчество Саврасова представлено полотном «Радуга». В Воронежском и Нижегородском художественных музеях выставлены пейзажи «Печерский монастырь под Нижним Новгородом» и «Зимний пейзаж. Иней». «Пейзажи с рекой и рыбаком» входит в собрание Художественного музея в Риге. В одном из частных собраний в Москве хранится картина Саврасова «Могила над Волгой».