Основные виды декоративно-прикладного искусства

·Батик

·Холодный батик

·Горячий батик

·Гобелен

·Нитяная графика

·Художественная резьба

·Резьба по камню

·Резьба по дереву

·Резьба по кости

·Керамика

·Вышивка

·Древнерусское лицевое шитье

·Вязание

·Вязание крючком

·Вязание спицами

·Макраме

·Ковроделие

·Ворсовый ковёр

·Безворсовый ковёр

·Ювелирное искусство

·Художественная обработка кожи

·Художественная обработка металла

·Христианская оловянная миниатюра

·Художественная ковка

·Художественное литье из благородных металлов, бронзы и латуни

·Художественное литье из чугуна

·Пирография (выжигание по дереву, коже, ткани и т. д.)

·Работа со стеклом

·Витраж

·Витражная роспись

·Мозаика

·Набойка

·Бисероплетение

 

Билет №16

Передвижники, художники, входившие в прогрессивное российское демократическое художественное объединение — Товарищество передвижных художественных выставок. Товарищество образовалось в 1870 в Петербурге по инициативе И. Н. Крамского, Г. Г. Мясоедова, Н. Н. Ге и В. Г. Перова в процессе борьбы передовых художественных сил страны за демократические идеалы и в противовес официальному центру искусства — петербургской Академии художеств (см.Академии художественные). Товарищество развивало лучшие традиции Артели художников, руководитель которой И. Н. Крамской стал идейным вождём нового объединения. Передвижники находились под воздействием общественных и эстетических взглядов В. Г. Белинского и Н. Г. Чернышевского. Освободившись от регламентации и опеки АХ в создании, показе и реализации своих производств, они организовали внутреннюю жизнь Товарищества на кооперативных началах, развернули просветительную деятельность. С 1871 Товарищество устроило 48 передвижных выставок в Петербурге и Москве, после чего они показывались в Киеве, Харькове, Казани, Орле, Риге, Одессе и др. городах. Решительно порвав с канонами и идеалистической эстетикой академизма, искусство Передвижники имело своей основой творческий метод критического реализма. Передвижники обратились к правдивому, с демократических позиций изображению жизни и истории народа, родной страны, её природы. Стремясь служить своим творчеством интересам трудового народа, они прославляли его величие, силу, мудрость и красоту, а часто поднимались до беспощадного обличения его угнетателей и врагов, невыносимо тяжёлых условий его жизни. В гуманистическом искусстве Передвижники нашли решительное осуждение российские самодержавные порядки, с горячим сочувствием было показано освободительное движение русского народа.

Характерные для Передвижники картины отличались большой силой психологизма и социального обобщения, высоким мастерством типизации, умением через отдельные образы и сюжеты представлять целые классы и сословия. Ведущими жанрами в искусстве Передвижники были бытовой жанр и портрет, позволявшие наиболее полно показывать жизнь народа, создавать образы передовых людей, прямо утверждать демократические идеалы. Значительное развитие получили также исторический жанр и пейзаж; в картинах на евангельские сюжеты воплощались актуальные нравственно-философские проблемы.

Творчество Передвижники в период своего расцвета в 1870—90-х гг. развивалось в сторону всё более широкого охвата жизни, всё большей естественности и свободы изображения. На смену несколько скованной и суховатой манере письма тёмными красками приходят свободная, широкая манера, передача световоздушной среды с помощью светлой палитры, рефлексов, цветных теней; разнообразнее и свободнее становится композиция картины, отражавшая стремление художников к наибольшей естественности изображения, к воссозданию живой связи человека с окружающей средой, природой. В творчестве Передвижники критический реализм достиг в русском изобразительном искусстве своей кульминации. Новаторское, подлинно народное искусство Передвижники служило действенным средством демократического, общественного, нравственного и эстетического воспитания многих поколений и в конечном счёте стало важным фактором развития русского освободительного движения, помогало росту революционного сознания общества. В. И. Ленин, передовые деятели русского революционного движения и русской культуры дали высокую оценку творчеству Передвижники

Товарищество объединяло почти все наиболее талантливые художественные силы страны. В его состав в разное время входили (помимо инициаторов) И. Е. Репин, В. И. Суриков, В. Е. Маковский, И. М. Прянишников, А. К. Саврасов, И. И. Шишкин, В. М. Максимов, К. А. Савицкий, А. М. и В. М. Васнецовы, А. И. Куинджи, В. Д. Поленов, Н. А. Ярошенко, И. И. Левитан, В. А. Серов и др. Участниками выставок Товарищества были М. М. Антокольский, В. В. Верещагин, А.Передвижники Рябушкин и др. Большую роль в развитии искусства Передвижники играл критик-демократ В. В. Стасов; Передвижники М. Третьяков, приобретая в свою галерею произведения Передвижники, оказывал им важную материальную и моральную поддержку. Авторитет и общественное влияние Товарищества неуклонно росли. Самодержавие вынуждено было отказаться от первоначальной тактики зажима и травли Передвижники Оно делало попытки подчинить себе их деятельность, чтобы поднять значение АХ, переживавшей глубокий кризис. В 1890-х гг. в состав АХ вошли видные члены Товарищества (Репин, В. Маковский, Шишкин и др.). В числе Передвижники были художники Украины, Латвии, Армении и др., оказавшие большое влияние на развитие своих национальных художественных школ по пути реализма, народности и демократических идеалов. Огромное значение для развития русского. реалистического искусства имела педагогическая деятельность Передвижники (В. Г. Перов, И. Е. Репин, В. Е. Маковский, И. Н. Крамской, А. К. Саврасов, А. И. Куинджи, К. А. Савицкий, В. Д. Поленов и др.). На рубеже 19—20 вв. искусство ряда Передвижники стало утрачивать глубину отражения жизни, обличительный пафос. Товарищество теряло былое общественное влияние, но основное ядро Передвижники до конца сохранило верность реализму и демократическим идеалам. В 1890—1900-х гг. в творчестве передовой группы Передвижники появлялись социалистические идеи, отражавшие развитие рабочего движения, рождались элементы социалистического искусства (Н. А. Касаткин, Л. В. Попов, С. В. Иванов и др.). Многие Передвижники вошли в советскую художественную культуру, явились носителями великих реалистических традиций 19 в. и помогли формированию искусства социалистического реализма. Товарищество Передвижники распалось в 1923. Его члены влились преимущественно в АХРР, продолжая в новых исторических условиях служить своим искусством народу.

 

Репин Илья Ефремович

Илья Репин родился 24 июля (5 августа) 1844 года в семье военного поселенца Ефима Васильевича Репина (1804—1884) в городе ЧугуевеХарьковской губернии Российской империи. Грамоте и арифметике обучился у пономаря и дьякона. В 1855 году занимался в топографической школе, но при упразднении военных поселений её закрыли. С 13 лет обучался живописи в Чугуеве у И. Бунакова.

В 1863 году поступил в Академию художеств в Петербурге. В рисовальной школе на Бирже Репин познакомился сИ. Н. Крамским, который стал его наставником. Обучался также у Р. К. Жуковского. Учился успешно, в 1869 г. был награждён малой золотой медалью за картину «Иов и его друзья».

Во время своего путешествия по Волге в 1870 году написал ряд этюдов и эскизов; по некоторым из них написал для великого князя Владимира Александровича картину «Бурлаки на Волге», оконченную в 1873 году. Эта картина, изображающая тяжкий труд бурлаков, тянущих баржу, произвела сильное впечатление на публику и критиков.

Одной из первых картин Репина, получивших широкое признание, был большой групповой портрет Славянские композиторы, выполненный по заказу предпринимателя А. А. Пороховщикова.

В 1872 году за программную работу «Воскрешение дочери Иаира» получил Большую золотую медаль и право на 6-летнее обучение в Италии и Франции, где завершил художественное образование.

С 1873 года Репин путешествует за границей в качестве пенсионера Академии, где корифеи старинной живописи произвели на него отрицательное впечатление. В Париже он пишет «Парижское кафе» и сказочного «Садко».

Возвращается в Россию летом 1876 года. Осенью того же года художник возвращается в свой родной Чугуев, а через год перебирается оттуда в Москву.

В 1878 году, от гостя в Абрамцеве, Репин услышал рассказ украинского историка о том, как турецкий султан писал к запорожским казакам и требовал от них покорности. Ответ запорожцев был смел, дерзок, полон издёвок над султаном. Репин пришёл в восторг от этого послания и сразу сделал карандашный эскиз. После этого он постоянно возвращался к этой теме, работая над картиной более десяти лет. Она была закончена только в 1891 году. Картина имеет 3 списка (не считая этюда). Первый Репин подарил другу, историку Дмитрию Яворницкому, а тот — Павлу Третьякову. Большая часть моделей для него взята из Екатеринославской губернии (писарь — Яворницкий, Иван Сирко — киевский генерал-губернатор Михаил Драгомиров, раненый в голову казак — художник Николай Кузнецов; войсковой судья в чёрной шапке — Василий Тарновский; молодой казачок в круглой шапке — его сын, обладатель обширной лысины — Георгий Алексеев, предводитель дворянства Екатеринославской губернии, обер-гофмейстер двора его Величества, почётный гражданин Екатеринослава и страстный нумизмат. Поначалу он отказался позировать с затылка. Пришлось пойти на хитрость. Яворницкий пригласил его посмотреть свою коллекцию, а позади тайком усадил художника, и пока предводитель любовался монетами, Репин быстро набросал портрет. Георгий Петрович узнал себя уже в Третьяковке и обиделся.

В 1882 году переезжает в Петербург, где становится деятельным членом Товарищества передвижных художественных выставок, к которому он примкнул с 1874 г., став одним из вождей реалистической школы живописи. На выставках товарищества появляются его картины: «Правительница Софья Алексеевна в монастыре» (1879), «Крестный ход в Курской губернии» (1883), «Не ждали» (1884), «Иван Грозный и его сын Иван» (1885).

В 1887 году Репин развёлся с женой Верой Алексеевной Шевцовой, от этого брака у художника осталось четверо детей: сын Юрий и три дочери, Вера, Надежда и Татьяна, которых он нежно любил и не раз писал их портреты. В том же году он вышел из Товарищества художественных передвижных выставок. Ему не нравилось, что передвижники замыкаются в себе и не принимают новых членов, особенно молодых.

В этот же период созданы картины: «Дуэль», «Поприщин» (1882), портреты Ференца Листа и Михаила Глинки (1887), а также портреты П. А. Стрепетовой, Н. И. Пирогова, П. М. Третьякова, И. Н. Крамского, И. С. Тургенева, В. М. Гаршина,В. В. Самойлова, М. С. Щепкина, баронессы Икскуль и многих других.

С начала 1890-х годов Репин подолгу работал в приобретённом им имении Здравнёве Витебской губернии. Здесь им созданы картины «Белорус» (1892), «Осенний букет» (1892), «Охотник с ружьём» (1892), «Дуэль» (1896), «Портрет сына Юрия на террасе Здравнёвкого дома» (1896) и другие, ряд этюдов.

В 1893 г. Репин стал действительным членом Петербургской Академии художеств. В 1894—1907 годах он — профессор-руководитель мастерской в Академии художеств, а в 1898—1899 гг. — ректор Академии.

В 1901 году художник получает правительственный заказ: написать торжественное заседание Государственного Совета в день столетнего юбилея. Грандиозное многофигурное полотно (35 м²) «Торжественное заседание Государственного Совета 7 мая 1901 года» (1901—1903, ГРМ), в исполнении которого принимали участие Б. М. Кустодиев и И. С. Куликов, было написано в течение двух лет. На парадном портрете изображено более восьмидесяти человек — сановников Государственного Совета, во главе с царём и членами царствующего дома. К картине Репин написал пятьдесят этюдов-портретов и эскизы.

После написания картины «Иван Грозный и его сын Иван», отражающей несуществующее историческое событие (как известно из материалов Комиссии, вскрывшей в 1963 году царские захоронения в Архангельском Соборе Кремля, царевич Иоанн был отравлен сулемой - солями ртути, как и отец (Иван Грозный), и мать его (Анастасия Захарьина-Кошкина[источник?]), и многие из царской семьи), правая рука художника начала сохнуть, а потом и вовсе перестала действовать[источник?]. Но он научился писать левой рукой

Билет №17

Полиграфи́я (от греч. πολὺ- — «много» и γράφω — «писать») — это отрасль промышленности, занимающаяся размножением печатной продукции, а именно книжно-журнальной, деловой, газетной, этикеточной и упаковочной продукции. Также это означает умение работать с детектором лжи - полиграфом.

Книжная графика — один из видов графического искусства. Сюда относятся, в частности, книжные иллюстрации, виньетки, заставки, буквицы, обложки, суперобложки и т. п. С рукописной книгой с древности и средних веков во многом связана историярисунка, а с печатной книгой — развитие гравюры и литографии. В древнем мире появился шрифт, также относимый к графике, поскольку сама по себе буква является графическим знаком.

 

Ива́н Я́ковлевич Били́бин (4 (16) августа 1876 — 7 февраля 1942) — русский художник, книжный иллюстратор и театральный оформитель, участник объединения «Мир искусства». Билибинский стиль

Для билибинского рисунка характерно графическое представление. Начиная работу над рисунком, Билибин набрасывал эскиз будущей композиции. Чёрные орнаментальные линии четко ограничивают цвета, задают объём и перспективу в плоскости листа. Заполнение акварельными красками черно-белого графического рисунка только подчеркивают заданные линии. Для обрамления рисунков Билибин щедро использует орнамент.

Произведения

·1899 — «Сказка об Иване-царевиче, Жар-птице и о Сером волке»

·1899—1900, 1902 — «Василиса Прекрасная»

·1899 — «Царевна-Лягушка»

·1900 — «Перышко Финиста Ясна-Сокола»

·1900—1901 — «Марья Моревна»

·1901—1902 — «Сестрица Аленушка и братец Иванушка»

·1902 — «Белая уточка»

·1903 — былина «Вольга»

·1904—1905 — «Сказка о царе Салтане» А. С. Пушкина

·1906 — «Сказка о золотом петушке» А. С. Пушкина

·1908 — «Сказка о рыбаке и рыбке» А. С. Пушкина

·1909 — опера «Золотой петушок» Н. Римского-Корсакова

·1911 — «Сказка о трех царских дивах и об Ивашке, поповском сыне» А. С. Рославлева

·1919 — «Поди туда — не знаю куда, принеси то — не знаю что…»

 

Влади́мир Андре́евич Фаво́рский (15 марта 1886, Москва — 29 декабря1964, Москва) — русский, советский художник, мастер ксилографии икнижной графики, искусствовед, сценограф, живописец-монументалист, педагог и теоретик изобразительного искусства. Действительный членАкадемии художеств СССР (1962), Народный художник СССР (1963).

1898—1905 — учился у И. Дудина (по словам В. Фаворского: «очень простого, но правдивого преподавателя») в частной художественной школеК. Ф. Юона, одновременно посещал вечерние скульптурные классыСтрогановского училища.

·1905 — окончил 5 московскую гимназию (ныне школа № 91).

·1905 — поступает на экономический факультет Мюнхенского университета, откуда вскоре уходит.

·1906—1907 — учился в частной академии профессора Шимона Холлоши (1857—1918) в Мюнхене, параллельно слушал курсКарла Фолля по истории искусства на философском факультете Мюнхенского университета. Путешествует по Италии, Австрии и Швейцарии.

Иллюстрации и книги

·«Суждения господина Жерома Куаньяра» А. Франса, 1918,

·«Мнимости в геометрии» П. Флоренского (изд. 1922)

·«Данте. Vita nova» (1934),

·«Фамарь» А. Глобы (изд. в 1923),

·«Труды и дни Михаила Ломоносова» Г. Шторма (изд. в 1934),

·«Гамлет, принц Датский» У. Шекспира (1941),

·«Сонеты» Шекспира (изд. в 1948),

·сборник «Роберт Бернс в переводах С. Маршака» (изд. в 1950),

·«Слово о полку Игореве» (изд. в 1954),

·«Борис Годунов» (1955, изд. в 1956),

·«Маленькие трагедии» (изд. в 1961)

·«Джангар»

В это время уже начинает обрисовываться стиль художника,— подход В. А. Фаворского к оформлению книги, развитый им впоследствии. Он говорит: «Я не иллюстрирую произведения, а создаю книгу». Принципы, которыми он руководствуется при формировании издания, роднят его с такими признанными специалистами в области типографики, как Я. Чихольд, С. Морисон, Э. Гилл и др.

1932 — пишет статью «О композиции» (с 1930-го) — в этой первой опубликованной работе цикла теории композиции Владимир Фаворский заостряет внимание на основных, по его мнению, проблемах, в неразрывном единстве обуславливающих решение важнейших задач, касающихся настоящей сложной и чрезвычайно широкой темы — организации пространства в изобразительном искусстве — проблемы времени, проблемы материала и проблемы мировоззрения (Искусство, 1933, № 1 — раздел «Проблема мировоззрения в композиции» не был опубликован; полностью статья напечатана в 1967 году в двух первых номерах журналов «Творчество»).

·1932—1933 — начинает систематически работать в монументальном искусстве; росписи сграффито в Центральном музее охраны материнства и младенчества — Москва, улица Кропоткина (не сохранились).

·1933 — оформил книгу «Данте. Vita Nova». — Начало работы в театре: Оформил «Двенадцатую ночь» В. Шекспира в Московском Художественном театре (2-ом), премьера 26 декабря.

·профессор, заведующий кафедрой рисунка в Архитектурном институте.

·1934 — читает курс «Теория композиции» во Всероссийской Академии художеств. — Путешествие по Кавказу. Создал серию рисунков. — Работает над росписью по фаянсу на Фаянсовом заводе им. М. И. Калинина.

·1934, 1 сентября — 1938 — профессор по книге и гравюре в Институте изобразительного искусства в Москве.

 

Билет №18

Светоте́нь — наблюдаемое на поверхности объекта распределениеосвещённости, создающей шкалу яркостей.

Свет в изобразительном искусстве, фотографии и кинематографе является одним из основных изобразительных средств: от условий освещения зависит передача формы, объёма, фактуры объекта и глубины пространства.

Объект зрительно воспринимается только тогда, когда он освещён, то есть когда на его поверхности образуется светотень из-за разной освещённости.

В зависимости от положения объекта по отношению к источнику света, вида (фактуры) и цвета его поверхности и ряда других факторов светотень будет иметь ту или иную яркость. Различают следующие элементы светотени:

·света́ — поверхности, ярко освещённые источником света;

·блик — световое пятно на ярко освещённой выпуклой или плоской глянцевой поверхности, когда на ней имеется ещё и зеркальное отражение;

·те́ни — неосвещённые или слабо освещённые участки объекта. Тени на неосвещённой стороне объекта называются собственными, а отбрасываемые объектом на другие поверхности — падающими;

·полуте́нь — слабая тень, возникающая, когда объект освещён несколькими источниками света. Она также образуется на поверхности, обращённой к источнику света под небольшим углом;

·рефле́кс — слабое светлое пятно в области тени, образованное лучами, отражёнными от близко лежащих объектов.

Элементы светотени у объекта и фотографического изображения часто называют тона́ми. Таким образом, блик представляет собой наиболее яркий тон, а тень — наименее яркий.

Глаз различает значительное число тонов. Чем шире шкала тонов, тем меньше они различаются по яркости друг от друга, тем менее контрастным воспринимается объект; чем она у́же, тем бо́льшими будут различия яркостей между тонами, тем более контрастным явится объект.

Фотографическое изображение имеет меньше тонов, чем объект. Когда оно состоит из 50 и более тонов от белого до чёрного, то воспринимается как неконтрастное, мягкое, потому что различия между тонами будут незначительными; из 35-45 тонов — как имеющее нормальный контраст, а из 10-20 тонов — как контрастное, так как различия между ними станут уже значительными.

 

Билет №19

Перспекти́ва (фр. perspective от лат. perspicereсмотреть сквозь) — наука об изображении пространственных объектов на плоскости или какой-либо поверхности в соответствии с теми кажущимися сокращениями их размеров, изменениями очертаний формы и светотеневых отношений, которые наблюдаются в натуре.

Другими словами, это:

1.Явление кажущегося искажения пропорций и формы тел при их визуальном наблюдении. Например, два параллельных рельса кажутся сходящимися в точку на горизонте.

2.Способ изображения объемных тел, передающий их собственную пространственную структуру и расположение в пространстве. В изобразительном искусстве возможно различное применение перспективы, которая используется как одно из художественных средств, усиливающих выразительность образов.

Прямая линейная перспектива

Вид перспективы, рассчитанный на неподвижную точку зрения и предполагающий единую точку схода на линии горизонта (предметы уменьшаются пропорционально по мере удаления их от переднего плана). Теория линейной перспективы впервые появилась у Амброджо Лоренцетти в XIV веке, а вновь она была разработана в эпоху Возрождения (Брунеллески, Альберти), основывалась на простых законах оптики и превосходно подтверждалась практикой. Отображение пространства на плоскость сначала простой камерой обскура с простым отверстием (стенопом), а затем и с линзойполностью подчинено законам линейной перспективы. Прямая перспектива долго признавалась как единственное верное отражение мира в картинной плоскости. С учетом того, что линейная перспектива — это изображение, построенное на плоскости, плоскость может располагаться вертикально, наклонно и горизонтально в зависимости от назначения перспективных изображений. Вертикальная плоскость, на которой строят изображения с помощью линейной перспективы, используется при создании картины (станковая живопись) и настенных панно (на стене внутри помещения или снаружи дома преимущественно на его торцах). Построение перспективных изображений на наклонных плоскостях применяют в монументальной живописи — росписи на наклонных фризах внутри помещения дворцовых сооружений и соборов. На наклонной картине в станковой живописи строят перспективные изображения высоких зданий с близкого расстояния или архитектурных объектов городского пейзажа с высоты птичьего полета. Построение перспективных изображений на горизонтальной плоскости применяют при росписи потолков (плафонов). Известны, например, мозаичные изображения на овальных плафонах станции метро «Маяковская» художника А. А. Дейнеки. Изображения, построенные в перспективе на горизонтальной плоскости потолка, называют плафонной перспективой.

 

Воздушная перспектива

Воздушная перспектива характеризуется исчезновением четкости и ясности очертаний предметов по мере их удаления от глаз наблюдателя. При этом дальний план характеризуется уменьшением насыщенности цвета (цвет теряет свою яркость, контрасты светотени смягчаются), таким образом — глубина кажется более светлой, чем передний план. Воздушная перспектива связана с изменением тонов, потому она может называться также и тональной перспективой.[4] Первые исследования закономерностей воздушной перспективы встречаются еще у Леонардо да Винчи. «Вещи на расстоянии, — писал он, — кажутся тебе двусмысленными и сомнительными; делай и ты их с такой же расплывчатостью, иначе они в твоей картине покажутся на одинаковом расстоянии… не ограничивай вещи, отдаленные от глаза, ибо на расстоянии не только эти границы, но и части тел неощутимы». Великий художник отметил, что отдаление предмета от глаза наблюдателя связано с изменением цвета предмета. Поэтому для передачи глубины пространства в картине ближайшие предметы должны быть изображены художником в их собственных цветах, удаленные приобретают синеватый оттенок, «…а самые последние предметы, в нем видимые, как, например, горы вследствие большого количества воздуха, находящегося между твоим глазом и горою, кажутся синими, почти цвета воздуха…».

Воздушная перспектива зависит от влажности и запылённости воздуха и ярко выражена во время тумана, на рассвете над водоёмом, в пустыне или степи во время ветреной погоды, когда поднимается пыль[5].

Билет №20

Скульпту́ра (лат. sculptura, от sculpo — вырезаю, высекаю) — ваяние, пластика — видизобразительного искусства, произведения которого имеют объёмную форму и выполняются из твёрдых или пластических материалов — в широком значении слова, искусство создавать из глины, воска, камня, металла, дерева, кости и других материалов изображение человека, животных и иных предметов природы в осязательных, телесных их формах.

Художник, посвятивший себя искусству скульптуры, называется скульптором, или ваятелем. Главную его задачу составляет передача человеческой фигуры в реальном или идеализированном виде, животные играют в его творчестве второстепенную роль, а прочие предметы являются лишь в значении придаточных или обрабатываются исключительно с орнаментальной целью.

Разновидности скульптуры

Главные жанры скульптуры — портрет, исторические, мифологические, бытовые, символические, аллегорические изображения,анималистический жанр (изображение животных). Художественно-выразительные средства скульптуры — построение объёмной формы, пластическая моделировка (лепка), разработка силуэта, фактуры, в некоторых случаях также цвета.

Различаются круглая скульптура (статуя, группа, статуэтка, бюст (изваяние головы с частью груди)), осматриваемая с разных сторон и окруженная свободным пространством; и рельеф. При рельефной скульптуре фигура представляется отчасти погруженною в плоский фон и выступающей из него менее или более чем на половину своей толщины (в первом случае —барельеф, во втором — горельеф). Монументальная скульптура (памятники, монументы) связана с архитектурной средой, отличается значительностью идей, высокой степенью обобщения, крупными размерами; монументально-декоративная скульптура включает все виды убранства архитектурных сооружений и комплексов (атланты, кариатиды, фризы, фронтонная,фонтанная, садово-парковая скульптура); станковая скульптура, не зависящая от среды, имеет размеры, близкие к натуре или меньшие, и конкретное углублённое содержание.

Относительно материала и способа исполнения изображения, скульптура, в широком значении слова, распадается на несколько отраслей: лепка, лепление, или моделировка — искусство работать из мягкого вещества, каковы воск и глина; литейное дело, или торевтика — искусство делать изваяние из расплавленного металла; глиптика, или скульптура в тесном смысле — искусство вырубать изображение из камня, металла, дерева и вообще твердых веществ; к отраслям ваяния можно, сверх того, причислить скульптурную резьбу на твердых и драгоценных камнях и изготовление штемпелей для монет и медалей (медальерное искусство).

Скульптура малых форм

Основная статья: Миниатюрная скульптура

Высота и длина произведения могут быть доведены до 80 сантиметров и метра. Может тиражироваться промышленно, что не характерно для станковой скульптуры. Декоративно-прикладное искусство и скульптура малых форм образуют симбиоз друг с другом, как архитектура здания с украшающей его круглой скульптурой составляя единый ансамбль. Скульптура малых форм развивается по двум направлениям — как искусство массовых вещей и как искусство неповторимых, единичных произведений. Жанры и направления малой скульптуры — портрет, жанровые композиции, натюрморт, пейзаж. Малые, пространственно — объёмные формы, ландшафтный дизайн, и кинетическая скульптура.