Английское Искусство 17—18 Веков. Англия в 17—18 веках и ее культура

Федеральное агенство по образованию России

ГОУ СПО «Барнаульский торгово-экономический колледж»

Дисциплина: История ИЗО

РЕФЕРАТ

На тему: «Английское искусство 17-18 веков»

 

 

Выполнила студентка _________ 15 июня 2009 А.Гладанюк

Выполнила студентка_________ 15 июня 2009 Е.Долматова

Руководитель работы_________ 15 июня 2009 Т.Н.Жидких

 

 

Барнаул 2009

Английское Искусство 17—18 Веков. Англия в 17—18 веках и ее культура.

Начиная с эпохи великих географических открытий и реформации в экономике, в политической и культурной жизни Англии все более вырастает значение буржуазии. Открытие новых континентов и новых морских путей способствовало бурному экономическому расцвету страны. В середине 17 века в Англии происходит одна из первых буржуазных революций в Европе. Буржуазия заставляет крупную земельную аристократию разделить с ней политическую власть в стране. Вместе с быстрым экономическим и политическим ростом английского буржуазного общества складывается богатая и своеобразная национальная культура. Начиная с 16 века широко развиваются наука и литература. Вслед за Фрэнсисом Бэконом в трудах ряда английских философов формируются существенные черты материалистического мировоззрения. Оно опирается на бурный рост опытной науки в области физики, математики и естествознания. В 17 и 18 веках английская наука выдвигается на одно из первых мест в мире.

На протяжении этих столетий англичане вносят много ценного в мировую литературу, начиная с великой драматургии Уильяма Шекспира и его современников — вплоть до замечательного расцвета буржуазного реалистического романа в 18 веке.

Изобразительное искусство Англии значительно отставало от литературы. В течение нескольких веков английские художники не могли сравняться с иностранными мастерами, длительное время работавшими в Англии. Крупнейшими из иностранцев, оставивших свой след в английской художественной жизни, были Ганс Гольбейн Младший и Антонис Ван Дейк.

Главенствующим жанром английской живописи с начала 16 века являлся портрет. Однако английские ученики и подражатели названных мастеров не достигали высоты художественного мастерства и дарования своих учителей.

Подлинный расцвет национальной английской школы изобразительного искусства наступает лишь в 18 веке. Но уже в 17 веке много интересных и своеобразных явлений выдвигает английская архитектура.

Приемы готической архитектуры удерживались в Англии очень долго. В течение значительной части 16 века строительство было еще целиком связано как в отношении общей композиции зданий, их конструктивного решения, так и стилистически, с поздней готикой. Только со второй половины этого столетия можно говорить о новых исканиях. Английская архитектура конца 16—начала 17 века формируется на базе традиций предшествующего времени, под значительным воздействием строительных приемов Нидерландов, хотя иная социальная обстановка и заставляла воспринимать нидерландские воздействия с большими изменениями и в основном с их чисто внешней стороны.

Иниго Джонс. Существенный перелом в развитии английской архитектуры происходит на рубеже 1610—1620-х годов. Он тесно связан с творчеством одного из крупнейших зодчих Англии — Иниго Джонса (1573—1652). Джонс начал свою деятельность как рисовальщик и театральный декоратор.

Поездки Джонса в Италию (в начале 1600-х гг. и в 1613—1615 гг.) познакомили его с творчеством А. Палладио, восторженным приверженцем которого он в дальнейшем и становится.

К концу 1610-х годов относятся первые архитектурные работы Джонса. Увлекаясь творчеством Палладио и пытаясь использовать его приемы в своих постройках, Джонс в то же время не теряет тесных связей с традициями английской архитектуры предшествующего времени. Если во внешнем облике своих построек Джонс активно применял ордера в качестве основного архитектурно-композиционного средства, то в плановых и объемных композициях сооружений он продолжал развивать приемы, характерные для английской строительной практики конца 16—начала 17 века.

Своего рода программной работой Джонса явилась постройка им так называемой «Виллы королевы» в Гринвиче (1620-е гг.; впоследствии здание вошло в комплекс сооружений обширного Морского госпиталя). Над рустованным первым этажом возвышается второй со спокойными поверхностями гладких стен и большой лоджией. Столь же проста и умеренна внутренняя отделка здания.

Крупнейшим замыслом Джонса был его проект громадного дворца в Лондоне — Уайтхолла. Композиция в целом известна по проектным чертежам Джонса. В натуре был выполнен лишь один корпус, составляющий незначительную часть всего проекта, — так называемая «Банкетная палата», плафон которой был написан Рубенсом (1619—1622).

Главным представителем английской архитектуры второй половины 17 века, периода, последовавшего за английской буржуазной революцией, был Кристофер Рен (1632—1723). Математик по образованию, он лишь в зрелом возрасте выступил как архитектор.

На формирование особенностей творчества Рена большое воздействие оказало изучение им построек и проектов И. Джонса. Основной период деятельности Рена связан с восстановительными работами в Лондоне после пожара 1666 года, уничтожившего почти весь центр города. Реном был составлен проект перепланировки центральных кварталов Лондона, представляющий собой интересную попытку постановки градостроительной задачи. Этот проект остался, однако, невыполненным в натуре вследствие сопротивления частных владельцев, не желавших уступать свои участки.

По проекту Рена была воздвигнута крупнейшая церковная постройка Лондона — собор св. Павла — на месте более раннего, уничтоженного пожаром. Собор имеет две высокие многоярусные башни на главном фасаде и громадный купол (1675—1710). Относительно строгие и простые фасады, торжественный и лаконичный интерьер сочетаются в этом здании с применением откровенно декоративных элементов, недостаточно связанных с его основным объемом (как, например, глухие стены над одноэтажными боковыми нефами).

Другая известная постройка Рена — библиотека Тринити-колледжа в Кембридже, основные членения фасада которой навеяны мотивами библиотеки св. Марка Сансовино.

В большом корпусе дворца Хемптон-Корт в Лондоне (1690-е гг.) Рен применил приемы, разработанные голландскими зодчими. Элементы ордера и орнаментальные вставки, выполненные в камне, сочетаются с большими массивами кирпичной кладки. Этот прием получил в дальнейшем довольно широкое распространение у некоторых последователей Рена.

К числу основных работ Рена принадлежит выполненный по его проекту ансамбль громадных корпусов морского госпиталя в Гринвиче (начат в середине 1690-х г., завершен в 18 в.). За исходный мотив всей композиции Рен принял «Виллу королевы» Иниго Джонса (см. выше), соорудив около нее, на берегу Темзы, симметрично расположенные корпуса с большими дворами и колоннадами.

 

В многочисленных постройках, выполнявшихся по проектам и под общим руководством К. Рена, принимало участие значительное число помощников. Мастерская Рена была своего рода архитектурной школой, из которой вышли многие крупные зодчие Англии начала 18 века. Джон Ванброу. Видное место среди них принадлежит Джону Ванброу (1666—1726). Основными постройками его являются крупные загородные дворцы, рассчитанные в первую очередь на парадное представительство. Один из крупнейших среди них — дворец Бленхейме (1710-е гг.). Главное здание с эффектным портиком и изгибающимися в плане декоративными галереями расположено в глубине обширного парадного двора. Строгие колоннады сочетаются в этой работе Ванброу, как и в ряде других его построек, с барочными декоративными элементами, что вызвало тогда же многочисленные возражения и суровую критику со стороны строгих последователей «палладианства».

Ванброу являлся самым барочным мастером Англии. Однако барокко в творчестве Ванброу, по существу, носило очень умеренный характер. Это особенно становится ясным, если мы сравним его творчество с работами барочных мастеров других стран, и прежде всего Италии. В то время, когда барокко в европейской архитектуре достигло своей кульминации, английская архитектура продолжала стоять на позициях рационалистичности и классицизма.

Джеймс Гиббс. Другим значительным мастером архитектуры этого времени был Джеймс Гиббс (1682—1754), придерживавшийся значительно более строгих, чем Ванброу, приемов. Среди его построек особенно выделяется здание библиотеки Редклифа в Оксфорде, решенное монументальным, лаконичным, центрически-купольным сооружением (1730—1740-е гг.).

Большое внимание уделялось в Англии в 18 веке созданию обширных парковых композиций. На смену регулярным садам 17 столетия пришла новая система пейзажных парков, получившая в дальнейшем широкое распространение во всей Европе. За ними укрепилось наименование «английских» садов (в противовес регулярным садам, называвшимся «французскими»). Видное место в формировании системы пейзажных парков принадлежало Уильяму Кенту (1684—1748), очень разностороннему по своим интересам художнику.

Роберт Адам. Наиболее крупным зодчим Англии второй половины 18 века был Роберт Адам (1728—1792). Постоянным помощником зодчего являлся его брат Джеймс, отчего их произведения часто именуются работами «братьев Адам».

Р. Адам ряд лет провел в Италии и Далмации, изучая там памятники античной архитектуры, в том числе и остававшиеся до тех пор малоизвестными (как дворец Диоклетиана в Спалато, которому он посвятил впоследствии большое издание, иллюстрированное многочисленными гравюрами). Адам увлекался также архитектурно-декоративными работами Рафаэля и его школы.

Вернувшись в Англию, Р. Адам вскоре получил широкую известность и выполнил значительное число построек. Одной из наиболее крупных среди них является дворец Кедлстон (1760-е—1770-е г.). В его парковом фасаде Адам смело и своеобразно использовал мотив, восходящий к композиции римской триумфальной арки.

Особое значение имела деятельность Адама как мастера внутренних отделок. Опираясь на античные образцы и произведения Рафаэля и его школы, Адам создал свою своеобразную систему декоративного убранства интерьеров с широким применением рельефов (частично на цветном фоне) и живописных вставок. Одновременно с проектами внутренней отделки он создает и многочисленные рисунки для предметов мебели и прикладного искусства. Характерным примером его работ в области внутренней отделки может служить библиотечный зал в замке Кенвуд (1770-е гг.).

Выпущенные в 1770-х годах два больших альбома гравюр с проектов Адама сделали его произведения широко известными и за пределами Англии. Работы Адама оказали, в частности, значительное воздействие на творчество крупнейшего зодчего, работавшего с 1780 года в России, — Чарльза Камерона.

Уильям Чемберс. Наряду с Адамом должен быть упомянут Уильям Чемберс (1726—1796). Им было выполнено несколько крупных построек, среди которых особо видное место занимает огромный корпус королевского дворца Сомерсет в Лондоне (1770—1780-е гг.). Кроме того, Чемберс много сделал для дальнейшей разработки вопросов паркостроения.

Рождение национальной школы живописи относится к первой половине 18 века. В это время английская общественная жизнь получила мощный толчок в своем прогрессивном развитии. Промышленная революция привела к изменению всей жизни Англии, сделала ее классической страной капитализма. Ф. Энгельс писал: «Промышленная революция имеет такое же значение для Англии, как политическая революция — для Франции, как философская революция — для Германии» .

К. Маркс указывал, что детище английской революции — «свободомыслие ...было ввезено во Францию именно из Англии. Локк был его отцом, а у Шефтсбери и Болингброка оно уже приняло ту остроумную форму, которая получила впоследствии во Франции столь блестящее развитие» . В 18 веке живопись опередила литературу в выражении этого свободомыслия художественными средствами. Создатель буржуазного реалистического романа нравов Генри Фил-динг прямо указывал на то, что он искал источники своего вдохновения в искусстве основателя английской школы живописи — Уильяма Хогарта.

Уильям Хогарт. Творчество Хогарта (1697—1764) сыграло важную роль в развитии английского искусства. Его произведения явились реалистическим отражением современной жизни различных слоев английского общества и были проникнуты активными критическими тенденциями в духе прогрессивных идей того времени. Картины и гравюры Хогарта отличались высоким мастерством драматического повествования, новаторской самобытностью и оригинальностью художественного решения. Он активно боролся за утверждение реализма и идей гражданственности в искусстве, отстаивая ведущее место бытового жанра в живописи. В написанном им теоретическом трактате «Анализ красоты» художник выдвигал положения демократической эстетики реализма против официальной художественной теории академической эклектики. Он резко осуждал бездушие шаблонных светских портретов. Отстаивая бытовую живопись, основанную на непосредственном наблюдении и раскрывающую сущность жизненных явлений, Хогарт писал: «В этих композициях те сюжеты, которые одинаково развлекают и развивают ум, естественно, наиболее общественно полезны и должны быть поэтому поставлены выше всего». Искусство Хогарта оказало значительное влияние на европейскую бытовую реалистическую живопись 19 века. По справедливому замечанию В. В. Стасова, оно несло в себе многие наиболее существенные черты дальнейшего развития и вместе с творчеством Гойи явилось прямым предвестником всего того, что стало характерным для европейского искусства второй половины 19 века, в частности критического реализма. Федотов высоко ценил работы Хогарта. Гравюры Хогарта оказали мощное влияние на развитие немецкой бытовой живописи в середине 19 века.

Уильям Хогарт родился и вырос в бедной семье типографского корректора в Лондоне. Мальчиком он поступил учеником в мастерскую ювелира и гравера по серебру. В конце 20-х годов 18 века он начал свои занятия в художественной школе Джеймса Торнгилла. С 1730 года начинается самостоятельное творчество Хогарта.

Важную часть творчества Хогарта составляют его живописные и гравированные циклы. В большинстве случаев в основе цикла лежат серии картин маслом, написанные Хогартом. Затем эти картины воспроизводились в гравюре самим художником. В 1731 году Хогарт создал свой первый цикл из шести листов — «Жизнь проститутки». В 1735 году за ним последовали восемь листов цикла «Жизнь кутилы» (Лондон, Музей Соан). Через десять лет, в расцвете своего творчества, Хогарт создает наиболее известный из циклов — «Модный брак», состоящий из шести листов (Лондон, Национальная галерея). Затем следует цикл гравюр «Жизнь подмастерья», или «Прилежание и леность», наименее удачный из всех. В 1755 году появляется последний из циклов — «Парламентские выборы», составленный из четырех листов, отличающихся замечательной сатирической остротой (картины в Музее Соан, Лондон).

Каждый из циклов — это развернутое драматическое повествование о человеческих судьбах. Каждая картина или гравированный лист является самостоятельным эпизодом жизни героя цикла. Хогарт, неоднократно подчеркивая связь его композиций с принципами театрального искусства, говорил, что он подходит к изображению ситуации и к характеристике действия как режиссер. Он дает в лучших своих работах многостороннее психологическое раскрытие индивидуальных образов и необычайно метко и остро показывает социальную среду и типические обстоятельства английской жизни. Все это в полной мере заключается в гравюрах циклов. Однако сохранившиеся картины дают основание считать, что живописные оригиналы, так же как и подготовительные рисунки, несут в себе еще большее богатство и силу художественной выразительности. В гравюрах Хогарта нравоучительная тенденция в значительной мере выступает на первый план. В картинах особенно ясно ощутимы полнота восприятия жизни, меткость характеристик, оригинальность живописных приемов.

В некоторых своих произведениях Хогарт поднимается до обличительного пафоса. Его сатира становится беспощадно острой в гравюре «Водочная улица» (1751), наполненной людьми, находящимися на «дне» Лондона, обреченными на нищету, теряющими человеческий облик в результате тяжелых условий жизни. В серии «Парламентские выборы» Хогарт смело обнажает продажность и лживую демагогию английской государственной системы. В картине «Марш в Финчли» (1750, Лондон, Госпиталь найденышей) он показывает английскую армию так, как ее никогда не показывал ни один официальный художник.

Другую важную сторону творчества Хогарта составляют его портреты. В них художник высоко поднимает значение человеческой личности независимо от ее социального положения. Он выступает как гуманист и демократ, как замечательный мастер реалистической портретной живописи. В его портретах нет ни малейшего следа светской идеализации и декоративной обстановочности, столь характерных для портретов работы большинства его современников. Все в них служит раскрытию характера модели. Аксессуары сведены до минимума. Гибкая, разнообразная художественная манера каждый раз меняется соответственно задаче изображения и особенностям изображенного лица. Твердость и четкость изображения характеризуют лучшую из его ранних работ в этом жанре — «Портрет капитана Корама» (1739, Лондон, Госпиталь найденышей). Замечательной плотностью и уравновешенностью отличаются «Автопортрет с собакой» и коллективный портрет «Слуги», написанные в 40-е годы. В тот же период созданы и легкий, гармоничный и поэтический «Портрет сестры художника Анны» и превосходный портрет «Продавщица креветок» (все эти портреты хранятся в Национальной галерее, Лондон). Последняя работа изображает девушку из народа, краснощекую и синеглазую рыбачку. Портрет написан в широкой свободной манере. Прекрасно переданы солнечный свет и воздушная среда, рефлексы, скользящие по свежей коже. Быстрая, бойкая живопись остро подчеркивает характер модели, создает впечатление почти этюдной непосредственности наблюдения, отнюдь не лишая образ законченности и глубины портретной характеристики. Высокие живописные качества присущи многим произведениям этого лучшего периода творчества Хогарта, в том числе картинам серии «Модный брак» и особенно небольшой картине «Ворота Кале» (1748—1749, Лондон, Национальная галерея), имеющей остросатирический характер.

Хогарт не имел непосредственных учеников и преемников в живописи. Он был чужд зарождающейся в этот период академической школе и светским портретистам. Однако он был основоположником английской живописи 18 века, ярким и самобытным художником, зачинателем прогрессивных традиций изобразительного искусства своей страны.

Джошуа Рейнольде. Джошуа Рейнольде (1723—1792) был крупнейшим мастером английской живописи второй половины 18 века. Лучшую часть его художественного наследия составляют портреты представителей высших слоев английского общества. Значительно меньший интерес представляют написанные им картины на мифологические сюжеты. В творчестве Рейнольдса выразился двойственный, компромиссный характер эстетических вкусов и требований господствующих классов Англии его времени. Буржуазные ноты в нем сказываются в трезвой реалистической передаче индивидуальных особенностей и характера моделей, в документально точном изображении одежды, аксессуаров, предметов обстановки. В то же время в работах художника проявляются черты, связанные с аристократическими требованиями светской пышности, репрезентативности портрета, идеализации образа. Сочетание этих противоречивых тенденций определяет общий характер творчества Рейнольдса, придает многим его произведениям поверхностный, внешний лоск. Иногда в погоне за эффектностью теряется жизненная правдивость и эмоциональная выразительность трактовки модели. Сильнее всего Рейнольде оказывается тогда, когда он верно следует за натурой. В таких работах его энергичная, плотная живопись в сочетании с несколько грубоватой решительной пластической моделировкой позволяет ему достигать большой убедительности и силы портретного изображения.

Рейнольде был сыном пастора. Он начал рисовать очень рано, прошел обучение в мастерской портретиста Томаса Гудсона и с девятнадцатилетнего возраста начал свою самостоятельную деятельность портретиста в городе Плимуте. В 1749—1752 годах он совершил поездку в Италию. Изучение классического искусства великих мастеров Возрождения сделало Рейнольдса одним из образованнейших английских художников. После возвращения в Англию Рейнольде обосновался в Лондоне и открыл здесь свою портретную мастерскую. Первой работой, принесшей ему успех и известность, был «Портрет адмирала Кеппеля» (Лондон, Национальная галерея), написанный в 1753 году. Заказы обильно посыпались на молодого художника. В некоторые периоды он писал до сотни портретов в год. Это не могло не сказаться на качестве значительной части его работ. Однако многие из них свидетельствуют о большом художественном даровании мастера. Лучшим портретом первого зрелого периода творчества Рейнольдса, длившегося до середины 1760-х годов, является «Портрет Нелли О'Брайн» (1763, Лондон, Коллекция Уоллес). Фигура молодой женщины занимает почти всю плоскость холста. Красиво написано свежее лицо, верхнюю часть которого покрывает мягкая прозрачная тень от шляпы. Превосходно передана игра света на широко раскинутых складках платья из блестящей шелковистой материи. В этом портрете видны результаты внимательного изучения Рейнольдсом живописи венецианцев и поиски гармонического, яркого и звучного колорита.

В 1768 году основывается Королевская Академия художеств, и Рейнольде избирается первым ее президентом. Деятельность Рейнольдса в Академии принесла значительные плоды. Впервые в Англии была создана серьезная система обучения художников, основанная на широком профессиональном образовании. Важным документом художественной жизни того времени явились «Речи» Рейнольдса — пятнадцать выступлений (1769—1790), содержащих изложение его теоретических принципов и художественных воззрений. В речах Рейнольдса проявляется эклектичность его взглядов и творческого метода, весьма характерная для академической школы. Его теории связаны с рационалистической философией познания мира. В них содержатся также существенные элементы реалистической теории искусства и эстетики. Так, он утверждает, что «обозначения «красота» и «природа», являясь общими понятиями, выражают, хотя и различным способом, то же самое…». Красной нитью через его высказывания проходит мысль о том, что, как ни необходимо для художника формировать свое мастерство на глубоком и основательном изучении старых мастеров, важнейшим для него является сохранение творческой самостоятельности.

Кроме теоретических работ Рейнольде проводил многочисленные опыты и исследования в области технологии живописи. В значительной мере с этими его работами были связаны поездки в Голландию, предпринятые им в 1781 и 1783 годах.

С середины 70-х годов начинается наиболее плодотворный период творчества Рейнольдса. К нему относится величественный портрет знаменитой английской артистки «Миссис Сиддонс как муза трагедии» (1784, Дулвич, Галерея), один из лучших образцов театрального портрета 18 века. «Портрет лорда Хитфилда» (1787, Лондон, Национальная галерея) с наибольшей силой представляет реалистическую сторону творчества Рейнольдса. Генерал изображен на укреплениях Гибралтара, обороной которого он успешно руководил. Он крепко сжимает в руках ключ от ворот крепости. Над ярко-красным мундиром поднимается характерная голова старого солдата. Очень правдиво написано художником грубое лицо с маленькими пронзительными серыми глазами, тяжелым красным носом и квадратным британским подбородком, с кожей, обожженной солнцем и обветренной бурями южных морей. В этот же период созданы некоторые из лучших женских и детских образов Рейнольдса. В них есть известный налет сентиментальности, но они прекрасно передают свежесть и обаяние здорового, счастливого детства. Таковы с их изящным рисунком и светлой, сочной живописью портреты «Миссис Хор с ребенком» (Лондон, коллекция Уоллес) и «Возраст невинности» (1790, Лондон, Национальная галерея).

Творчество Рейнольдса представлено в советских коллекциях картинами на мифологические темы — «Детство Геркулеса» (1786—1788) и «Амур развязывает пояс Венеры» (1788) в Эрмитаже, — принадлежащими к числу лучших произведений Рейнольдса в этом жанре. Очень хороший «Портрет девочки» находится в Музее западного и восточного искусства в Киеве.

Рейнольде оказал громадное воздействие на портретную живопись своих современников и имел много последователей среди представителей более молодого поколения английских художников. Его приемы широко использовались многими мастерами и стали существенным признаком английской школы конца 18—начала 19 века.

Томас Гейнсборо. Одновременно с Рейнольдсом жил и работал замечательный художник Томас Гейнсборо (1727—1788). Портреты и пейзажи Гейнсборо отличаются самобытностью, независимостью от академической школы, лиричной настроенностью и легкой, текучей живописью мягких, гармоничных тонов. В работах Гейнсборо есть настоящая музыкальность, грация и изящество, чуть тронутые сентиментальными нотами.

Сентиментализм с его подчеркнутой чувствительностью и увлечением красотами природы возник в Англии в середине 18 века. Он является частью нового, побеждающего буржуазного мировоззрения и в разнообразных формах и выражениях распространился из Англии во все страны континента.

Гейнсборо был сыном владельца шерстяной мануфактуры. Его художественное образование ограничилось обучением в мастерской провинциального живописца Франка Геймана. Гейнсборо никогда не совершал поездок на континент, и его знакомство с работами старых мастеров ограничивалось произведениями, хранившимися в некоторых английских собраниях. Особое влияние на формирование его мастерства оказало изучение портретов Ван-Дейка. Оно сказалось более всего в композиционном построении многих его портретов, а также в его живописных приемах. Гейнсборо строит свои колористические решения на ограниченной палитре. Он выбирает немногие, главным образом прохладные, основные тона и добивается широкого использования разнообразных оттенков этих тонов. Таким образом он достигает мягкости и гармоничности валерных отношений, единства и музыкальности общего впечатления. Источником живописного мироощущения Гейнсборо является тонко наблюденное, характерное для английской природы состояние с рассеянным светом, пробивающимся сквозь легкие облака, с влажной атмосферой, окутывающей предметы и слегка стирающей их очертания. Особенно ясно это сказывается в его пейзажах и портретах с пейзажным фоном. Однако и в портретах, написанных в интерьере, именно это ощущение положено в основу живописного решения. Характерным примером легкой, текучей, почти акварельной живописи Гейнсборо является «Портрет герцогини Бофор» в Эрмитаже (1770-е гг.).

Ранние работы Гейнсборо, как, например, «Пономарь Орпин» (Лондон, Национальная галерея), старательно выписаны, жестковаты по манере, но показывают внимательность наблюдения натуры и передачи характера модели. В начале 1770-х годов появляются произведения, характеризующие созревание мастерства художника. Наиболее примечательны в этом плане «Портрет миссис Грэхем» (Эдинбург, Национальная галерея) и «Голубой мальчик» (Лондон, Гросвенор-Хауз). Влияние Ван Дейка проявилось особенно в гармоничности колорита, в плавности и грации линейного ритма, достигаемых английским портретистом в этих его работах. Это воздействие подчеркивается самим художником в выборе аксессуаров; в частности, модель во втором из названных портретов одета в костюм 17 века.

Полного развития дарование Гейнсборо достигает после переселения художника в Лондон в 1774 году. В последние пятнадцать лет жизни он создает многие лучшие свои портреты. Гейнсборо изображает свои модели в интимной обстановке, часто — во время прогулки в парке. Его «Портрет Сарры Сиддонс» (1785, Лондон, Национальная галерея), в противовес портрету работы Рейнольдса, представляет артистку в обычном платье, без всяких внешних аксессуаров, указывающих на ее профессию. Гейнсборо более всего интересует ее личная, человеческая сущность. В спокойной, уверенной позе, в острых очертаниях профиля лица артистки Гейнсборо находит средства для выражения ее внутренней значительности и чувства личного достоинства. Еще более характерен для творчества Гейнсборо «Портрет миссис Робинзон» (Лондон, коллекция Уоллес). Здесь известная артистка представлена отдыхающей в парке, погруженной в легкую задумчивость. Художник стремится не столько к передаче индивидуальности модели, сколько к выражению общего поэтического состояния образа. Так Гейнсборо приходит к созданию своеобразного «портрета настроения», затронутого нотами сентиментализма.

Важную роль в развитии английского искусства сыграли также пейзажи Гейнсборо. В лучшем из своих ранних пейзажей — «Корнардский лес» (Лондон, Национальная галерея) — Гейнсборо внимательно и точно строит пространство, передает плотность древесных стволов и массы зелени, следуя примеру излюбленного в Англии голландского мастера 17 века Гоббемы. В пейзажах 1760-х и начала 1770-х годов Гейнсборо проявляет полную художественную самостоятельность и оригинальность. Такие его картины, как «Повозка» и «Водопой» (1770-е гг., Лондон, Национальная галерея), изображают сцены сельской жизни его родины. В них с полной силой достигается передача характерных состояний английской природы. Серебристая валерная живопись превосходно передает влажность воздуха, дрожание легкой листвы под дуновением ветра, сочность зелени и прозрачность лесных ручьев. Блестящее развитие английской пейзажной живописи в первые десятилетия 19 века многим обязано живописным открытиям Гейнсборо в области реалистической передачи света и воздуха, в правдивости изображения английской природы.

Портретная живопись вплоть до конца 18 века занимала ведущее положение в английском изобразительном искусстве. Вслед за Рейнольдсом и Гейнсборо появилось множество художников, работавших в этом жанре. Они довели до технической виртуозности систему приемов, выработанную первыми, крупнейшими мастерами. Джордж Ромней (1734—1802) соперничал с Рейнольдсом в популярности. «Портрет мисс Грир» в Эрмитаже дает полное представление о его уверенном мастерстве. Свободная, быстрая живопись Джона Хоппнера (1758 или 1759—1810) представлена в Эрмитаже «Портретом Шеридана». В творчестве художников следующих десятилетий постепенно исчезали самобытные реалистические черты творчества старшего поколения английских портретистов, в живописи утверждалась льстивая, салонная идеализация и погоня за внешними эффектами.

Историческая живопись в Англии в целом следовала общей европейской моде 18 века, не подымаясь выше уровня посредственности. Однако и в этом жанре в английском искусстве впервые зазвучали новые ноты, знаменующие наступление нового периода в развитии европейской живописи. Наряду с традиционными классическими и аллегорическими мотивами в Англии появились в начале 1770-х годов первые картины на современные исторические темы, передававшие типы, костюмы и обстановку современности. В этом сказались трезвые, практические требования английской буржуазии, высоко ценившей реальные факты и желавшей видеть свое могущество прославленным и запечатленным на холсте с наглядной убедительностью. Первым живописцем, удовлетворившим этим новым требованиям, был Бенджамен Уэст (1738—1820). Уэст родился и вырос в Америке и здесь получил свое первоначальное художественное образование. Три года, проведенные в Италии, завершили формирование его мастерства

В 1763 году он поселился в Лондоне, где прожил до конца жизни. Картина Уэста «Смерть генерала Вольфа» (1770, Оттава, Канадская национальная галерея), написанная после приезда в Англию, изображала эпизод из завоевания англичанами Канады. Это была первая картина, реалистически представлявшая действительное историческое событие, происшедшее за несколько лет до ее написания. Хорошее знание обстановки, людей и природы Америки было использовано живописцем для правдивой передачи условий, в которых происходила битва под Квебеком. В дальнейшем Уэст писал обычные классицизированные композиции и религиозные картины и в 1792 году, после смерти Рейнольдса, был избран президентом Королевской Академии. Вслед за ним его соотечественник, уроженец Бостона Джон Синглтон Коплей (1737—1815) продолжил в некоторых своих произведениях новую традицию, начатую названной картиной Уэста. В 1779—1780 годах им была написана картина «Смерть лорда Чатама», а в 1783 году — «Смерть майора Пирсона» (обе — Галерея Тейт, Лондон). Эти картины закрепили в английской живописи реалистический метод изображения исторических событий.

В английской пейзажной живописи важное место занимает Ричард Уилсон (1714—1782). Его картины перенесли на английскую почву опыт классического композиционного пейзажа Клода Лоррена, примеру которого следовал Уилсон. Однако английский мастер не был простым подражателем. Он самостоятельно, творчески развивал в своих пейзажах принципы построения пространства и передачи света, разработанные его великим предшественником. Другую линию в английской пейзажной и жанровой живописи представлял Джордж Морланд (1763—1804). Его пейзажи с фигурами и сельские бытовые сцены более всего следуют эмоциональным мотивам и живописным поискам пейзажей Гейнсборо, как показывает, в частности, картина Морланда «Приближение грозы» (1791), хранящаяся в Эрмитаже.

Значительными достижениями отличалась английская графика 18 столетия. Необычайно широко развивался рисунок акварелью. Создалась самостоятельная английская школа акварели, разработавшая оригинальную технику отмывки и светлую, прозрачную и звучную палитру тонов. Особенно многого достигли английские акварелисты в пейзаже, добившись значительного совершенства в передаче легких воздушных отношений и тонких световых эффектов. Крупнейшими мастерами английской акварели 18 века были Поль Сэндби (1725—1809) и Джон Роберт Козенс (1752—1799).

В Англии гравюра на металле получила также широкое развитие в 18 веке. Английские граверы более всего работали над репродукцией картин английских живописцев. Однако, несмотря на репродукционный характер их произведений, они обладают значительной самостоятельной художественной ценностью. Английскими граверами были успешно разработаны и применены некоторые виды техники, дающие возможность передачи сложнейших живописных тоновых отношений: меццо-тинто, пунктирная манера и цветная гравюра резцом. Группа граверов сформировалась в середине 18 века в виде так называемой ирландской школы, крупнейшим представителем которой был Джеймс Мак-Арделл.

В творчестве Джона Рафаэля Смита (1752—1812) и других мастеров последней трети 18 века репродукционная гравюра достигла своего наивысшего расцвета. В последующие десятилетия она быстро потеряла свою популярность и художественные достоинства и сошла на нет, уступив место более легким, быстрым и дешевым способам художественной репродукции. С другой стороны, ее упадок явился результатом развития оригинальной гравюры на дереве, возродившейся в конце 18 века.

Крупнейшим мастером английской скульптуры 18 века был Джон Флаксман (1755—1826). Он был типичным представителем классицизма конца 18 века. Лучшими его работами являются не его монументальные статуи, а превосходные рисунки очерком к «Илиаде» и малая пластика в керамическом материале. Рельефы Флаксмана, выполненные белыми силуэтами на матовом фоне преимущественно нежных голубых, зеленоватых или лиловатых тонов, создали громадную популярность изделиям крупнейшей английской фаянсовой мануфактуры Джошуа Уэджвуда (1730—1795). Предприятие Уэджвуда стояло в первом ряду многочисленных фабрик художественных керамических изделий, расцветших в Англии в последней четверти 18 века.

В различных областях изобразительного искусства английские художники в 18 столетии создали выдающиеся произведения и оказали значительное влияние на формирование новых, прогрессивных явлений во всем европейском искусстве. В этот период Англия вошла в ряд передовых по своему художественному развитию стран Европы.