Тенденции развития искусства. 4 страница
Позднее признание получило и творчество Поля Сезанна (1839-1906). Опираясь на отдельные завоевания импрессионистов, он во многом отходит от них, создав свою особую манеру. Художник стремился найти постоянный, не зависящий от освещения в данный момент цвет изображаемого предмета. Сущностью его исканий была передача формы соотношениями красочных тонов. 'Цвет лепит предметы', - говорил Сезанн. Так, в 'Натюрморте с персиками и грушами' форма каждого предмета передана тончайшими градациями цвета, а композиционное расположение продуманно во всех деталях. Всё кажется материально ощутимым и объемным. Но, завоевав эти качества, живопись Сезанна утратила, однако, конкретность в изображении реальных предметов. Часто в его произведениях нельзя понять, какие именно фрукты изображены, какие взяты ткани, из чего сделан тот или иной предмет. Эти элементы абстрагирования, заложенные в самом методе Сезанна, привели впоследствии искусство его последователей к полной условности форм и отвлеченности. Поль Сезанн (1839—1906) начал творческий путь вместе с импрессионистами, участвовал в их первой выставке 1874 г., затем уехал в родной Прованс (г. Экс), где жил замкнутой, но напряженнейшей творческой жизнью. К концу 80-х годов имя Сезанна стало чем-то вроде легенды, мифа, чему немало способствовали рассказы единственного покупателя его картин коллекционера Ива Танги. В 1894 г. Танги умер, и картины Сезанна пошли с молотка. В следующем, 1895 году торговец картинами Воллар предложил Сезанну прислать свои произведения на выставку, и художник, не выставлявшийся до этого 20 лет, отправил в Париж 150 картин. Прогрессивная парижская художественная интеллигенция приветствовала Сезанна как великого художника. Молодое поколение видело в Сезанне единственного импрессиониста, который отказался от импрессионизма, сохранив его технику, чтобы исследовать пространство и восстановить формы в картине, т. е. пластическую материальность живописи и устойчивую композицию. С XX столетия Сезанн становится вождем нового поколения.
Поиски своего особого пути в искусстве характеризуют и творчество Поля Гогена (1848-1903). Подобно Ван-Гогу, он тоже хотел протестовать своим искусством против окружающей действительности. Но он не боролся с её пороками, а бежал от них. В1891 г. Гоген уезжает на Таити - один из островов Тихого океана. Художника пленяет экзотическая природа этого острова, а жизнь таитянских племен, нетронутых современной цивилизацией, привлекает его своей наивностью и чистотой. В картине 'Таитянка, держащая плод' силуэт женщины очерчен простыми и ясными контурами. Художник любуется её спокойным смуглым лицом, естественной грацией позы. Узор юбки напоминает форму ветвей и листьев над головой женщины. Гоген не стремится к оптической верности в передаче окружающего мира. Он пишет не столько то, что видит, сколько то, что хочет увидеть вокруг себя. Картины Гогена по своей плоскостности, орнаментальности и яркости красок напоминают декоративные ткани и в известной степени - искусство восточных народов. Кроме того, Гоген вызвал своим творчеством большой интерес к культуре неевропейских народов, и это составляет его несомненную заслугу.
Вопрос
Стиль "модерн" (франц. moderne — новейший, современный)
модерн
- cтиль в eвpoпeйcкoм и aмepикaнcкoм иcкyccтвe нa pyбeжe XIX-XX вeкoв. Мoдepн пepeocмыcливaл и cтилизoвaл чepты иcкyccтвa paзныx эпox, и выpaбoтaл coбcтвeнныe xyдoжecтвeнныe пpиeмы, ocнoвaнныe нa пpинципax acиммeтpии, opнaмeнтaльнocти и дeкopaтивнocти.
Объeктoм cтилизaции мoдepнa также cтaнoвятcя и пpиpoдныe фopмы. Этим oбъяcняeтcя нe тoлькo интepec к pacтитeльным opнaмeнтaм в пpoизвeдeнияx мoдepнa, нo и caмa иx кoмпoзициoннaя и плacтичecкaя cтpyктypa - oбилиe кpивoлинeйныx oчepтaний, oплывaющиx, нepoвныx кoнтypoв, нaпoминaющиx pacтитeльныe фopмы.
Тecнo cвязaн c мoдepнoм - cимвoлизм, пocлyживший эcтeтикo-филocoфcкoй основой для мoдepнa, опиpaясь нa мoдepн кaк нa плacтичecкyю peaлизaцию cвoиx идeй
Стиль в европейском и американском искусстве кон. 19—нач. 20 вв. В различных странах приняты иные названия стиля "модерн": "арт нуво" (Art Nouveau) во Франции, Бельгии, югендстиль (Jugendstil) в Германии, сецессион (Sezession) в Австрии, либерти (Liberty) в Италии и др. Модерн сложился в условиях бурно развивающегося индустриального общества. В искусстве модерна, с одной стороны, проводились идеи художественного, индивидуализма, а с другой — искусство утопически рассматривалось как средство социального преобразования общества (например, в работах бельгийца X. К. ван де Велде, основывавшегося на социалистической утопии У. Морриса).
Утверждая единство стилеобразующих принципов всего окружения человека — от архитектуры жилища до деталей костюма, ведущую роль представители модерна (несмотря на программный отказ от иерархии видов и жанров искусства) отдавали архитектуре как основе искомого ими синтеза искусств. Наиболее ярко модерн выразился в архитектуре частных домов — особняков, в строительстве деловых, промышленных и торговых зданий, вокзалов, доходных домов. Принципиально новым в архитектуре модерна был отказ от ордерной или эклектически заимствованной из других стилей системы украшения фасада и интерьера. В модерне было невозможно разделение на конструктивные и декоративные элементы здания; декоративность модерна заключалась в эстетическом осмыслении архитектурной формы, порой заставляющим забыть о её утилитарном назначении. Определяющее значение в структуре здания имело построение внутреннего пространства, которое отражалось в ритмической и пластической организации внешних форм. Фасады зданий модерна обладают в большинстве случаев динамичностью и текучестью форм, порой приближающихся к скульптурным или напоминающих органические природные явления (постройки А. Гауди в Испании, В. Орта и ван де Велде в Бельгии, Ф. О. Шехтеля в России); иногда они скупо и геометрически чётко выявляют составляющие здание объёмы (постройки И. Хофмана, Й. М. Ольбриха в Австрии, Ч. Р. Макинтоша в Шотландии, зрелые работы Шехтеля). Некоторые архитекторы модерна предвосхищали функционализм, стремясь выявить каркасную структуру здания, подчеркнуть тектонику масс и объёмов (ряд построек О. Вагнера и Хофмана в Австрии, П. Беренса в Германии, О. Перре во Франции).
В отличие от эклектизма 19 в., формально заимствовавшего отдельные детали исторических и национальных стилей, модерн путём стилизации органически усваивал черты искусства различных эпох и стилей, в образцах архитектуры прошлого, а также в природе черпая идеи целостности, принципы взаимосвязанности всех частей художественного образа. Одним из основных выразительных средств в искусстве модерна был орнамент характерных криволинейных очертаний, часто пронизанный экспрессивным ритмом и подчинявший себе композиционную структуру произведения. Орнаментальное начало объединяет все виды искусства модерна. В интерьерах изящные линейные плетения, подвижные растительные узоры рассыпаны по стенам, полу, потолку, концентрируются в местах их сопряжения, объединяют архитектурные плоскости, активизируют пространство. Линии декора несут духовно-эмоциональный и символический смысл, сочетая изобразительное с отвлечённым, живое с неживым, одухотворённое с вещным. У мастеров венского модерна — Хофмана, Ольбриха, в работах шотландской группы "Четверо" во главе с Макинтошем строго геометрический орнамент варьирует мотивы круга и квадрата. Для модерна характерно взаимопроникновение станковых и декоративно-прикладных форм искусства. Произведения живописи и скульптуры теряют свой самостоятельный характер, включаясь в общий ансамбль интерьера модерна. В живописи преобладающее значение получают панно, в скульптуре — рельефы. Целью архитектора, художника, скульптора становится создание синтетического, цельного произведения искусства. Эта тенденция проявляется и в рождении нового типа художника-универсала, объемлющего различные виды творческой деятельности (например, ван де Велде).
Для живописи модерна характерно сочетание декоративной условности орнаментальных ковровых фонов и натуралистической осязательности отдельных деталей или фигур, силуэтность, использование больших цветовых плоскостей, тонко нюансированной монохромии. В произведениях П. Гогена и художников группы Наби" во Франции, Г. Климта в Австрии, Ф. Кнопфа в Бельгии, Э. Мунка в Норвегии, в меньшей степени М. А. Врубеля, членов Мира искусства" в России стилистика модерна часто используется для воплощения тем и мотивов, характерных для символизма. Скульптура модерна (бельгиец Ж. Минне, немец Г. Обрист) отличается динамикой и текучестью форм и силуэта.
Идея синтеза искусств пронизывает стиль модерн. Основой синтеза виделась архитектура, объединяющая все другие виды искусства - от живописи до моделей одежды. В архитектуре модерна проявилось органическое слияние конструктивных и декоративных элементов. Наиболее целостные примеры синтеза искусств дают особняки, павильоны, общественные здания эпохи модерна. Как правило, они построены словно "изнутри наружу", то есть внутреннее пространство определяет внешний облик здания. Фасады таких домов были несимметричны и походили на подобные организмам образования, напоминающие одновременно природные формы и результат свободного формотворчества скульптора. Особенно выразительны были интерьеры этих особняков с перетекающим пространством, изогнутыми очертаниями карнизов, круглящимися дверными и оконными проемами, богатым декором из резного дерева, цветного стекла, металла. Новейшие технико-конструктивные средства и свободная планировка были использованы для постройки зданий с подчеркнуто индивидуализированным обликом.
Творчество испанского архитектора А. Гауди является ярким и неповторимым примером создания единого образно-символического ансамбля причудливой архитектуры, словно вырастающего до небес, в котором сплелись воедино реальность и фантазия.
Художественный язык модерна был во многом воплощением идей и образов символизма, сочетающихся со сложным стилизованным растительным декором, ритмом гибких текучих линий и плоскостных цветовых пятен. В этом духе выполнялись произведения декоративного искусства:панно,мозаики,витражи, керамическая облицовка, декоративные рельефы, майоликовая скульптура, фарфоровые и стеклянные вазы и др. Картинам и графическим листам тоже придавались черты декоративной стилизации в духе модерн.
С живописью модерна связаны П. Гоген, М. Дени, П. Боннар во Франции, Г. Климт в Австрии, Э. Мунк в Норвегии, М. Врубель, В. Васнецов, А. Бенуа, Л. Бакст, К. Сомов в России.
В рамках модерна получила большое распространение книжная и журнальная графика (О. Бердслей в Англии). Особое распространение получила афиша и плакат (А. Тулуз-Лотрек во Франции, А. Муха в Чехии).
В изобразительном искусстве стиля модерн неразделенность жанров приводила к относительной несамостоятельности живописи, графики и скульптуры. Целью архитектора, художника, скульптора становится создание синтетического, целостного произведения искусства.
Хрустальный дворец (англ. Crystal Palace) в лондонском Гайд-парке был построен в 1850—1851 из железа и стекла к Всемирной выставке 1851 года. Выставочный зал площадью свыше 90 000 кв.м., протяжённостью 564 м и высотой до 33 м[1], выстроенный под руководством Джозефа Пакстона, вмещал до 14 000 посетителей. По завершении выставки Дворец был разобран и перенесён на новое место, в лондонское предместье Сиднем-Хилл. 20 ноября 1936 Хрустальный Дворец был уничтожен пожаром и не восстанавливался.
Дворец дал своё имя прилегающему району Южного Лондона, железнодорожной станции, комплексу телевизионных вышек и футбольному клубу «Кристал Пэлас».Содержание
Вдохновитель и организатор постройки, Джозеф Пакстон, возведённый за свои заслуги в рыцарство, был не профессиональным строителем, а садовником из Четсворта, имевшим практический опыт постройки крупных оранжерей. Инженерную часть проекта возглавил профессионал Уильям Кабитт, собственно проектирование — Чарльз Фокс. Наблюдательный совет выставки возглавлял Изамбар Брюнель. Идея Пакстона использовать модульные конструкции из железных и деревянных элементов позволила выстроить Дворец в срок менее одного года. В постройке было занято 5 000 человек (не более 2 000 единовременно). Для производства более чем 84 000 кв.м. остекления крупнейшей английской фирме, Chance Brothers, пришлось завозить на свои заводы мастеров из Франции. Название «Хрустальный дворец» придумали не организаторы, а журналисты из «Панча», которые вначале критиковали, а затем поддержали проект.
Всемирная выставка 1889 года проходила в Париже с 6 мая по 31 октября и была приурочена к столетию взятия Бастилии. В качестве входной арки на территорию экспозиции в Трокадеро инженеру Гюставу Эйфелю была заказана знаменитая Эйфелева башня, которую по окончании выставки предполагалось разобрать.
Архитекторы павильонов, стремясь заглянуть в будущее, соревновались друг с другом в утопичности проектов. Настоящий фурор вызвала 111-метровая галерея машин — на тот момент самое большое крытое помещение в мире. Она была сооружена из сварочного железа, а не литой стали, как планировалось вначале, что вызвало оживлённую дискуссию о практических и художественных свойствах этих материалов.
Вопрос
Новые художественные направления в западноевропейском искусстве первой половины 19 в. Авангардизм, авангард - общее название ряда течений в искусстве 20 века, демонстративно порывающих с установившимися художественными традициями (фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, абстракционизм, сюрреализм). Абстракционизм - общее название ряда течений в изобразительном искусстве 20 века, отказавшихся от понимания искусства как подражания природе, воспроизведения форм действительности, художественное направление. Основоположниками абстракционизма принято считать В. Кандинского,П. МондрианаиК. Малевича. В.Кандинский создал собственный тип абстрактной живописи, освобождая от всяких признаков предметности пятна импрессионистов и “диких”. Пит Мондриан пришел к своей беспредметности через геометрическую стилизацию природы, начатую Сезанном и кубистами. Модернистские течения 20 века, ориентированные на абстракционизм, полностью отходят от традиционных принципов, отрицая реализм, но при этом остаются в рамках искусства.
Фовизм - течение во французской живописи начала 20 века, для которого характерно предельно интенсивное звучание открытых цветов, сопоставление контрастных окрашенных плоскостей, заключенных в обобщенный контур, сведение формы к простым очертаниям при отказе от светотеневой моделировки и линейной перспективы. Локальное направление в живописи нач. XX в. Наименование Ф. было в насмешку присвоено группе молодых парижских художников (А. Матисс, А. Дерен, К. ван Донген), совместно участвовавших в ряде выставок 1905-1907 гг., после их первой выставки 1905 г. Название было принято самой группой и прочно утвердилось за ней. Направление не имело четко сформулированной программы, манифеста или своей теории и просуществовало недолго, оставив, однако, заметный след в истории искусства. Его участников объединяло в те годы стремление к созданию художественных образов исключительно с помощью предельно яркого открытого цвета. Развивая художественные достижения постимпрессионистов, опираясь на некоторые формальные приемы средневекового искусства (витражи, романское искусство) и японской гравюры, популярной в художественных кругах Франции со времен импрессионистов, фовисты стремились к максимальному использованию колористических возможностей живописи.
Кубизм – Художники: Пикассо Пабло, Жорж Брак. Кyбизм - (фpaнц. cubisme, oт cube - кyб) нaпpaвлeниe в иcкyccтвe пepвoй чeтвepти XX вeкa. Плacтичecкий язык кyбизмa ocнoвывaлcя нa дeфopмaции и paзлoжeнии пpeдмeтoв нa гeoмeтpичecкиe плocкocти, плacтичecкoм cдвигe фopмы. Период 1907-1912 годов – период аналитического кубизма (называемого также стереометрическим или объемным). В это время происходит сенсационное преобразование художественной реальности, невиданное доселе – разложение формы, в данном случае на кубы. Художественная практика кубистов: отказ от перспективы, сокращение фигур в ракурсах, показ их одновременно с нескольких сторон, тяготение к обратной перспективе. В 1908-1909 годах и Брак и Пикассо ищут приемы за пределами кубизма. После 1912 года начинается период так называемого “синтетического” кубизма, именуемого также “кубизмом представления” Принцип создания художественного пространства заключался в наполнении изобразительной плоскости элементами расчлененного предмета, которые с треском сталкиваются между собой, ложатся рядом, перекрывают или проникают друг в друга.Дадаизм (dadaism) (франц. dada - деревянная лошадка), в переносном смысле - бессвязный детский лепет, авангардистское литературно-художественное течение в европейском и американском искусстве, возникшее как протест против традиционных моральных и культурных ценностей. Впервые Дадаизм заявил о себе в 1915 г. в Цюрихе. Дадаисты не разрабатывали свой особый художественный стиль. Они бросались из одной крайности в другую, стараясь любыми способами эпатировать самодовольного обывателя. Излюбленные жанры Дадаизма - монтаж, коллаж и "реди-мейд" (обыденные предметы, представленные как произведения искусства). Дадаизм очень быстро стал популярным (особенно в Нью-Йорке, где его возглавил Марсель Дюшан), но как сформировавшееся течение просуществовал недолго. Оказал значительное влияние на другие течения, в частности на сюрреализм, абстрактный экспрессионизм и концептуальное искусство.Экспрессиони́зм (от лат. expressio, «выражение») — авангардистское течение в европейском искусстве, получившее развитие в конце XIX — начале XX века, характеризующееся тенденцией к выражению эмоциональной характеристики образа(ов) (обычно человека или группы людей) или эмоционального состояния самого художника. Экспрессионизм представлен во множестве художественных форм, включая живопись, литературу, театр, кинематограф, архитектуру и музыку. Важную роль в его становлении сыграл немецкий философ Фридрих Ницше. В книге «Рождение трагедии или Эллинство и пессимизм» Ницше излагает свою теорию дуализма, постоянной борьбы между двумя типами эстетического переживания, двумя началами в древнегреческом искусстве, которые он называет аполлоническим и дионисическим. Под влиянием идей Ницше немецкие (а вслед за ними и другие) художники и литераторы обращаются к хаосу чувств, к тому, что Ницше называет дионисическим началом. В наиболее общем виде термин «экспрессионизм» относится к произведениям, в которых художественными способами выражены сильные эмоции, и само это выражение эмоций, общение посредством эмоций становится основной целью создания произведения.
Вопрос
18 век стал веком перемен не только в экономике, социальных отношениях, но и в общественной мысли и культуре. Преобразования в России не могли быть успешными без повышения культурного уровня ее граждан. Армии и флоту требовались военные специалисты, бюрократическому аппарату - образованные чиновники, а бурное развитие экономики потребовало большого количества специалистов с техническим образованием. Решение этих задач было возможно только при условии начала реорганизации системы обучения и ориентирование создаваемых учебных заведений на изучение точных и прикладных наук.В 1714 г. существующая сеть школ пополнилась цифирными школами в губерниях. Дети военных стали посещать школы при гарнизонах, а дети духовенства получали образование при епархиях.Россия не имела собственных специальных учебных заведений. Петр I вынужден был для получения образования отправлять дворянскую молодежь за границу. Необходимо было создать систему светского образования. Начало положено в 1701 г. открытием Артиллерийской школы. В 1712 г. открыта Навигационная школа, в 1707 г. Медицинское училище. В 1725 г. по инициативе Петра I были созданы Петербургская Академия наук и университет для подготовки научных кадров.В России создается сеть типографий для печатания отечественных научных и технических книг. За первую четверть века удалось издать более 600 новых работ. Было положено начало изданию периодической литературы.В 1703 г. в Москве начали печатать «Ведомости о военных и иных делах», где сообщались новости внутренней и зарубежной жизни. Появляется учебная литература («Букварь» Ф.Поликарпова, «Арифметика» Л.Магницкого). В 1708 г. по указанию Петра книги гражданского содержания стали печатать упрощенным шрифтом. В 1717 г. издано «Юности честное зерцало,- или Показание к житейскому обхождению...», в котором был дан свод знаний о правилах хорошего тона, азбука, правила произношения и арифметика.Для пропаганды научных знаний в 1719 г. в Петербурге был открыт первый естественно-исторический музей - Кунсткамера.Архитектурное русское искусство обрело светский характер, появились новые формы, новый стиль. Принципы нового зодчества были воплощены при строительстве. Петербурга. Городские здания несут сплав русских художественных традиций и элементов архитектуры западных стран - название ему русское или петровское барокко.Важнейшие архитектурные памятники, сооруженные в это время: Летний дворец Петра I, Петропавловский собор, здание Двенадцати коллегий, Меншиков дворец на Васильевском острове. С именами архитекторов Д.Трезини, М.Земцова, Зарудного, Г.феделя связано формирование стиля барокко в русской архитектуре, строительство столицы осуществлялось по заранее разработанному плану. К числу первых строителей Петербурга принадлежат Жан-Батист Леблон, Доменико Трезини и Г. Маттарнови. Все они прибыли в Россию по приглашению Петра I. Каждый из этих архитекторов вносил в облик сооружаемых зданий традиции своей страны, той архитектурной школы, которую он представлял. Курируя осуществление их проектов, традиции европейского барокко усваивали и русские зодчие, как, например, Михаил Земцов.Живопись петровского периода представлена работами Андрея Матвеева и Ивана Никитина. На их картинах - светские сюжеты и портреты современников, написанные маслом. Русское изобразительное искусство первой половины XVIII в. характеризуется окончательной победой светского направления, появлением новых жанров, тесной связью с западноевропейским изобразительным искусством. Ведущим жанром становится портрет, окончательно вытеснивший икону. Первые произведения этого жанра по своему характеру тяготеют к парсуне. Основоположниками русского светского портрета принято считать И.Н. Никитина и А.М. Матвеева. В своих зрелых работах ("Петр I на смертном ложе", "Напольный гетман"), написанных после поездки в Италию, где художник совершенствовал свое мастерство, Никитин намного опередил своих современников по глубине и форме художественного выражения. Работы "петровского пенсионера" Матвеева отличаются непринужденностью композиции. Ему принадлежит первый двойной портрет ("Автопортрет с женой"). В первой половине столетия началось освоение русскими художниками новых для них композиций с мифологическими сюжетами. (А.Матвеев "Венера и Амур", "Аллегория живописи"). Популярностью пользовались также монументальная роспись в виде панно и плафонов в строившихся дворцах и административных зданиях, а также миниатюрное письмо.
ВОпрос
Художники второй половины 18 века начинают больше интересоваться личными достоинствами человека, его моральными качествами, его внутренним миром. В искусстве они видят средство воспитания и потому стремятся сделать его разумным, ясным, логичным. Так в архитектуре пышное великолепие стиля барокко сменяется спокойной простотой и строгим величием стиля классицизм. Представителями классицизма в России в 18 веке были архитекторы Баженов, Казаков, Кваренги, Камерон, Старов.
Вторая половина XVIII века в русском искусстве связана с распространением классицизма. В архитектуре это определило обращение к античности; античные ордера стали главным средством решения фасадов и интерьеров зданий. Основным требованием стало соблюдение гармоничности пропорций. Именно в этот период в Петербурге строится здание Академии художеств (1764-1788 гг.), которое возводят А. Ф. Кокоринов и Ж. Б. Валлен-Деламот. В Москве создается кольцо бульваров, строятся здания Воспитательного дома. Новые тенденции получают свое развитие в творчестве В. И. Баженова (1737-1799; проект Кремлевского дворца, строительство ансамбля в Царицыне, знаменитый Пашков дом в Москве); М. Ф. Казакова (1738 - 1812; здание Сената в Кремле, Голицынская больница и другие), Во второй половине XVIII века в России работают и мастера, приехавшие из Европы. Это Дж. Кваренги (1744-1817), который воздвигает здания Академии наук, Государственный банк, торговые ряды; одно из лучших созданий - Смольный институт. В пригородах Петербурга работает Ч. Камерон (1740-1812). Им создана знаменитая Камеронова галерея в Царском Селе, интерьеры комнат Екатерины II в Екатерининском дворце.
В историю искусств вторая половина 18 века вошла как время портретов, особенно живописных. Портреты были нужны всем - от царицы до небольшого провинциального чиновника. В художественных или краеведческих музеях многих городов нашей страны вы можете увидеть портреты того времени – важных господ в цветных кафтанах, задумчивых или кокетливых дам с высокими причёсками, с волосами, напудренными до седины. Иногда эти портреты написаны легко и живо, тающими серебристыми краскам, иногда – грубоватой рукой крепостного живописца-самоучки. Три имени знаменуют вершину русского живописного портрета 18 века: Рокотов, Левицкий и Боровиковский. Портрет неизвестной молодой женщины с задумчиво прищуренными глазами, в лёгком розовом платье (Неизвестная в розовом), написанный Фёдором Степановичем Рокотовым, привлекает тонкостью, душевным богатством. Рокотов пишет мягко, воздушно. Полунамёком, ничего не вырисовывая до конца, передаёт он прозрачность кружев, мягкую массу напудренных волос, светлое лицо с затенёнными глазами. Поэзия душевной жизни, внутренняя, часто скрытая от других красота человека привлекает Рокотова, и он находит средства передать её на холсте.
В портретах написанных Дмитрием Григорьевичем Левицким, нет поэтической дымки, окутывающей образы Рокотова. Он зорче, трезвее смотрит на своих героев, его интересует разнообразие характеров, и он умеет их показать даже в торжественных парадных портретах. Известный богач и самодур П. Демидов изображён им во весь рост, на большом холсте, на фоне величавой архитектуры, в пышных складках алого одеяния. Но если присмотреться – это складки не мантии, а домашнего халата. Ведь Демидов не состоит ни на какой государственной службе, он не сановник, не полководец, он опирается не на саблю, а всего лишь на садовую лейку, и торжественный жест указывает не на дым сражения, а всего лишь на цветочные горшки знаменитой демидовской оранжереи. И уж совершенно ничего величественного нет в его хитром немолодом лице, любезном и скаредном одновременно.
Владимир Лукич Боровиковский работал уже в конце 18 века и в первой четверти 19 века. В его портретах задумчивые девушки, написанные прозрачными, светлыми красками мечтают на фоне зелени сада. Чувственность повестей Карамзина, появившихся в эти годы, отразилась и в образах их читательниц, которых писал Боровиковский, к его лучшим произведениям относятся портреты: В. И. Арсеньевой, М. И. Лопухиной, А. Г. и В. Г. Гагариных.
Русские художники 18 века сумели воплотить в красках и мраморе облик, характеры, духовный мир своих современников. Именно в портрете создало искусство этого времени свои лучшие произведения.
Крупный мастер исторической живописи - А. П. Лосенко (1737-1773). Известен был своими рисунками и картинами: "Жертвоприношение Авраама", "Каин", "Авель" и другие. Самые значительные картины - "Владимир и Рогнеда", "Прощание Гектора с Андромахой", проникнутые героическим пафосом.
Вопрос
В первой половине XIX в. успешно развивалась портретная живопись. В ней романтизм переплетался с реализмом. Большую известность получили портреты замечательных русских художников О. А. Кипренского и В. А. Тропинина. С наступлением XIX века русское искусство претерпевает существенные изменения. Это и подъем национального самосознания, и пламенные патриотические чувства, связанные с войной 1812г., и широкое распространение освободительных идей в России, приведшее к восстанию декабристов в 1825г., и, конечно, рождение нового художественного течения – романтизма, первым выразителем которого стал О. А. Кипренский (1782-1836). Кисти Кипренского принадлежит один из лучших прижизненных портретов А. С. Пушкина — молодого, романтичного, овеянного поэтической славой (1827). Более реалистичны образы, созданные другим выдающимся русским портретистом — В. А. Тропининым. Сыграл большую роль в развитии русской реалистической живописи. Его творчество пронизывает стремление к изображению простых людей («Кружевница», «Портрет сына»). Много замечательных портретов современников оставил выдающийся русский живописец К- П. Брюллов. Среди них портрет поэта В. А. Жуковского, выполненный им в романтической манере. Его отказ от традиционных форм академической школы рождает такие шедевры исторической живописи, как «Последний день Помпеи», акцентировал свое внимание на переломных моментах истории. В их картинах отразилось сознание неизбежности коренных преобразований в судьбах народа. Родоначальником русского бытового жанра становится талантливый художник А. Г. Венецианов (1780-1847). Изображая в своих картинах крестьянскую жизнь, он показал ее как мир гармонии и красоты. Его картины «На пашне», «Утро помещицы» духовными нитями связаны с жизнью простого русского народа.