ЭСТЕТИЧЕСКИЕ УСТАНОВКИ КЛАССИЦИЗМА
Исследовательская работа
Музыка любой эпохи на выбор
(Музыка эпохи классицизма)
Работу выполнила:
Полина Анисенко Александровна
Студент первого курса
Группа № 2521в
Специальность
«Специалист по рекламе»
Научный руководитель:
Петрова Марина Александровна
Преподаватель экологии
СПБ ГБОУ СПО
«Петровский колледж»
Санкт-Петербург
Определение
В развитии классицизма отмечают два исторических этапа. Выросший из искусства Возрождения классицизм XVII века развивался одновременно с барокко, отчасти в борьбе, отчасти во взаимодействии с ним, и в этот период наибольшее развитие получил во Франции. Поздний классицизм, связанный с Просвещением, приблизительно с середины XVIII до начала XIX века, ассоциируется прежде всего с венской классической школой
Сложные взаимоотношения классицизма и барокко ещё в начале XX века породили дискуссию: многие музыковеды, прежде всего в Германии, рассматривают барокко как единый стиль европейской музыки между Возрождением и Просвещением — приблизительно до середины XVIII века, до И. С. Баха и Г. Ф. Генделя включительно. Во Франции, на родине классицизма, некоторые музыковеды, напротив, склонялись к чрезмерно расширительному толкованию этого понятия, рассматривая стиль барокко как одно из частных проявлений классицизма.
Периодизация эпох осложнена тем обстоятельством, что в различных национальных культурах музыкальные стили получали распространение в разное время; бесспорным является то, что в середине XVIII века классицизм восторжествовал практически повсеместно. К этому направлению принадлежат, в частности, реформаторские оперы К. В. Глюка, ранняя венская и мангеймская школы. Высшие достижения классицизма в музыке связаны с деятельностью венской классической школы — с творчеством Й. Гайдна, В. А. Моцарта и Л. Ван Бетховена
История Классицизма
Музыка в период 1750 - 1820 гг.
Термин "классическая" в музыке в основном ипользуется для определения серьезной, художественной музыки, т.е. музыки, которая не является народной, популярной, джазом, роком и т.д. Но также есть и "классический" период в истории музыки, называемый классицизм, яркими представителями классицизма были Гайдн и Моцарт.
Классицизм начался в эпоху Просвещения - время радикальных перемен в осознании человеческих и социальных ценностей и правил поведения в обществе. Вновь появились понятия прав человека, защита этих прав и свободы вероисповедания и слова, произошел поворот к простоте и естественности, который отразился в чистом архитектурном стиле, напоминающем стиль Древней Греции и Рима - отсюда и термин "классический".
Рост свободы в обществе привел к появлению первых публичных концертов, в главных городах Европы образовываются музыкальные общества и оркестры.
Произошли коренные изменения в оркестрах, не осталось потребности в клавесине или органе как в основных музыкальных инструментах, духовые инструменты - кларнет, флейта, труба и др. напротив заняли свое место в оркестре и создали новый, особенный звук.
Новый состав оркестра привел к появлению симфонии - важнейшего типа музыки, по стандарту состоящей из трех темпов - быстрого начала, медленной середины и быстрого окончания. Одним из первых композиторов, использовавших симфонический формат, был сын И.С.Баха - Карл Филипп Эммануил Бах.
Вместе с новым составом оркестра появляется и струнный квартет, состоящий из двух скрипок, альта и виолончели. Работы создаются специально для струнного квартета со своим стандартом в четыре темпа, напоминающим о симфонии.
В эту же эпоху было создано пианино или фортепиано (правильное название). Это позволило музыкантам-клавишникам исполнять музыку в различных вариациях, как мягко (piano), так и более громко (forte), в зависимости от используемых клавиш.
Наиболее важными из сольных произведений классического периода были сонаты, они создавались для любого сольного инструмента, но в первую очередь для игры на фортепиано. Как и симфонии, сонаты стали способом объединения множества различных типов инструментальной музыки в один тип.
Самыми яркими композиторами классицизма были великие австрийцы - Йозеф Гайдн и Вольфганг Амадей Моцарт. Гайдн создал фантастическую хоровую, оперную, оркестровую и инструментальную музыку, но самое большое его достижение именно симфонии, которых он написал более ста.
Моцарт - гениальнейший композитор всех времен и народов. Прожив короткую жизнь, он оставил невероятное музыкальное наследие (например, 41 симфонию). Самым большим его достижением считаются оперы, в них он показал себя и как великий музыкант и как талантливый драматург, некоторые из его самых прекрасных опер - "Дон Жуан", "Женитьба Фигаро", "Волшебная флейта".
В конце восемнадцатого столетия восходит еще одна звезда классической музыки - Людвиг Ван Бетховен, композитор, который начал сочинять музыку в классическом стиле, унаследованном от Моцарта и Гайдна, но в конечном счете перерос это и буквально расколол классический стиль, отмечая зарю новой эпохи, известной как Романтический период в музыке.
Классическая эпоха была временем, когда композиторы вводили ощущение элегантности в музыку. Эта ясная и чистая музыка, несущая покой и расслабление, на самом деле намного глубже и в ней можно обнаружить драматическое ядро, трогательные чувства и безграничный драйв.
Классицизм, как художественное направление, сложился во Франции в первой половине XVII века: возникший ещё в эпоху Возрождения интерес к античной культуре, породивший в различных видах искусства подражания античным образцам, в абсолютистской Франции превратился в нормативную эстетику, основанную на «Поэтике» Аристотеля и дополнившую её рядом специальных жёстких требований.
Отразив в своём искусстве отчасти серьёзный подъём абсолютной монархии, отчасти смену мировоззрения с религиозного на светское. В XVIII столетии начался новый виток развития общественного сознания – настала Эпоха Просвещения. На смену пышности и высокопарности барокко, непосредственного предшественника классицизма, пришёл стиль, основанный на простоте и естественности
Эстетика классицизма основывалась на убеждении в разумности и гармоничности мироустройства, что проявилось во внимании к сбалансированности частей произведения, тщательной отделке деталей, разработке основных канонов музыкальной формы. Именно в этот период окончательно сформировалась сонатная форма, основанная на разработке и противопоставлении двух контрастных тем, определился классический состав частей сонаты и симфонии
Опера в эпоху классицизма
Несмотря на то что в современном представлении музыкальный классицизм ассоциируется с инструментальной музыкой, инструментальными жанрами - сонатами, симфониям, квартетами Гайдна, Моцарта и Бетховена, обзор этого исторического периода важно начать именно с оперы, поскольку инструментальную музыку классицизма просто нельзя понять вне контекста классицистской оперы. Сюжеты, персонажи, типы драматических коллизий определяют содержание и образную логику инструментальных сочинений.
Вторая половина XVIII в. - время реформаторских процессов, можно сказать, революционных изменений в опере. Они связаны в первую очередь с именами К.-В. Глюка и В.-А. Моцарта. Первый создал из концертного представления, которым была опера seria, настоящую музыкальную драму, второй сделал комедию с ходульными поворотами сюжета динамичным спектаклем с психологически разнообразными живыми персонажами.
Кристоф Виллибальд Глюк (1714-1787) - австрийский композитор, детство и юность которого прошли в Чехии, затем он переехал в Милан, где был руководителем капеллы итальянского аристократа А. Мельци. В Италии Глюк, естественно, учится мастерству оперного композитора, ив 1741 г. в придворном театре Милана состоялась премьера его первой оперы "Артаксеркс", с успеха которой начинается его "итальянская" слава оперного композитора. После Милана несколько городов - Реджио, Болонья, Кремона, Вененция, Турин - ставят его новые сочинения в традиционном жанре оперы seria с пышной декоративной вокалистикой. В 1748 г. Глюк завоевывает Вену - его "Узнанная Семирамида" с постановочным блеском, типичным для придворного театра, становится началом подлинного триумфа композитора в главной музыкальной столице XVIII столетия. Итальянские театры по-прежнему заказывают оперы венскому оперному маэстро; в 1752 г. он пишет для знаменитого театра Неаполя "Сан-Карло" оперу "Милосердие Тита", прошедшую с огромным успехом, а за оперу "Антигона" в Риме Глюка награждают древним орденом "Золотой шпоры". Возглавив музыкальные "академии" во дворце австрийского принца, Глюк превращает эти концерты в одно из выдающихся событий музыкальной жизни Вены.
Вместе с тем врожденный инстинкт драматурга и ощущение неудовлетворенности оперой-sena с ее культом певцов-виртуозов влекут композитора в сторону музыкальной драмы, к античному образцу. И на рубеже 1760-х гг. Глюк вступает на путь реформ: не технически изощренная колоратура, а драматическое действие с острыми коллизиями, выраженными музыкой. Премьера в Вене в 1762 г. оперы "Орфей и Эвридика" становится манифестом нового театра, а созданная позднее новая редакция для постановки в парижской опере (1774) порождает острые дебаты, приведшие к "войне глюкистов и пичинистов", т.е. сторонников глюковских реформ и защитников стандарта оперы-seria1. Во второй редакции партия Орфея, написанная для кастрата, передана тенору.
В основе сюжета оперы - древнегреческий миф о поэте-певце Орфее, силой чувства и своего мастерства разжалобившего фурий подземного царства, в которое попадает его умершая жена Эвридика. Глюк осуществляет здесь совершенно новые принципы композиции. Речитативы становятся важными монологами, в которых главное - передать музыкой выразительный смысл слов. Это же требование в ариях ведет к существенному упрощению вокальной техники - они пленяют красотой и естественностью мелодики. Персонажи из статичных фигур превращаются в актеров, вступающих в активные действия, конфликтные отношения. Этой же необходимости - быть актерски убедительным - подчиняется и хор. Оркестр точно выражает смысл происходящего на сцене, "комментируя" чувства героев и события. Динамичность действия приводит к преодолению так называемой "номерной" структуры оперы - арии, речитативы и хоры последовательно переходят друг в друга, подчиняясь логике сцены. Ария Орфея "Потерял я Эвридику" необычайно выразительна для современного слушателя, сохраняют свою неувядаемую красоту и скорбные хоры I действия. Кульминацией драмы является знаменитая сцена с фуриями из II действия, где музыка ярко воплощает зловещие возгласы хора и жалобы Орфея. Замечательный инструментальный фрагмент из этого акта - печальная мелодия для флейты - сегодня знаменит как выразительная пьеса, украшающая концертные программы флейтистов.
Следующей реформаторской оперой Глюка становится "Альцеста" по драме Еврипида (либретто Кальцабиджи), более театрально статичная, но также подчиненная выразительности слова. После переезда в 1774 г. в Париж, где он пробыл пять лет, Глюк окончательно довершает свою реформу под влиянием французской театральной культуры, создав три знаменитые оперы "Ифигения в Авлиде" по драме Расина, "Ифигения в Тавриде" (по трагедии де ла Туша) и "Армида" (на сюжет поэмы Т. Тассо). Сильные страсти, конфликт между высшими силами, властью и человеком, выраженные яркими средствами музыки, придавали античным сюжетам пафос, близкий и понятный современникам.
Парижские оперы Глюка были очень высоко оценены современниками, но их последующая жизнь оказалась менее долговечной, чем у "Орфея", ставшего вообще излюбленным сюжетом для нескольких последующих поколений. Попытки создать новые редакции не увенчались успехом.
Оперная реформа Глюка имела большое влияние на последующее развитие жанра, хотя это было не непосредственным влиянием, а влиянием по сути. Особенно значительное воздействие надо отметить на оперное творчество "директора" музыки венского двора Антонио Сальери (1750-1825) и композиторов эпохи французской революции с их героическим пафосом. Инструментальное творчество Моцарта и Бетховена драматургической рельефностью формы и сквозным развитием, конечно, обязано завоеваниям Глюка. Но его античная тематика на каком-то этапе стала восприниматься достаточно отвлеченной, патетика страстей чересчур возвышенной, что позволило во второй половине века одержать победу новому жанру оперы.
Классическим образцом этого нового типа комической оперы является "Служанка-госпожа" Джованни Баттиста Перголези, композитора, прожившего всего 26 лет, но прославившего в очередной раз неаполитанскую оперную школу. Написанная в 1733 г. "Служанка-госпожа" взбудоражила в 1752 г. Париж, в котором выдержала около 190 представлений, и прочно завоевала Европу. Это одна из немногочисленных опер классицизма, активно сохраняющихся в репертуаре современных музыкальных театров.
Популярность опере- sena обеспечивала бытовая современная тематика, решительно противостоящая мифологической опережена, а также национальная музыкальная основа. В опере- sena складывались свои шаблоны, идущие от народной комедии масок (йеП'аге) - сюжетные линии, типажи, сценические приемы.
Эстафету Перголези в последней трети столетия подхватил знаменитый неаполитанец Доменико Чимароза (1749- 1801). Он написал более 70 опер, которые с успехом ставились во многих крупных городах Италии - Риме, Венеции, Милане, Флоренции. В конце 1780-х гг. Чимароза более трех лет провел в России, руководя придворным оперным театром. В 1792 г. в Вене, будучи капельмейстером при дворе императора Леопольда II, Чимароза создает свое лучшее творение - оперу "Тайный брак". Ее постановка пошла с ошеломляющим успехом - наверное, единственный случай в истории, когда весь спектакль был повторен на бис. В родном Неаполе, куда композитор вернулся в 1793 г., "Тайный брак" выдержал более 100 постановок, что было неслыханно даже для этой страны меломанов. И сегодня эта опера украшает сцены многих театров мира.
Нити оперы-buffa ведут непосредственно к Моцарту, который в "Свадьбе Фигаро" поднимает жанр на новую высоту лирико-психологической трактовкой и непревзойденным музыкальным мастерством.
Оперы Вольфганга Амадея Моцарта - самая значительная страница его огромного творческого наследия. За свою короткую жизнь (1756-1791) он создал более шести сотен произведений, среди которых 41 симфония, более 40 инструментальных концертов, но именно опера определяет его стиль.
Свои первые оперы Моцарт начинает писать в детстве: в 12 лет он создает комические оперы "Мнимая простушка", "Бастьен и Бастьена", а к 16 годам уже является автором успешно идущих в итальянских оперных театрах опер-seria "Митридат" и "Лючио Силла". Постановки в Мюнхене "Мнимой садовницы" (1775) и "Идоменея" (1781) принесли юному композитору настоящий большой успех. Однако служба у Зальцбургского архиепископа Иеронимо Колоредо мешает Моцарту осуществить по-настоящему оперную карьеру, и он, скандально порывая со своим "хозяином", переезжает в Вену.
Все свои оперные шедевры Моцарт создает в последнее десятилетие жизни: "Похищение из Сералая" (1782), "Свадьба Фигаро" (1786), "Дон Жуан" (1787), "Cosi fan tutte" (1790), "Волшебная флейта" (1791). Ни одна из этих опер не может быть определена регламентным жанром - seria, buffa или Singspiel; во всех проявляется безудержная фантазия, выразительность музыкального воплощения разнообразных чувств героев, ломающая стереотипы. Психологическая достоверность музыкальных характеристик была настолько ошеломляющей, что современники далеко не всегда могли оценить новаторство Моцарта и принимали его премьеры достаточно прохладно.
Самая знаменитая, самая, наверное, распространенная в современном репертуаре и широко известная массовому слушателю опера Моцарта "Свадьба Фигаро" - своеобразный "бренд" композитора. Она лишь формально может быть отнесена к жанру buffa с его бесстыдными лакеями и всяческими плутами и жуликами. Либреттисту Моцарта Лоренцо да Понте пришлось добиваться разрешения императора на постановку и сокращать социально критически звучащие сцены запрещенного в Австрии творения Бомарше. Но и того обстоятельства, что героем представления становится ловкий и хитроумный слуга, а не вельможа, хватило для того, чтобы премьера в мае 1786 г. была принята в Вене весьма прохладно. Только после горячего приема постановки в конце этого же года в Праге успех "Свадьбе Фигаро" на последующие столетия (!) был обеспечен.
Основное достоинство и новаторство этой оперы - в музыкальной обрисовке персонажей и комических коллизиях сюжета. Главный герой комедии - Фигаро - энергичный и остроумный, плутоватый и влюбленный, изящный и напористый. Его каватина из I действия "Если захочет барин попрыгать" - иронически галантное обращение к барину в жанре менуэта, а средний раздел - контрастное воплощение энергичного ловкача. Знаменитая ария "Мальчик резвый, кудрявый, влюбленный" из этого же действия, ставшая еще при жизни Моцарта шлягером, - необыкновенно выразительный героико-комический монолог.
Арии пажа Керубино представляют собою еще один образец любовной лирики классицизма с пылкостью и нежностью, выраженной в глубоких благородных тонах.
"Свадьба Фигаро" впечатляет не только своими выразительными ариями; огромную роль здесь играют динамичные речитативные сцены и ансамбли. Самый выдающийся ансамбль - финал второго акта, состоящий из чередующихся сцен Графа и Графини, затем терцета с Сюзанной, потом динамичными сценами с Фигаро и, наконец, большим ансамблем всех участников сцены.
Менее популярна подлинная опера-buffa "Cosi fan tutte", действие которой практически состоит из ансамблей. Некоторые исследователи считают несовершенным ее либретто, однако эта нехитрая история переделывалась и переименовывалась бессчетное количество раз: "Женщины, подобные этой", "Услуга за услугу", "Кто выиграл пари"; в Германии ее ставили не только как "Месть девушек", но и под названием "Партизаны". В Дании был поставлен "Побег из монастыря", во Франции - "Бесплодные усилия любви" (приспособленные под текст Шекспира) и даже "Китайский чернорабочий".
Многие поклонники опер Моцарта сегодня убеждены, что музыка его пережила драматургические источники и либретто, а потому требует новых сюжетов, новых героев и новых концепций. Например, постановщик "Свадьбы Фигаро" в Зальцбурге в юбилейный год Моцарта режиссер Клаус Гут заставил Сюзанну (Анна Нетребко) действительно быть влюбленной и в Фигаро, и в Графа. Сам он высказывался так: "В этот "безумный день" все, кажется, обошлось благополучно, но это не значит, что завтра роман Графа и служанки не станет реальностью..."
Множество самых фантастических постановок выдержала в наши дни "Волшебная флейта" - назидательная и вместе с тем полная чудес сказка. Она написана в традиционном австрийском жанре зингшпиля, т.е. с разговорными диалогами. Настоящими хитами являются две ее арии - Царицы Ночи и птицелова Папагено.
ЭСТЕТИЧЕСКИЕ УСТАНОВКИ КЛАССИЦИЗМА
В основу искусства классицизма положен культ разума – рационализм, стройность и логичность. Название «классицизм» по происхождению связывают со словом из латинского языка – classicus, что означает – «образцовый». Идеальным образцом для художников этого направления являлась античная эстетика с её стройной логикой и гармонией. В классицизме разум преобладает над чувствами, индивидуализм не приветствуется, а в любом явлении первостепенную важность обретают общие, типологические черты. Каждое произведение искусства должно строиться по строгим канонам. Требованием эпохи классицизма становится уравновешенность пропорций, исключающая всё лишнее, второстепенное. Классицизму присуще строгое деление на «высокие» и «низкие» жанры. «Высокие» сочинения – это произведения, обращающиеся к античным и религиозным сюжетам, написанные торжественным языком, (трагедия, гимн, ода). А «низкие» жанры – те произведения, которые изложены на просторечном языке и отражают народный быт (басня, комедия). Смешивать жанры было недопустимо.