Искусство Западной европпы 17 века.
В XVII столетии человек уже понимает, что он не есть ни средоточие Вселенной, ни мера всех вещей, что он одновременно «венец всего сущего», «краса Вселенной» — но и «квинт-эссенция праха», говоря словами Гамлета.Разница в понимании места, роли и возможностей человека и отличает прежде всего искусство XVII столетия от Ренессанса. Сложность и противоречивость эпохи интенсивного образования абсолютистских национальных государств в Европе определили характер новой культуры, которую принято в истории искусства связывать со стилем барокко, но которая не исчерпывается только этим стилем. XVII столетие — это не только искусство барокко, но и классицизм, и реализм.Мировоззрение XVII столетия пронизано ощущением трагического противоречия человека и мира, в котором он занимает совсем не главное место, а растворен в его многообразии, подчинен среде, обществу, государству. Наука и искусство, углубившись, уже не идут рука об руку; никогда не объединяются в одном лице.
Отражая сложную атмосферу времени, барокко соединило в себе, казалось бы, несоединимые элементы. Черты мистики, фантастичности, иррациональности, повышенной экспрессии удивительно уживаются в нем с трезвостью и приземленностью, с истинно бюргерской деловитостью.
Величавость, сдержанность, статичность искусства Ренессанса сменяются любовью к динамике
Для барокко характерна живописная иллюзорность, желание обмануть глаз, выйти (например, в плафоне) из пространства изображенного в пространство реальное.
Барокко в живописи предпочитает линии живописное пятно, массу, светотеневые контрасты, с помощью которых и лепится форма. Оно нарушает принципы деления пространства на планы, принципы прямой линейной перспективы для усиления глубинности, иллюзии ухода в бесконечность.
Натюрморт и пейзаж как самостоятельные жанры, равно как и жанр анималистический, дополняют картину развития изобразительных искусств этой эпохи.
Основные пути развития искусства XVII в. определяют ведущие национальные школы: итальянская, испанская, фламандская, голландская и французская,—хотя, несомненно, ими не исчерпывается все многообразие художественной жизни Западной Европы этого столетия.
37.Караваджо Микеланджело (1573–1610 Учился в Милане (1584-1588); работал в Риме (до 1606), Неаполе (1607 и 1609-1610), на островах Мальта и Сицилия (1608-1609).
Караваджо, не принадлежавший к определенной художественной школе, уже в ранних произведениях противопоставил индивидуальную выразительность модели, простые бытовые мотивы (“Маленький больной Вакх”, “Юноша с корзиной фруктов”.
Совершенно новую, интимно-психологическую интерпретацию получили у него традиционные религиозные темы (“Отдых на пути в Египет”, галерея Дориа-Памфили, Рим). Художник внес большой вклад в становление бытового жанра (“Гадалка”, Лувр, Париж и другие).
Зрелые произведения художника Караваджо - это монументальные полотна, обладающие исключительной драматической силой (“Призвание апостола Матфея” и “Мученичество апостола Матфея”. Живописная манера Караваджо в этот период основана на мощных контрастах света и тени, выразительной простоте жестов, энергичной лепке объемов, насыщенности колорита - приемах, создающих эмоциональное напряжение, острую аффектацию чувств.
В поздних произведениях Караваджо обращается к теме одиночества человека во враждебном ему мире, его привлекает образ небольшого содружества людей, объединенных родственной близостью и душевным теплом (“Погребение Святой Лючии”, 1608, церковь Санта-Лучия, Сиракузы). Свет в его картинах становится мягким и подвижным, колорит тяготеет к тональному единству, манера письма приобретает характер свободной импровизационности.
Караваджо обладал очень вспыльчивым, неуравновешенным и сложным характером. Караваджо, его имя стало постоянно появляться в протоколах римской полиции
После убийства художник бежал из Рима в Неаполь. Там он продолжал работать над крупными заказами; его искусство оказало решающее влияние на развитие неаполитанской школы живописи.
Суровый реализм Караваджо не был понят его современниками. Обращение к натуре, которую он сделал непосредственным объектом изображения в своих произведениях, и правдивость ее трактовки вызвали множество нападок на художника со стороны духовенства и официальных лиц. Тем не менее, в самой Италии нашлось много его последователей, получивших название караваджистов.
Через этап караваджизма прошли Питер Пауль Рубенс, Диего Веласкес, Рембрандт ван Рейн, Жорж де Латур. Воздействие отдельных приемов караваджизма ощутимо также в работах некоторых мастеров академизма (Гвидо Рени, Себастьяно Риччи в Италии и Вильям-Адольф Бугеро во Франции) и барокко (Карел Шкрет в Чехии и другие).
38.Творчество Лоренцо Бернини
Лоренцо Бернини, которого также называют "Микеланджело XVII столетия", признан наиболее знаменитым итальянским скульптором эпохи. Большую часть своих произведений он выполнил в Риме, включая памятники трем римским папам, во время правления которых он работал. В произведениях Бернини прослеживается несколько заметно отличающихся этапа, на каждом из которых он придерживался различных стилей
(1598 по 1680). Сын сухого флорентийского скульптора Пьетро Бернини в Неаполе, но развился в художника только в Риме, как ученик своего отца.
художественно самостоятельны, как выразительны и осмысленны уже его ранние бюсты на памятниках епископа Сантони в Санта Прасседе, Джакомо Монтойя в Санта Мария ди ,упоение красотой и какое внутреннее одушевление в его знаменитой, стремящейся осуществить наглядность живописи, группе "Аполлон и Дафна»
Бернини переживал расцвет бьющей через край мужественной силы. Его портретные бюсты достигают редкой высоты по своей физической и психической правде. Сильной чувственностью и душевной сухостью дышит мраморный бюст его бывшей возлюбленной Констанцы Буонарелли .особенно знаменит надгробный памятник Урбану VIII в церкви св. Петра
Из статуй святых Бернини того же времени прекрасная мраморная статуя св. Бибианы в ее же небольшой церкви в Риме (1625)
Из портретных бюстов Иннокентия X работы Бернини особенно выдается мраморный бюст в палаццо Дориа Памфили.
К лучшим произведениям этого мастера принадлежат его водоемы, много способствовавшие выработке новой физиономии города Рима в XVII столетии. Самые известные фонтаны Бернини этого времени красуются на площади Навона в Риме. Большой, увенчанный обелиском цирка Максенция средний водоем украсили его ученики по его рисункам четырьмя реалистическими.
39. Верса́ль — дворцово-парковый ансамбль во Франции , бывшая резиденция французских королей в городе Версаль, ныне являющемся пригородомПарижа.
Версаль сооружался под руководством Людовика XIV с 1661 года, и стал своеобразным памятником эпохи «короля-солнца», художественно-архитектурным выражением идеиабсолютизма. Ведущие архитекторы — Луи Лево и Жюль Ардуэн-Мансар, создатель парка —Андре Ленотр. Ансамбль Версаля, крупнейший в Европе, отличается уникальной целостностью замысла и гармонией архитектурных форм и преобразованного ландшафта. С конца XVII векаВерсаль служил образцом для парадных загородных резиденций европейских монархов и аристократии, однако прямых подражаний ему не имеется.
Охотничий замок
История Версальского дворца начинается в 1623 году с очень скромного охотничьего замка наподобие феодального, возведённого по желанию Людовика XIII из кирпича, камня и кровельного сланца на территории.Охотничий замок находился в том месте, где сейчас располагается мраморный двор. Его размеры были 24 на 6 метров. В 1632 году территория была расширена за счёт покупки Версальского поместья у архиепископа Парижского из родаГонди, и предпринята двухлетняя перестройка.
Людовик XIV
С 1661 года «король-солнце» Людовик XIV начал расширять дворец, чтобы использовать его как свою постоянную резиденцию, так как после Фрондского восстания . Архитекторы Андре Ленотр и Шарль Лебрен обновили и расширили дворец в стиле классицизма. Весь фасад дворца со стороны сада занимает большая галерея (Зеркальная галерея, Галерея Людовика XIV), которая своими картинами, зеркалами и колоннами производит потрясающее впечатление. Кроме неё заслуживают упоминания также Галерея битв, дворцовая часовня и Королевская опера.
Людовик XV
Существенным вкладом Людовика XV в развитие Версаля признаны Малые апартаменты Короля; Покои Мадам, Покои Дофина и его супруги на первом этаже Дворца; а также личные покои Людовика XV – малые аппартаменты Короля на втором этаже (позже перестроенные ваппартаменты Мадам Дюбарри) и малые аппартаменты Короля на третьем этаже – на втором и третьем этажах Дворца. Главным достижением Людовика XV в развитии Версаля стало завершение сооружения Зала Оперы и Дворца Малый Трианон (Verlet, 1985).единственным наследством Людовика XV в парках Версаля является завершение сооружения Бассейна Нептуна
Парк
Регулярный парк Версальского дворца — один из самых крупных и значимых в Европе. Он состоит из множества террас, которые понижаются по мере удаления от дворца. Клумбы, газоны, оранжерея, бассейны, фонтаны, а также многочисленные скульптуры представляют собой продолжение дворцовой архитектуры. В версальском парке также расположены несколько небольших дворцеобразных сооружений, например, Малый Трианон, Большой Трианон и т.д.
40. Никола Пуссе́н (1594, Ле-Андели, Нормандия — 19 ноября 1665, Рим) —французский художник, стоявший у истоков живописи классицизма. Долгое время жил и работал в Риме. Практически все его картины — на историко-мифологические сюжеты. Мастер чеканной, ритмичной композиции
Родился в Нормандии, первоначальное художественное образование получил на своей родине, а потом учился в Париже, под руководством Кентена Варена и Ж. Лаллемана. В 1624 г., будучи уже довольно известным художником, Пуссен отправился в Италию и близко сошёлся в Риме с поэтом Марино, внушившим ему любовь к изучению итальянских поэтов, произведения которых дали Пуссену обильный материал для его композиций. После смерти Марино, Пуссен оказался в Риме безо всякой поддержки. Обстоятельства его улучшились лишь после того, как он нашёл себе покровителей в лице кардинала Франческо Барберини и кавалера Кассиано дель-Поццо, для которого были написаны им «Семь таинств». Благодаря серии этих превосходных картин, Пуссен в 1639 г. был приглашён кардиналом Ришельё в Париж, для украшения Луврской галереи.
Людовик XIII возвёл его в звание своего первого живописца. Пуссен был особенно силен в пейзаже. Пейзажи Пуссена проникнуты серьёзным, меланхолическим настроением. Как исторический живописец, Пуссен обладал глубоким знанием рисунка и даром композиции. В рисунке он отличается строгой выдержанностью стиля и правильностью.
41. Рубенс Питер Пауль (1577-1640) фламандский живописец.
С 1589 жил в Антверпене, где получил всестороннее гуманитарное образование. Рано посвятив себя живописи, учился (с 1591) у Т. Верхахта, А. ван Норта, О. Вениуса (ван Вена).
Вернувшись в Антверпен, Рубенс занял место главного придворного живописца правительницы Фландрии Созданные им в начале 1610-х гг. монументальные религиозные композиции ("Водружение Креста", около 1610-1611, "Снятие со Креста", около 1611-1614, - обе в соборе Богматери, Антверпен) отмечены характерными для живописи барокко театральностью композиции, драматизмом, бурным движением, яркими цветовыми контрастами; вместе с тем в них уже угадываются черты полнокровного, жизнеутверждающего реализма, полностью раскрывшегося в последующем творчестве художника.
В 1612-1620 складывается зрелый стиль Рубенса. Обращаясь к темам, почерпнутым из Библии и античной мифологии, он трактовал их с исключительной смелостью и свободой.
Со страстным языческим жизнелюбием Рубенс воссоздаёт полнокровную красоту обнажённого человеческого тела, воспевает чувственную радость земного бытия ("Союз Земли и Воды", "Похищение дочерей Левкиппа).
К концу 1610-х гг. Рубенс получил широкое признание и известность. Обширная мастерская художника, в которой работали такие крупные живописцы, как А. ван Дейк, Я. Йорданс, Ф. Снейдерс, выполняла по заказам европейской аристократии многочисленные монументально-декоративные композиции, в том числе цикл картин для Люксембургского дворца в Париже "История Марии Медичи" для французского королевского двора, в котором Рубенс мифологические и аллегорические фигуры совместил с реальными историческими персонажами.
С исключительным мастерством и чувственной убедительностью воссоздавал Рубенс физический облик и особенности характера модели в парадных портретах этого периода (портрет Марии Медичи, около 1622-1625)
Около 1611-1618 Рубенс выступил и в качестве архитектора, построив отмеченный барочной пышностью собственный дом в Антверпене. Существенное место в творчестве Рубенса занял пейзаж"Возчики камней", "Пейзаж с радугой".
В 1626, потеряв свою первую жену Изабеллу Брант.
В 1630-е гг. начался новый период творчества художника. Он подолгу работал в приобретённом им замке Стен в Элевейте, где писал поэтически одухотворённые портреты своей второй жены, Елены Фаурмент ("Шубка",), иногда в образе мифологических и библейских персонажей ("Вирсавия"), сцены деревенских празднеств ("Кермесса").Богатство декоративной фантазии, исключительная свобода и тонкость живописи присущи циклу проектов триумфальных арок, выполненному Рубенсом по случаю въезда в Антверпен нового правителя Фландрии инфанта Фердинанда.
В "стеновский" период живопись Рубенса становится более интимной и задушевной, колорит его картин утрачивает многоцветность и строится на богатстве красочных оттенков, выдержанных в горячей, эмоционально насыщенной красно-коричневой гамме. Виртуозностью живописи, строгостью и лаконизмом художественных средств отмечены поздние работы художника - "Елена Фаурмент с детьми" "Три грации" "Вакх».
Тонкой наблюдательностью, лаконизмом, мягкостью и лёгкостью штриха отличаются многочисленные рисунки Рубенса. Исполненное страстного жизнелюбия, многогранное и виртуозное по мастерству творчество Рубенса оказало огромное воздействие на фламандских живописцев, на множество художников.
42.Ре́мбрандт Ха́рменс ван Рейн (1606—1669) — нидерландский художник, рисовальщик и гравёр, великий мастер светотени, крупнейший представитель золотого века голландской живописи.
Творчество гениального Рембрандта одна из вершин мировой живописи. Колорит картин Рембрандта зрелого и позднего периода, построенный на сочетании теплых сближенных тонов, переливающихся тончайшими оттенками, свет, трепещущий и концентрированный, как будто излучаемый самими предметами, способствуют необычайной эмоциональности его произведений. Рембрандт писал картины исторические, библейские, мифологические и бытовые, портреты и пейзажи. Но в какой бы технике Рембрандт ни работал, в центре его внимания всегда стоял человек, с его внутренним миром, его переживаниями. Своих героев Рембрандт часто находил среди представителей голландской бедноты, в них раскрывал лучшие черты характеров, неисчерпаемое духовное богатство
Рембрандт родился в Лейдене, в семье владельца мельницы. Его учителями были Сванненбурх, а затем Ластман. С 1625 г. Рембрандт начал работать самостоятельно. Вскоре молодой Рембрандт нашел свой путь, ярко обозначившийся в портретах, сделанных главным образом с самого себя и своих близких. Уже в этих произведениях светотень стала для него одним из основных средств художественной выразительности. Он изучал различные проявления характеров, выражения лиц, мимику, индивидуальные черты.
В 1632 году Рембрандт переехал в Амстердам и сразу же завоевал известность картиной «Урок анатомии доктора Тульпа» (1632, Гаага, Маурицхейс). По существу, это большой групповой портрет врачей, окруживших доктора Тульпа и внимательно слушавших его объяснения на анатомированном трупе.
Успех первой картины принес художнику множество заказов, а с ними и благосостояние, которое увеличилось с его женитьбой на патрицианке Саскии ван Эйленбурх. Одну за другой пишет Рембрандт большие религиозные композиции, подобные полному динамики и патетики «Жертвоприношение Авраама.Рембрандт часто изображает Саскию и самого себя, молодого, счастливого, полного сил. Таковы «Портрет Саскии» «Автопортрет» «Автопортрет с Саскией на коленях.
Необычайно жизненное и убедительное решение приобрела мифологическая тема в картине «Даная» (1636).
С углублением реалистического мастерства художника нарастали его разногласия с окружающей буржуазно-патрицианской средой. В 1642 году по заказу роты стрелков он написал большую картину (3,87 Х 5,02 м), в связи с потемнением от времени красок получившую позже название «Ночной дозор» (Амстердам, Рейксмузеум). Вместо традиционной пирушки с портретами ее участников, где каждый запечатлен со всею тщательностью индивидуальной характеристики, как это делалось ранее, художник изобразил выступление стрелков в поход. Подняв знамя, во главе с капитаном идут они под звуки барабана по широкому мосту у здания гильдии. групповой портрет приобретает характер своеобразной исторической картины, в которой художник стремится дать оценку современности.
На протяжении 1640-х годов расхождения художника с буржуазным обществом нарастают. Этому способствуют тяжелые события в его личной жизни, смерть Саскии. Но именно в это время в творчестве Рембрандта наступает пора зрелости. На смену эффектным драматическим сценам ранних его картин приходит поэтизация повседневного бытия: преобладающими становятся сюжеты лирического плана, такие, как «Прощание Давида с Ионафаном» (1642), «Святое семейство» (1645, обе картины — Санкт-Петербург, Эрмитаж).
Огромное место в поздний период занимают простые но композиции, чаще всего поколенные портреты родных и близких, в которых художник сосредоточивает внимание на раскрытии душевного мира портретируемых. Часто моделью служит его сын Титус, болезненный, хрупкий юноша с нежным одухотворенным лицом. В портрете с книгой. К числу самых проникновенных относятся портрет Брейнинга (1652, Кассель, Галерея), молодого златокудрого человека с подвижным лицом.
В это же время был написан портрет старушки, жены брата (1654, Санкт-Петербург, Эрмитаж), портрет-биография, который говорит о трудно прожитой жизни, о суровых днях, оставивших свои красноречивые следы на морщинистом лице и натруженных руках этой много видевшей и пережившей женщины.
Последнее десятилетие — самая трагическая пора жизни Рембрандта; объявленный несостоятельным должником, он поселяется в беднейшем квартале Амстердама, теряет своих лучших друзей и близких. Самые глубокие и прекрасные произведения им были написаны именно в это время. Групповой портрет «Синдики»
К позднему периоду относится и ряд больших по размеру тематических полотен мастера: «Заговор Юлия Цивилиса» Влияние искусства Рембрандта было громадным. Оно сказалось на творчестве не только его непосредственных учеников, но и на искусстве каждого более или менее значительного голландского художника. Глубочайшее воздействие оказало искусство Рембрандта на развитие всего мирового реалистического искусства впоследствии.
43. Дие́го Родри́гес де Си́льва-и-Вела́скес (6 июня1599, Севилья — 6 августа 1660, Мадрид) — испанский художник, величайший представительзолотого века испанской живописи.
Веласкес родился 6 июня 1599 года в Севилье, Испания. Учился живописи в родном городе у Франсиско Эрреры Старшего и у Франсиско Пачеко, на дочери которого, Хуане Миранде, он женился в 1618 году.
Назначение придворным живописцем
Молодой художник приобрёл в Севилье уже достаточно хорошую репутацию. Его учитель Пачеко.
Впав в уныние, Веласкес вернулся в Севилью. Но не успел он пробыть дома и двух месяцев (1623), как его догнало письмо от севильянца, служившего королевским капелланом. Он писал ему, что придворный живописец Родриго де Вильяндрандо умер, и место стало вакантно. Веласкес стремительно отправился ко двору, остановился в доме своего друга капеллана и написал его портрет. Другой севильянец, камердинер кардинала-инфанта Фердинанда (королевского брата), отнёс его во дворец и показал хозяину. Кардинал-инфант пришёл в восторг и сразу заказал Веласкесу свой портрет. К тому времени изображение каноника уже увидел и сам корольФилипп IV. Ему понравилось настолько, что он приказал брату — кардиналу-инфанту, уступить очередь позирования. Так Веласкес наконец получил возможность показать себя.
Картина произвела фурор («Портрет Филиппа IV с прошением», 1623, не сохранилась). Веласкесу выплатили гонорар, затем назначили ренту, а также приняли на должность придворного художника.
Севильский период
Ранние полотна севильского периода в основном были созданы в жанре бодегонов (исп. bodegon — трактир). В основном это были натюрморты, кухонные сцены, трактирные зарисовки. («Завтрак», около 1617—1618; «Старая кухарка», около 1620; «Завтрак двух юношей», «Водонос», около1621). В похожем стиле написаны и несколько религиозных картин этого же периода — «Поклонение пастырей», «Поклонение волхвов» (1619); «Христос в доме Марфы и Марии» (около 1620).
В мадридский период мастерство художника совершенствуется. Он обращается к редким для испанской живописи античным сюжетам («Триумф Вакха, или Пьяницы», 1628—1629, «Кузница Вулкана», 1630), а также историческим — «Сдача Бреды» (1634).
Портреты, созданные Веласкесом в 1630—1640 годах, принесли ему заслуженную славу мастера этого жанра. Хотя в портретах Веласкеса обычно отсутствуют жесты и движение, они необычайно реалистичны и естественны. Фон подобран так, чтобы максимально оттенять фигуру, цветовая гамма строгая, но оживляется тщательно подобранными сочетаниями цветов.
Наиболее известны портреты дона Хуана Матеоса (1632), генерала Оливареса (1633), конный портрет короля Филиппа III (1635), папы Иннокентия X (1648), а также серия портретов карликов и шутов (Los truhanes).
Портретам позднего периода творчества Веласкеса в большой степени свойственен артистизм и психологическая завершённость (инфанта Мария Тереза, 1651; Филипп IV, 1655—1656; инфанта Маргарита Австрийская, около 1660).
Непосредственным продолжателем и наследником его должности при дворе оказался его ученик и муж его дочери Франсиски — Хуан Батиста дель Масо .Но он не обладал талантом своего предшественника
Позже к наследию Веласкеса обратились уже романтики и импрессионисты.
44.Франси́ско де Сурбара́н (7 ноября 1598, Фуэнте де Кантос,Эстремадура — 27 августа 1664, Мадрид) — испанский художник, представитель севильской школы живописи.
Сурбаран родился в городке Фуэнте де Кантос (провинция Эстремадура). Учился в Севилье, в школе Хуана де Роэласа.
В 1622 году он уже был известным мастером, получал заказы для храмов и монастырей. В1626—1627 годах по контракту с орденом доминиканцев он пишет 21 картину на религиозные сюжеты, в том числе знаменитую картину «Христос на кресте». Сурбаран пишет цикл картин о святом Педро Ноласко и цикл картин о жизни св. Бонавентуры.
В 1631 году Сурбаран создаёт одно из лучших своих творений — картину «Апофеоз св. Фомы Аквинского», которая была признана шедевром ещё современниками живописца.
Художник совершил путешествие в Мадрид, где получил титул придворного живописца. В Мадриде при работе над украшением недавно построенного дворца Буэн-Ретиромастер отошёл от религиозной тематики — им был написан цикл из десяти полотен, изображающих подвиги Геркулеса (ныне в музее Прадо), а также историко-монументальное полотно «Оборона Кадиса».
После возвращения в Севилью он написал прекрасную серию картин для монастыря в Хересе — наиболее известны «Благовещение», «Рождество» и «Поклонение волхвов».
В поздний период творчества Сурбаран обращается к лирическим образам Христа и Богоматери в детстве — «Мадонна с младенцем», «Отрочество Мадонны».
В самом начале своей деятельности поставив себе за правило писать не иначе, как с натуры, Сурбаран не отступал от этого правила в течение всей своей жизни.В колорите и светотени Сурбаран подражал Микеланджело да Караваджо
В период творческого расцвета Сурбаран удачно сочетал монументальность и суровость образов (главным образом святых), с их внутренней выразительностью).
Хосе или Хусепе де Рибера (1591—1652) — испанский караваджист эпохи барокко, живший и работавший в испанском Неаполе. Помимо живописных работ, оставил большой объём графики. Наиболее значительный испанский гравёр,учился в мастерскойФрансиско Рибальты.
Все сохранившиеся работы художника датируются неаполитанским периодом В 1626 г. он был избран членом римскойакадемии Св. Луки.
Ранние картины Риберы находятся в русле традиции тенебризма и, подобно работам его наставника Рибальты, выполнены под сильным влиянием Караваджо. Как и в случае с Караваджо, стилевая манера Риберы строится на контрастах света и тени. В драматических сценах мученичества он выявлял победу духа и воли над телесной немощью и страданием.
Натуралистичность полотен Риберы сделала его героем жутких легенд и сплетен. Многие годы он делал зарисовки во время допросов в тюрьмах, наблюдая, как ведут себя люди под пытками. В творческом наследии Риберы преобладают мифологические и религиозные темы. Его влекли античная история, события Ветхого и Нового Заветов, сцены из жизни святых.
45.Отличительной чертой развития голландского искусства было значительное преобладание всех его видов живописи. Профессия художника не являлась редкостной, живописцев было очень много, и они жестоко конкурировали между собой.
Бурное развитие голландской живописи в 17 веке объяснялось не только спросом на картины тех, кто хотел украсить ими свое жилище, но и взглядом на них как на товар, как на средство наживы, источник спекуляции. Главным объектом изображения для голландских художников была окружающая действительность, никогда ранее не находившая столь полного отображения в произведениях живописцев других национальных школ. Обращение к самым различным сторонам жизни приводило к укреплению реалистических тенденций в живописи, ведущее место в которой заняли бытовой жанр и портрет, пейзаж и натюрморт. Чем правдивее, глубже отражали художники открывающийся перед ними реальный мир, тем более значительными были их произведения.
В каждом жанре существовали свои ответвления. Так, например, среди пейзажистов были маринисты (изображавшие море), живописцы, предпочитавшие виды равнинных мест или лесные чащи, были мастера, специализировавшиеся на зимних пейзажах и на пейзажах с лунным светом.
Становление реалистической голландской живописи проходило в борьбе с итальянизирующим направлением и маньеризмом. На раннем этапе становления голландской живописи, охватывающем 1609—1640 годы, реалистические тенденции ярче проявлялись в портрете и бытовом жанре.
46.ВАТТО, ЖАН АНТУАН (1684–1721), французский живописец и рисовальщик. Родился в Валансьенне в 1684. В 1698–1701 Ватто учился у местного художника Жерена, по настоянию которого копировал произведения Рубенса, Ван Дейка и других фламандских живописцев. В 1702 Ватто уехал в Париж и вскоре нашел учителя и покровителя в лице Клода Жилло, 1708 поступил в мастерскую декоратора Клода Одрана.
Ватто был одним из самых известных и оригинальных французских художников 18 в., который на основе традиций фламандского и голландского искусства создал новый стиль – рококо. В зрелые годы Ватто изучал живопись Рубенса, в частности цикл его картин, посвященных Марии Медичи. В основе любимой темы Ватто – изображения галантных празднеств – лежит картина Рубенса Сады Любви.
Другой столь же важный источник творчества Ватто – рисунки венецианских мастеров из коллекции его друга и покровителя Пьера Кроза. Особенно сильное впечатление произвели на художника работы Тициана и Паоло Веронезе.
В стиле Ватто чувствуются все эти источники, однако в очень оригинальном сплаве. Однако сюжеты, наиболее полно отвечающие вкусу самого Ватто, – это образы персонажей итальянской комедии (Жиль, Лувр; Мецетен, Нью-Йорк, музей Метрополитен
Одна из самых знаменитых картин Ватто, выдающийся пример взаимопроникновения и перевоплощения театра и реальности, –Паломничество на остров Киферу . Сюжет картины заимствован из пьесы 18 в. и представлен как галантное празднество, происходящее в саду перед статуей Венеры.
Почти все картины Ватто небольшого размера. Это типичные образцы стиля рококо. Мечтательная красота и лиризм произведений Ватто остались неповторимыми в истории европейского искусства; его ученики и последователи Никола Ланкре и Жан Батист Патер изображали мир театра и сценки галантных празднеств гораздо более прозаично, чем их учитель.
«Праздник любви» (1717), как и другие картины Ватто, содержит в себе богатую гамму эмоциональных оттенков, которым вторит лирическое звучание пейзажного фона.
Ватто очень любил театральные сюжеты, хотя вряд ли точно воспроизводил эпизоды определенных спектаклей.картины:Бивак,савояр с сурком,праздник любви,общество в парке.
47.Жан Бати́ст Симео́н Шарде́н (1699—1779) — французский живописец, один из известнейших художников XVIII столетия и один из лучших колористов в истории живописи, прославившийся своими работами в области натюрморта и жанровой живописи.
В своём творчестве художник сознательно избегал торжественных и пасторально-мифологических сюжетов, свойственных искусству его времени. Основным предметом егонатюрмортов и жанровых сцен, целиком основанных на натурных наблюдениях и являвшихся по сути скрытыми портретами, была повседневная домашняя жизнь людей из так называемоготретьего сословия, переданная в спокойной, задушевной и правдивой манере. Шарден, чья деятельность как художника ознаменовала собой расцвет реализма в XVIII в., продолжил традиции голландских и фламандских мастеров натюрморта и бытового жанра XVII в., обогатив эту традицию и внеся в своё творчество оттенок изящества и естественности
Ученик П.-Ж. Каза и Ноэля Куапеля, Шарден родился и всю жизнь провёл в парижском квартале Сен-Жермен-де-Пре. В начале своей самостоятельной деятельности писал плоды, овощи, цветы,хозяйственные принадлежности, охотничьи атрибуты с таким мастерством, что любители искусства принимали его картины за работы знаменитых фламандских и голландских художников, и только с 1739 года расширил круг своих сюжетов сценами домашнего быта небогатых людей и портретами.
Для своих композиций Шарден выбирал самые обычные предметы — кухонный бак для воды, старые кастрюли, овощи, глиняный кувшин, и лишь изредка в его натюрмортах можно увидеть величественные атрибуты наук и искусств.
В совершенстве владея знанием цветовых отношений, Шарден тонко чувствовал взаимосвязь предметов и своеобразие их структуры.В цвете предмета Шарден видел множество оттенков и маленькими мазками передавал их. Из подобных оттенков соткан его белый цвет.
В 1730-х гг. Шарден обратился к жанровой живописи, к повседневным семейным и домашним сценам, полным любви и покоя, удивительной образной и колористической цельности («Молитва перед обедом», 1744).
Картина «Натюрморт с атрибутами искусств» ( 1766 г., Государственный Эрмитаж) выполнена по заказу Екатерины II для строившегося в Петербурге зданияАкадемии художеств
В 1728 г. он был сопричислен к парижской академии художеств, с 1765 г. он состоял членом руанской академии наук, словесности и изящных искусств.
В произведениях разных лет и разных жанров, таких, как «Прачка» (1737), «Банка с оливками» (1760) или «Атрибуты искусств» (1766), Шарден всегда остается превосходным рисовальщиком и колористом, художником «тихой жизни», поэтом повседневности.
48. СТИЛЬ РОКОКО
Длительная эпоха барокко завершается во второй половине XVIII столетия искусством стиля рококо. Название стиля произошло от французского слова «rocaile» ,что означает композиции из раковин и гротов, играющих большую роль в новом стиле. Стиль рококо, затрагивающий главным образом орнаментально-декоративный строй предметов украшения, мебели и интерьеров, ассоциируется, прежде всего, с причудливыми формами орнаментики, состоящей из раковин, ко.
Стиль рококо является стилем искусства двора и аристократии. Стиль очень ярко и последовательно проявился в оформлении интерьеров. Зеркала, позолота, буйно стелющиеся по стенам и потолкам лепные узоры деформируют пространственную структуру интерьеров.
Рококо (франц. rococo, от rocaille - мелкий дробленый камень, раковины) - европейский художественный стиль первой половины 18 века, возникший в рамках позднего барокко. Зародился во Франции, наибольшее распространение получил в период царствования Людовика XV, оказав влияние на искусство других стран.
Наиболее заметно стиль рококо проявился в архитектуре и декоративно-прикладном искусстве, преимущественно связан с убранством дворцовых интерьеров.
Отличительными чертами стиля рококо стали асимметрия, обильный декор, светлая цветовая палитра. В числе излюбленных орнаментальных мотивов рококо - стилизованные раковины, растительные завитки, головки амуров, псевдокитайские орнаменты и т. п. Рококо предпочитает дробные, мелкие формы.
В декоративно-прикладном искусстве рококо большое внимание уделялось специфике различных блестящих и бликующих материалов - бронзы, золота, шелка, бисера и т. д. Большое распространение получили изделия из фарфора (мелкая пластика, декоративные украшения и т. п.). В целом стиль рококо представляет камерное, интимное искусство, принимающее изящные и причудливые формы.
49. Жак Луи́ Дави́д (30 августа 1748, Париж — 29 декабря 1825,Брюссель) — французский художник, основоположник французского неоклассицизма.
Среди членов этих семей были архитекторы, подрядчики строительных работ, и в их среде поощрялась рано проявившаяся у Жака Луи страсть к рисованию. Они даже служили моделями для его ранних портретов. Стремясь получить хорошее профессиональное образование, в 1766 году Давид поступает учеником в Королевскую Академию живописи и скульптуры и начинает заниматься у одного из ведущих мастеров исторической живописи раннего неоклассицизма Жозефа Мари Вьена.
В 1775—1780 обучался во Французской академии в Риме, где изучал античное искусство и творчество мастеров эпохи Возрождения.
В мае 1782 года женился на Шарлотте Пекуль. Она родила ему четверых детей.
Живопись Давида отражает его восхищение античностью и преданность идеалам.Все личное должно быть принесено в жертву гражданскому долгу –эта идея выражена в картине Давида «Клятва Горациев» с предельной наглядностью и лаконизмом. Главные средства художественной выразительности при создании образов: ясный и лаконичный жест, строгий, подчеркнуто энергичный рисунок, четкая светотеневая моделировка – все это способствует удивительно цельному общему пластическому решению.
В годы, непосредственно предшествующие буржуазной революции, когда складывалось искусство революционного классицизма, Давид обратился к античности, история которой давала ему примеры героической борьбы народа. Но в период революции он увидел героическое и в современности («Смерть Марата»).
Велизарий, просящий милостыню (1780), Клятва Горациев (1784), Любовь Париса и Елены (1788), Смерть Марата (1793), Сабинянки, останавливающие битву между римлянами и сабинянами (1799)
50. Жан Огю́ст Домини́к Энгр (1780—1867) — французскийхудожник, общепризнанный лидер европейского академизма XIX века.
Родился Монтобане на юго-западе Франции. Учился в тулузской академии изящных искусств. По окончании академии переезжает в Париж, где в 1797 становится ученикомЖака-Луи Давида
В своём видении классицизма Энгр не разделял ни революционной тенденции своего учителяДавида, ни консерватизма Кановы; его идеал был противоположен романтическому идеалуДелакруа, что привело к упорной и резкой полемике с последним. Более всего Энгра интересовала форма, которая у него не сводилась к некому идеалу, но была связана со своеобразием предмета изображения.
Энгр вошёл в историю французской живописи прежде всего как великолепный портретист. В числе множества написанных им портретов особенно стоит отметить портреты поставщика императорской армии Филибера Ривьера, его жены и дочери Каролины, из которых более всего известенпоследний (все три – 1805
Также писал и большие программные полотна: "Триумф Гомера", "Передача ключей св. Петру", "Обет Людовика XIII"; однако, при всём мастерстве и упорстве, вложенном в эти работы, их содержание было в известном смысле оторвано от проблем и потребностей времени, что придавало им определённую эклектичность и холодность.
Широкую известность получили работы Энгра, воплотившие его понимание обнажённой женской натуры, такие, как т.н. "Одалиска Вальпинсона" (1808), "Большая одалиска" (1814), "Венера Анадиомена" (1848).
Энгр первым из художников свёл проблему искусства к своеобразию художественного видения. Вот почему, несмотря на классическую направленность, его живопись привлекла к себе пристальный интерес импрессионистов (Дега, Ренуара), Сезанна, постимпрессионистов, Пикассо.
51.Романтизм — явление европейской культуры в XVIII—XIX веках, представляющее собой реакцию на Просвещение и стимулированный им научно-технический прогресс.Распространилось на различные сферы деятельности человека. В XVIII веке романтическим называли всё странное, фантастическое, живописное и существующее в книгах, а не в действительности. В начале XIX века романтизм стал обозначением нового направления, противоположного классицизму и Просвещению.
Романтизм сменяет эпоху Просвещения и совпадает с промышленным переворотом, обозначенным появлением паровой машины, паровоза, парохода, фотографии то романтизм утверждает культ природы, чувств и естественного в человеке, призванные восстановить единство человека и природы. То есть романтисты хотели показать необычного человека в необычных обстоятельствах.Развитие романтизма в живописи протекало в острой полемике с приверженцами классицизма. Романтики укоряли своих предшественников в «холодной рассудительности» и отсутствии «движения жизни». Борьба против застывших классицистских норм длилась долго, почти полстолетия. Первым, кому удалось закрепить новое направление и «оправдать» романтизм, был Теодор Жерико.
52. Фердина́н Викто́р Эже́н Делакруа́ (1798—1863) — французский живописец и график, предводитель романтического направления в европейской живописи.
Эжен Делакруа родился в пригороде Парижа .годы учёбы в лицее Людовика Великого, где мальчик проявил большие способности в словесности и живописи и даже получал призы за рисунок и знание классической литературы.
Делакруа рано пришлось задуматься о своей дальнейшей судьбе. Его родители умерли, когда он был совсем юным: И он сделал выбор, поступив в мастерскую известного классициста Пьер, Нарсиса Герена (1774—1833). В 1816 году Делакруа стал учеником Школы изящных искусств, где преподавал Герен. Здесь царствовал академизм, и Эжен без устали писал гипсовые слепки и обнаженных натурщиков. Эти уроки помогли художнику в совершенстве освоить технику рисунка. Но настоящими университетами для Делакруа стали Лувр и общение с молодым живописцем Теодором Жерико.
Первой картиной Делакруа стала «Ладья Данте»[2] (1822), выставленная им в Салоне. Впрочем, особого шума (подобного хотя бы тому фурору, что произвел «Плот» Жерико), она не вызвала. Настоящий успех пришел к Делакруа через два года, когда в 1824 году он показал в Салоне свою «Резню на Хиосе», описывающую ужасы недавней войны Греции за независимость.
Далее работа, выставленная в Салоне, называлась «Смерть Сарданапала».
В июле 1830 Париж восстал против монархии Бурбонов. Делакруа симпатизировал восставшим, и это нашло отражение в его «Свободе, ведущей народ» (у нас это произведение известно также под названием «Свобода на баррикадах»). Выставленное в Салоне 1831года, полотно вызвало бурное одобрение публики.
В 1832 году художника включили в состав официальной дипломатической миссии, направленной с визитом в Марокко. Отправляясь в это путешествие, Делакруа и подумать не мог, насколько сильно повлияет поездка на все его дальнейшее творчество. В Марокко Делакруа сделал сотни набросков, а в дальнейшем впечатления, полученные в этом путешествии, служили ему неисчерпаемым источником вдохновения.
Первой монументальной работой такого рода стали росписи, выполненные в Бурбонском дворце (1833—1847). После этого Делакруа работал над украшением Люксембургского дворца (1840—1847) и росписью потолков в Лувре (1850—1851). Двенадцать лет он посвятил созданию фресок для церкви Сен-Сюльпис (1849—1861).
В 1850-е годы его признание стало неоспоримым. В 1851 году художника избрали в городской совет Парижа, в 1855-м наградили орденом Почетного легиона. В том же году была организована персональная выставка Делакруа — в рамках Всемирной парижской выставки. Сам художник немало огорчался, видя, что публика знает его по старым работам, и лишь они вызывают ее неизменный интерес. Последняя картина Делакруа, выставленная в Салоне 1859 года, и законченные в 1861 фрески для церкви Сен-Сюльпис остались практически незамеченными.
53. Жерико Теодор (1791–1824), французский живописец и график. Учился у Клода Верне (1808–1810) и Пьера Герена (1810–1813), испытал влияние Антуана Гро. Жерико посетил Италию (1816–1817), Великобританию (1820–1822), Бельгию (1820), работал в Париже. Сохранив присущее искусству классицизма тяготение к обобщенно-героизированным образам, Жерико первым во французской живописи выразил свойственное романтизму острое чувство конфликтности мира, стремление к воплощению драматических явлений современности и сильных страстей. Ранние произведения Жерико, отразившие героику наполеоновских войн (“Офицер конных егерей императорской гвардии, идущий в атаку”, 1812, “Раненый кирасир, покидающий поле боя”, 1814, – обе картины в Музее Лувра, Париж), выделяются эмоциональностью образов, динамичностью композиции и колорита, в котором преобладают темные, оживленные интенсивными цветовыми оттенками тона. После поездки в Италию в живописи Жерико усиливается обобщенная монументальность форм, композиция картин становится упорядоченной, колорит холстов почти монохромным (“Бег свободных лошадей в Риме”, 1817, Лувр, Париж). Одна из центральных в творчестве Жерико работ - картина “Плот «Медузы»” (1818–1819, Лувр, Париж) - написана на острозлободневный сюжет, в основе которого – трагедия оказавшихся в океане на плоту пассажиров погибшего фрегата «Медуза». Представление о художнике-романтике как о свободной, независимой, глубоко эмоциональной личности Жерико выразил в ряде портретов (“Портрет двадцатилетнего Делакруа”, 1819, Музей изящных искусств и керамики, Руан) и автопортретов. Истинный гуманизм Теодора Жерико воплощен в объективности серии портретов душевнобольных (около 1822–1823, Музеи изящных искусств, Лион, Гент и другие собрания). Жерико выступил как пионер литографии во Франции (серия “Большая и малая английские сюиты”, 1820–1821).Жерико был полон творческих планов, осуществить которые помешала ранняя смерть. Страстный любитель и знаток лошадей, с поразительным мастерством изображавший их в своих произведениях, Жерико разбился, упав с лошади, что послужило одной из главных причин его преждевременной смерти. Сильнее всех переживал кончину Жерико его друг — молодой Делакруа, который стал впоследствии на долгие годы главой прогрессивных романтиков.
54.Барбизонская школа (фр. École de Barbizon) — группа французских художников-пейзажистов. Имя школа получила по названию деревни Барбизон в лесу Фонтенбло, где длительное время жили Руссо,Милле и некоторые другие представители группы. Художники школы опирались на традиции, заложенные голландскими (Якоб ван Рейсдаль, Ян ван Гойен, Мейндерт Хоббема) и французскими (Никола Пуссен и Клод Лоррен) пейзажистами. Влияние на творчество барбизонцев оказывали также их современники, не принадлежавшие группе, — Коро, Курбе, Делакруа.
Начало девятнадцатого века во французском искусстве было отмечено борьбой классицизма и романтизма. В отношении пейзажа академики признавали его, в основном, как фон, на котором действуют мифологические персонажи. Барбизонцы выступали за реалистический пейзаж своей родины с обыденными мотивами с участием простых людей, занятых трудом. Значение барбизонцев заключается в создании реалистического пейзажа и подготовке наравне с Коро появления импрессионизма. Характерным приемом барбизонской школы, предвосхитившем импрессионизм, было создание этюда на пленэре с последующим окончательным завершением работы в ателье.
В 1833 году Руссо выставил в Салоне свое программное произведение «Окрестности Гранвиля» (Эрмитаж). Его высоко оценил Дюпре и с этого времени начинается их дружба, положившая начало формированию школы.
Руссо
Основателем и вдохновителем школы был Руссо (1812—1867). «Рынок в Нормандии», «Каштановая аллея», Руссо «Болото в Ландах» .Жорж Санд Руссо по совету своего друга критика Торе поселился вместе с ним в Барбизоне в крестьянском доме. Там он создал свои главные шедевры, и там постепенно собрался кружок его друзей. В 1848 году он получил государственный заказ и в 1850 закончил картину «Выход из леса Фонтенбло. Закат» (Лувр)
Дюпре
Наиболее близким по творческим установкам к Руссо был Жюль Дюпре (1811—1889). После знакомства с Руссо в его творчестве усилились реалистические тенденции, и Дюпре перестали принимать в Салон. Вместе с Руссо вплоть до 1849 года они часто работали вместе не только в Барбизоне, но и в различных местах Франции, сохраняя при этом каждый свою творческую индивидуальность «Вечер» «Ланды» «Старый дуб»
Диаз
Нарсис Вержиль Диаз де ла Пенья (1807—1876) пришел к реалистическому пейзажу не сразу и тесное знакомство его с Руссо относится ко второй половине его жизни. Сначала он увлекался романтизмом, его любимым художником былКорреджо, картины он создавал праздничные и декоративные. После того как он начал работать совместно с Руссо в лесу Фонтенбло, его стиль изменился. Им созданы пейзажи: «Лесная дорога» «Пейзаж с сосной»
Милле
Жан-Франсуа Милле (1814—1875) в противоположность остальным барбизонцам, вышел из деревенской среды, он был сыном крестьянина. В начале карьеры увлекался Микеланджело и Пуссеном, наряду с пейзажем занимался и другими жанрами. Первую картину на «крестьянский» сюжет Милле создал в 1848 году. в Барбизон, где подружился с Руссо и стал самым постоянным среди художников жителем Барбизона, где и умер. «Сеятель»«Собирательницы хвороста» «Собирательницы колосьев»
Добиньи
Шарль-Франсуа Добиньи (1817—1878) начал свое творчество с поездки в Италию. Затем писал сюжетные картины. К реалистическому пейзажу пришел в конце 40-х годов, когда подружился с Коро. В отличие от других барбизонцев Добиньи большое внимание уделял свету, в этом он оказался ближе к импрессионистам. Им созданы пейзажи «Жатва» «Запруда в долине Оптево» «Большая долина Оптево»
55.Оноре́ Викторе́н Домье́ (1808—1879) — французский художник-график, живописец и скульптор, крупнейший мастер политической карикатуры XIX века.
Семья художника переехала в Париж, когда он был еще ребенком. Он брал уроки рисования, изучал античную скульптуру в Лувре и работал в мастерской Эжена Будена.
В 1830 первые литографии Домье привлекли внимание Шарля Филипона, издателя либерального политического журнала «Карикатюр». Домье начал публиковать свои литографии в этом журнале под псевдонимом Рожлен. За одну из них, карикатуру на Луи-Филиппа, изображенного в виде Гаргантюа, автор на полгода попал в тюрьму. Когда в 1835 «Карикатюр» был запрещен, Филипон основал другой юмористический журнал – «Шаривари», и Домье постоянно публиковал в нем свои литографии в течение почти сорока лет. Он высмеивал недостатки и слабости мелкой буржуазии, атаковал врагов прогресса и обращался к политическим темам, если это допускала цензура. Около 4 тысяч литографий Домье выходили сериями: например, серия Древняя история(1841–1843) высмеивала ставший уже банальным классицизм в духе Давида.
Каждый месяц Домье выпускал около ста литографий, и у него оставалось очень мало времени для занятий живописью. В 1860–1864 он вовсе перестал заниматься литографией, но крайняя нужда вновь заставила его обратиться к этому занятию. В 1873 из-за почти полной потери зрения Домье лишился и этого средства к существованию. Домье умер в полной нищете в пригороде Парижа Вальмондуа 10 февраля 1879.
Количество поддельных картин Домье, возможно, даже превышает число выполненных им произведений. Неоконченная работа Вагон третьего класса .
56.Жан Дезире́ Гюста́в Курбе́ (10 июня 1819, Орнан — 31 декабря 1877, Ла Тур-де-Пей, Во, Швейцария) — французский живописец, пейзажист, жанрист и портретист. Считается одним из завершителей романтизма и основателей реализма в живописи.
Родился в семье состоятельного крестьянина. Учился в коллеже в Безансоне, в школе рисования у Флажуло, в Париже посещал ателье Сюиса. Испытал влияние живописи Веласкеса, Рембрандта, Халса
Ранние работы Курбе отражают романтическое мироощущение художника, отмеченное сентиментальной мечтательностью ("Автопортрет с черной собакой", 1844; "Влюбленные в деревне", 1844 "Раненый человек", 1844, Лувр, Париж; "Послеобеденный отдых в Орнане", 1849).
Несмотря на отсутствие в картинах ярко выраженной социальной направленности, тот факт, что художник обращается к окружающей его действительности, просто и естественно передает увиденное, говорит о зарождении реалистического метода в его живописи.
Роциальное содержание вкладывает художник в более позднюю свою работу - "Каменотесы" (1849-1850), в которой он со всей суровостью и откровенностью рисует правду жизни. Та же неприукрашенная действительность смотрит на нас и с других полотен Г.Курбе, написанных почти одновременно с "Каменотесами": "Похороны в Орнане" (1849, Лувр, Париж) и "Крестьяне, возвращающиеся с ярмарки" (в 1854 г. была переписана, находится в Токио).
Стремление Курбе к реалистической передаче материального мира должно было воплотиться в новом художественном методе. Таким методом для художника становится тональная живопись. Используя свет, он как бы лепит объемы изображаемых вещей и моделей. Чаще всего он берет темный холст, на который кладет сначала темные краски, постепенно переходит к более светлым и заканчивает наложением самого яркого блика
Его любимым мотивом становится изображение охоты. Картины, написанные в этот период, отмечены реальным ощущением пространства, правдивым воспроизведением реальных предметов и огромным интересом к проблеме передачи световоздушной среды.
Палитра художника заметно светлеет, краски становятся более насыщенными ("Косули у ручья", 1866, Лувр, Париж; "Загнанный олень (Аллали)".
В последнее десятилетие своей жизни Г.Курбе пишет прекрасные морские пейзажи, изображая то спокойную и безмятежную водную гладь ("Море у берегов Нормандии), ("Волна", 1870, Лувр, Париж).
57. Импрессионизм (впечатление) — впервые был увиден как направление в искусстве последней трети XIX — начала XX веков, зародившееся во Франции и затем распространившееся по всему миру, представители которого стремились наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления. Термин «импрессионизм» возник с легкой руки критика журнала Луи Леруа, который озаглавил свой фельетон о Салоне Отверженных «Выставка импрессионистов», взяв за основу название этой картины Клода Моне.
В эпоху Возрождения живописцы венецианской школы пытались передать живую реальность, используя яркие краски и промежуточные тона.
Переход живописи к импрессионизму также подготовили английские живописцы.
Начало поисков импрессионистов относится к 1860 годам, когда молодых художников уже не устраивают средства и цели академизма, вследствие чего каждый из них самостоятельно ищет иные пути развития своего стиля.
Специфика философии импрессионизма
Французский импрессионизм не поднимал философские проблемы и даже не пытался проникать под цветную поверхность будничности. Вместо этого импрессионизм сосредотачивается на поверхностности, текучести мгновения, настроения, освещении или угле зрения.
Как и искусство ренессанса импрессионизм строится на особенностях и навыках восприятия перспективы. Для импрессионизма не так важно, что изображено на рисунке, но важно как изображено.
Их картины представляли лишь позитивные стороны жизни, не затрагивая социальные проблемы. Это привело позже к расколу среди самих импрессионистов.
58.Оска́р Кло́д Моне́ (14 ноября 1840, Париж — 5 декабря 1926,Живерни) — французский живописец, один из основателей импрессионизма.
Клод Оскар Моне родился в Париже. Когда Отец хотел, чтобы Клод стал бакалейщиком и продолжил семейное дело, но сын с детства увлекался изобразительным искусством. На морском побережье Нормандии Моне повстречал Эжена Будена, известного пейзажиста и одного из провозвестников импрессионизма. Буден показал юному художнику некоторые приёмы живописной работы с натуры.
Моне поступил в университет на факультет искусств, но быстро разочаровался в царившем там подходе к живописи.
Покинув учебное заведение, он вскоре поступил в студию живописи, которую организовал Шарль Глейр. В студии он познакомился с такими художниками, как Огюст Ренуар, Альфред Сислей и Фредерик Базиль. Они были практически сверстниками, придерживались схожих взглядов на искусство и вскоре составили костяк группы импрессионистов.
Известность Моне принёс портрет Камиллы Донсьё, написанный в 1866 году («Камилла, или портрет дамы в зелёном платье»). Камилла 28 июня 1870 года стала женой художника.
В мае 1871 года, он покинул Лондон в Нидерландах, где он нарисовал двадцать пять картин (и где полиция подозревала его в революционной деятельности). Он также в первый раз съездил в соседний Амстердам. После возвращения во Францию в конце 1872 года Моне пишет свой знаменитый пейзаж «Впечатление. Восходящее солнце» Именно эта картина и дала название группе импрессионистов и целому художественному направлению. Картина была показана на первой импрессионистской выставке в1874 году.
В своих пейзажных композициях (“Бульвар капуцинок в Париже”, 1873, “Скалы в Этрета”, 1886, - обе в ГМИИ, Москва; “Поле маков”, 1880-е годы, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург) Моне воссоздавал вибрацию света и воздуха с помощью мелких раздельных мазков чистого цвета и дополнительных тонов основного спектра, рассчитывая на их оптическое совмещение в процессе зрительного восприятия. Стремясь запечатлеть многообразные переходные состояния природы в разное время дня и при разной погоде, Моне создал в 1890-е годы серии картин-вариаций на один сюжетный мотив (серия полотен “Руанские соборы”). Для позднего периода творчества Моне характерны декоративизм, все большее растворение предметных форм в изощренных сочетаниях цветовых пятен.
Жако́б Абраа́м Ками́ль Писсарро́ (, 10 июля 1830, островСент-Томас — 12 ноября 1903, Париж) — французский живописец, один из первых и наиболее последовательных представителей импрессионизма.
Писсарро начинал как ученик Камиля Коро. В этом выборе учителя уже сказалась врождённая любовь художника к пейзажной живописи. Но не меньше внимания в начале своего творческого пути Камиль Писсарро уделяет и рисунку. Уже в ранних работах художник особое внимание уделял изображению освещенных предметов в воздушной среде. Свет и воздух стали с тех пор ведущей темой в творчестве Писсарро.
Постепенно Писсарро стал освобождаться от влияния Коро, у него созревал собственный стиль. С 1866 года палитра художника становится светлее, доминантой его сюжета становится пространство, пронизанное солнечным светом и лёгким воздухом, а свойственные Коро нейтральные тона исчезают.
Работы, прославившие Писсарро, это сочетание традиционных пейзажных сюжетов и необычной техники в прорисовке света и освещённых предметов. Картины зрелого Писарро написаны плотными мазками и наполнены тем физическим ощущением света, выразить которое он стремился.
В последние годы жизни у Камиля Писсарpо заметно испортилось зрение. Несмотря на это, он продолжал работу и создал серию видов Парижа, наполненных великолепными художественными эмоциями. Необычный ракурс этих полотен объясняется тем, что художник писал их не на улице, а из гостиничных номеров. Эта серия стала одним из высших достижений импрессионизма в передаче света и атмосферных эффектов и во многом его общеизвестным символом.
Работы:
Альфред Сислей (30 октября 1839, Париж — 29 января 1899,) — французский живописец-пейзажист английского происхождения, представительимпрессионизма, родился и прожил большую часть жизни во Франции.
Он поступил в мастерскую Шарля Глейра, где сблизился с Клодом Моне, Камилем Писсаро,Огюстом Ренуаром и Фредериком Базилем, вместе с которыми он вскоре образовал товарищество импрессионистов. Наибольшее влияние на Сислея как на художника оказали британские мастера Уильям Тёрнер, Джон Констебл и Ричард Паркс Бонингтон, а также французыКамиль Коро, Гюстав Курбе и Эжен Буден.
В 1866 г. Сислей женился на Мари Эжени Лекуэзек
Ранний период творчества характеризуется гармоничными и воздушными пейзажами, роднящими художника с другими импрессионистами. С середины 1880-х г. в манере Сислея стали усиливаться элементы декоративизма.
Произведения
Сельская аллея (1864)«Мороз в Лувесьене» (1873; Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва; из коллекции Ивана Абрамовича Морозова)Вид Монмартра с Цветочного острова (1869)Ранний снег в Лувесьенне (1872Мост в Аржантее (1872)
Сислей писал непритязательные по мотивам пейзажи окрестностей Парижа, отмеченные тонким лиризмом и выдержанные в свежей и сдержанной световой гамме. Пейзажи Сислея, передающие подлинную атмосферу Иль-де-Франса, хранят в себе особую прозрачность и мягкость природных явлений всех времен года (“Маленькая площадь в Аржантёе”, 1872, “Наводнение в Марли”, 1876, “Мороз в Лувесьенне”, 1873, “Опушка леса в Фонтенбло”, 1885).
Чарующие изображения природы художника Альфреда Сислея с легким оттенком грусти завораживают удивительной передачей настроения (“Берег Сены у Буживаля”, 1876).
Эже́н Буде́н (12 июля 1824 — 8 августа 1898) — французский художник, предшественник импрессионизма. Будучи учителем К. Моне, оказал на него значительное влияние. Творчество Будена является связующим звеном между искусством его учителей — представителей барбизонской школы (Труайона, Милле, Коро и Теодора Руссо) и его последователей-импрессионистов.Был связан с Барбизонской школой.
Буден родился в Нормандии. Учился живописи в Гавре, затем в Париже у известного мариниста Жана Изабе.
Ранние работы Будена представляют собой яркие сцены фешенебельной курортной жизни, исполненные в импрессионистической манере. Более поздние произведения — в основном морские пейзажи без изображений людей. В пейзажах с видами гаваней ему удалось передать состояние неба, тревожное перед штормом или ясное и чистое; море в них написано широкими мазками и наполнено множеством самых разных кораблей со сложной оснасткой. Хотя художник не считал себя импрессионистом, он принял участие в первой выставке импрессионистов, проходившей в 1874 году. Поэтичные работы Э. Будена, пронизанные влажным серебристым воздухом и скользящим мерцающим светом, оказали большое влияние на творчество многих французских импрессионистов. В 1860—1870-х годах создал лучшие свои произведения («Гавань и верфь в Трувиле», 1863,;«Мол в Довилле», 1869; «Вид антверпенского порта», 1872; «Порт Бордо», 1874 ). Своеобразной маркой творчества Э. Будена служат его «пляжные» композиции, отличительными чертами которых является приглушенная цветовая гамма и быстрый импульсивный мазок («Кринолины на пляже в Трувиле», 1869, частное собрание, Париж; «Женщина в белом на пляже в Трувиле»).
Признание пришло к нему, когда он был уже смертельно болен. В 1892 году Буден был награждён орденом Почётного легиона
59.Эдуа́рд Мане́ (фр. Édouard Manet [edwaʁ manɛ]; 23 января 1832, Париж — 30 апреля 1883, Париж) — французский живописец, гравер, один из родоначальников импрессионизма.
Мане Эдуар (Manet Eduar) (1832-1883), французский живописец. Учился в парижской Школе изящных искусств у Т.Кутюра (1850-1856). Эдуар Мане работал преимущественно в Париже, посетил Бразилию (1848-1850), Германию, Испанию (1865), Великобританию (конец 1860-х годов), Голландию (1872). Значительное влияние на становление Мане как художника оказало творчество Джорджоне, Тициана, Хальса, Веласкеса, Гойи, Делакруа. В работах конца 1850-х - начала 1860-х годов, составивших галерею остро переданных человеческих типов и характеров, Мане сочетал жизненную достоверность образа с романтизацией внешнего облика модели (“Лола из Валенсии”, 1862, Музей д'Орсэ, Париж). Используя и переосмысляя сюжеты и мотивы живописи старых мастеров, Мане стремился наполнить их актуальным содержанием, полемически, иногда эпатирующим образом внести в известные классические композиции изображение современного человека (“Завтрак на траве”, “Олимпия” - оба 1863, Музей д'Орсэ). В 1860-е годы Эдуар Мане обращался к темам современной истории (“Казнь императора Максимилиана”, 1867, Кунстхалле, Мангейм), но проникновенное внимание Мане к современности проявлялось прежде всего в сценах, словно бы выхваченных из будничного течения жизни, полных лирической одухотворенности и внутренней значимости (“Завтрак в мастерской”, Новая галерея, Мюнхен; “Балкон”, Музей д'Орсэ, Париж - оба 1868), а также в близких к ним по художественной установке портретах (портрет Эмиля Золя, 1868, Музей д'Орсэ, портрет Берты Моризо, 1872). Своим творчеством Эдуар Мане предвосхитил возникновение, а затем стал и одним из основоположников импрессионизма. В конце 1860-х годов Мане сблизился с Эдгаром Дега, Клодом Моне, Огюстом Ренуаром, перешел от глухих и плотных тонов, напряженного колорита с преобладанием темных цветов к светлой и свободной пленэрной живописи (“В лодке”, 1874, Метрополитен-музей; “В кабачке папаши Латюиль”, 1879). Многим произведениям Мане свойственны импрессионистические живописная свобода и фрагментарность композиции, светонасыщенная красочная вибрирующая гамма (“Аржантёй”, Музей изящных искусств, Турне). В то же время Мане сохраняет ясность рисунка, серые и черные тона в колорите, отдает предпочтение не пейзажу, а бытовому сюжету с выраженной социально-психологической подосновой (столкновение мечты и реальности, призрачность счастья в сверкающем и праздничном мире - в одной из последних картин Мане “Бар в Фоли-Бержер”, 1881-1882, Институт Кортолда, Лондон). В 1870-1880-е годы Мане много работал в области портрета, расширяя возможности этого жанра и превращая его в своего рода исследование внутреннего мира современника (портрет С.Малларме, 1876, Музей д'Орсэ, Париж), писал пейзажи и натюрморты (“Букет сирени”, 1883, Картинная галерея, Берлин-Далем), выступал как рисовальщик, мастер офорта и литографии. Творчество Мане обновило традиции французской живописи XIX века и во многом определило дальнейшее развитие мирового изобразительного искусства.