Высокий Ренессанс в Средней Италии

С конца XV столетия Италия начинает испытывать все последствия невыгодного для нее экономического соперничества с Португалией, Испанией и Нидерландами. Северные города Европы организовывают ряд военных походов на разрозненную и теряющую свое могущество Италию. Этот трудный период вызывает к жизни идею объединения страны, идею, которая не могла не волновать лучшие умы Италии.

Известно, что определенные периоды расцвета искусства могут не совпадать с общим развитием государства, его материальным, экономическим статусом. В трудные для Италии времена и наступает недолгий "золотой век" итальянского Возрождения - так называемый Высокий Ренессанс, наивысшая точка расцвета итальянского искусства. Высокий Ренессанс совпал, таким образом, с периодом ожесточенной борьбы итальянских городов за независимость. Искусство этого времени было пронизано гуманизмом, верой в творческие силы человека, неограниченность его возможностей, в разумное устройство мира, торжество прогресса. В искусстве на первый план выдвинулись проблемы гражданского долга, высоких моральных качеств, подвига, образ прекрасного, гармонично развитого, сильного духом и телом человека - героя, сумевшего подняться над уровнем повседневности. Поиск такого идеала и привел искусство к синтезу, обобщению, раскрытию общих закономерностей явлений, их логической взаимосвязи.

Искусство Высокого Ренессанса отрешается от частностей, незначительных подробностей во имя обобщенного образа, во имя стремления к гармоничному синтезу прекрасных сторон жизни. В этом одно из главных отличий Высокого Возрождения от Раннего Возрождения. Леонардо да Винчи (1452-1519) явился первым художником, наглядно воплотившим это отличие.

Леонардо родился в Анкиано, около селения Винчи; отец его был нотариусом, перебравшимся в 1469 г. во Флоренцию. Первым учителем Леонардо был Андреа дель Вероккио. Фигура ангела в картине учителя "Крещение" уже отчетливо демонстрирует разницу в восприятии мира художником прошлой эпохи и новой поры: никакой фронтальной плоскостности Вероккио, тончайшая светотеневая моделировка объема и необычайная одухотворенность образа. Ко времени ухода из мастерской Вероккио исследователи относят хранящуюся в Эрмитаже "Мадонну с цветком" ("Мадонна Бенуа", как она называлась раньше, по имени владельцев; ок. 1478). В этот период Леонардо, несомненно, некоторое время находился под влиянием Боттичелли. Его "Благовещение" (1472-1475) по детализации еще обнаруживает тесные связи с Кватроченто, но спокойная, совершенная красота фигур Марии и архангела, цветовой строй картины, композиционная упорядоченность говорят о мировоззрении художника новой поры, характерном для Высокого Ренессанса. От 1480-х гг. сохранились две неоконченные композиции Леонардо: "Поклонение волхвов" и "Святой Иероним". Вероятно, в середине 80-х гг. XV в. была создана в старинной технике темперы и "Мадонна Литта", в образе которой нашел выражение тип леонардовской женской красоты: тяжелые полуопущенные веки и едва уловимая улыбка придают лицу Мадонны особую одухотворенность.

Флоренция, однако, как будто была не очень приветлива к художнику в эти годы, и в 1482 г., узнав, что герцог Миланский Лодовико Сфорца, более известный как Лодовико Моро (Мавр), ищет скульптора для исполнения памятника своему отцу Франческо Сфорца (1401-1466), Леонардо предлагает свои услуги герцогу и уезжает в Милан. Заметим, что в письме к Моро Леонардо прежде всего перечислил свои заслуги военного инженера (устроителя мостов, фортификатора, "артиллериста", строителя судов), мелиоратора, зодчего и уже затем скульптора и живописца. Соединяя научное и творческое начала, обладая как логическим, так и художественным мышлением, Леонардо всю жизнь занимался учеными изысканиями наравне с изобразительным искусством; отвлекаясь, он казался медлительным и оставил после себя немного произведений искусства. При миланском дворе Леонардо работал как художник, ученый-техник, изобретатель, математик и анатом. Вместе с тем, попав на службу к Моро, ой кажется как бы созданным для светской жизни, подобной той, которую ведет миланский вельможа.

Укрепление и украшение миланской крепости (Замок Сфорца, Castello Sforzesco; с 1450), оформление постоянных празднеств и многочисленных свадеб, научные занятия отрывали Леонардо от искусства. При всем этом миланский период, длившийся с 1482 по 1499 г., был одним из самых плодотворных в творчестве мастера, открывших собой начало его художественной зрелости. Именно с этого времени Леонардо становится ведущим художником Италии: в архитектуре он занят проектированием идеального города, в скульптуре - созданием конного монумента, в живописи - написанием большого алтарного образа. И каждое из созданных им творений было открытием в искусстве.

Первым большим произведением, которое Леонардо исполнил в Милане, была "Мадонна в скалах" ("Мадонна в гроте"). Это первая монументальная алтарная композиция Высокого Ренессанса, интересная еще и тем, что в ней в полной мере выразились особенности леонардовской манеры письма. Создав в изображении Мадонны с младенцами Христом и Иоанном и ангелом образ обобщенный, собирательный, идеально прекрасный при сохранении всех черт жизненной убедительности, Леонардо как бы подвел итог всем исканиям эпохи Кватроченто и обратил взор в будущее.

Леонардо да Винчи. Мадонна в гроте. Париж, Лувр

Композиция картины конструктивна, логична, строго выверена. Группа из четырех человек образует как бы пирамиду, но жест руки Марии и указующий перст ангела создают внутри картины движение по кругу, и взгляд естественно переходит от одного образа к другому. От фигур Мадонны и ангела исходит покой, но вместе с тем они внушают и некое чувство загадочности, беспокоящей таинственности, подчеркнутое фантастическим видом самого грота и пейзажным фоном. По сути, это уже не просто пейзажный фон, а определенная среда, в которой взаимодействуют изображенные лица. Созданию этой среды способствует и то особое качество живописи Леонардо, которое получило название "сфумато": воздушная дымка, обволакивающая все предметы, смягчающая контуры, образующая определенную световоздушную атмосферу.

Самой большой работой Леонардо в Милане, высшим достижением его искусства была роспись стены трапезной монастыря Санта Мария делла Грацие на сюжет "Тайной вечери" (1495-1498; см. цветную вклейку). Христос в последний раз встречается за ужином со своими учениками, чтобы объявить им о предательстве одного из них: "Истинно говорю вам, один из вас предаст меня". Леонардо изобразил момент реакции всех двенадцати на слова учителя. Эта реакция различна, но в картине нет никакой внешней аффектации, все полно сдержанного внутреннего движения. Художник много раз менял композицию, но не изменил главному принципу: в основу композиции положен точный математический расчет. За длинным столом, параллельно линии холста сидят тринадцать человек: двое - по бокам стола - четко в профиль, остальные преимущественно лицом к зрителю. Замком композиции является фигура Христа, помещенная в центре, на фоне дверного (или оконного?) проема, за которым открывается пейзаж; глаза Христа опущены, на лице смирение высшей воле, печаль, сознание неизбежности ожидающей его судьбы. Остальные двенадцать человек разбиты на четыре группы по три человека в каждой. Все лица освещены, за исключением лица Иуды, изображенного в резком профильном повороте в группе ближайших и любимых учеников Христа - молодого Иоанна и старца Петра, что отвечало замыслу Леонардо: выделить Иуду среди остальных учеников, сделать почти физически ощутимой его черную, предательскую суть.

Многие художники Кватроченто писали "Тайную вечерю". Для Леонардо главное - через реакцию разных людей, характеров, темпераментов, индивидуальностей раскрыть извечные вопросы человечества: о любви и ненависти, преданности и предательстве, благородстве и подлости, корыстолюбии, что и делает произведение Леонардо таким современным, таким волнующим и по сей день. По-разному проявляют себя люди в момент душевного потрясения: весь поник, кротко опустив глаза, Иоанн; схватился за нож Петр; развел в недоумении руками Иаков; судорожно вскинул руки Андрей. В состоянии полного покоя, погруженности в себя пребывает только Христос, фигура которого - смысловой, пространственный, колористический центр картины, сообщающий единство всей композиции. Синие и красные тона, господствующие в росписи, не случайно наиболее интенсивно звучат в одежде Христа: синий плащ, красный хитон. В отличие от многих работ Кватроченто в росписи Леонардо нет никаких иллюзионистических приемов, позволяющих реальному пространству переходить в изображаемое. Но расположенная вдоль стены трапезной роспись подчинила себе весь интерьер. И это леонардовское умение подчинить себе пространство в большой степени проложило путь Рафаэлю и Микеланджело.

Для Леонардо искусство и наука существовали нераздельно. Занимаясь искусством, он делал научные изыскания, наблюдения, проводил опыты. Он выходил через перспективу в область оптики и физики, через проблемы пропорций - в анатомию и математику и т.д. Его рисунки изображают модели парашютов, танков, пушек, водолазные костюмы, летательные аппараты - трудно представить, что все эти изображения принадлежат одному человеку. Но он также смело экспериментировал и в своих произведениях искусства - и не всегда им на пользу. Судьба стенописи Леонардо трагична: он сам споспешествовал быстрому ее осыпанию, делая опыты смешения темперы и масла, экспериментируя над красками и грунтом. Позже в стене была пробита дверь для более легкого сообщения с монастырской кухней, и в трапезную стали проникать влага и пары, что не способствовало сохранению живописи. Ворвавшиеся в конце XVIII в. в Италию бонапартисты устроили в трапезной конюшню, склад зерна, затем тюрьму. Во время Второй мировой войны в трапезную попала бомба, и стена лишь чудом уцелела, в то время как противоположная и боковые стены рухнули. В 1950-е гг. роспись была очищена от наслоений и фундаментально отреставрирована, и за полстолетия реставрировалась уже не раз.

От занятий анатомией, геометрией, фортификацией, мелиорацией, лингвистикой, стихосложением, музыкой Леонардо отрывался для работы над "Конем" - конным памятником Франческо Сфорца, ради которого он прежде всего и приехал в Милан и который в начале 1490-х гг. исполнил в полный размер в глине. Памятнику не суждено было воплотиться в бронзе: в 1499 г. французы вторглись в Милан и гасконские арбалетчики расстреляли конный монумент. Мы можем судить о скульптуре Леонардо по его рисункам, выполненным на разных стадиях работы. Монумент высотой около семи метров должен был в полтора раза превышать конные статуи Донателло и Вероккио, недаром современники называли его "великим колоссом". От динамичной композиции с всадником на вздыбленном коне, попирающим противника, Леонардо шел к более спокойному решению фигуры Сфорца, торжественно сидящего на могучей лошади.

С 1499 г. начинается период скитаний Леонардо: Мантуя, Венеция и, наконец, родной город художника - Флоренция, где он пишет картон "Святая Анна с Марией, младенцем Христом и Иоанном Крестителем", по которому создает картину маслом в Милане (куда возвратился в 1506 г.). Недолгое время Леонардо пробыл на службе у Цезаря Борджиа, а весной 1503 г. вернулся во Флоренцию, где получил от Пьетро Содерини, пожизненного гонфалоньера (глава городского магистрата), заказ на роспись стены нового зала палаццо Синьории (XIII-XV в.). Противоположную стену должен был расписывать Микеланджело. Леонардо исполнил картон на тему битвы миланцев и флорентийцев при Ангиари - момент ожесточенной схватки за знамя, Микеланджело - битву при Кашинах - момент, когда по сигналу тревоги солдаты выходят из пруда. Современники оставили свидетельства, что второй картон пользовался большим успехом именно потому, что на нем изображена не лютая, почти звериная злоба, ярость и возбуждение схватившихся насмерть людей, как у Леонардо, а прекрасные молодые здоровые юноши, торопящиеся одеться и вступить в бой, - возвышенный образ героизма и доблести.

Леонардо да Винчи. Мария с младенцем и Св. Анной. Париж, Лувр

К сожалению, оба картона не сохранились, воплощены в живописи не были, и о леонардовском замысле мы знаем лишь по нескольким рисункам.

Во Флоренции Леонардо была начата еще одна живописная работа: портрет жены купца дель Джокондо Моны Лизы, ставший одной из самых знаменитых картин в мире. О портрете написаны сотни страниц: как Леонардо обставлял сеансы, приглашая музыкантов, чтобы не угасла на лице модели улыбка, как долго (что характерно для Леонардо) тянул с работой, как стремился досконально передать каждую черточку этого живого лица. "Портрет Моны Лизы Джоконды" - это решающий шаг на пути развития ренессансного искусства. Впервые портретный жанр стал в один уровень с композициями на религиозную и мифологическую темы. При всем бесспорном физиономическом сходстве портреты Кватроченто отличались если не внешней, то внутренней скованностью. Величавость Моне Лизе сообщает уже одно сопоставление ее сильно выдвинутой к краю холста подчеркнуто объемной фигуры с видимым как бы издалека ландшафтом со скалами и ручьями, тающим, манящим, неуловимым и потому при всей реальности мотива фантастичным. Эта же неуловимость есть и в самом облике Джоконды, в ее лице, в котором ощущается волевое начало, напряженная интеллектуальная жизнь, в ее взгляде, умном и проницательном, как бы неотрывно следящем за зрителем, в ее еле заметной, завораживающей улыбке. Ее образ ошеломляет зрителя своим, по меткому замечанию одного исследователя, "магнетическим натурализмом". Леонардо создает такое ощущение живого тела, которое позволило еще Вазари воскликнуть, будто в углублении шеи Моны Лизы можно видеть биение пульса. Вместе с тем в портрете Моны Лизы достигнута та степень обобщения, которая, сохраняя всю неповторимость изображенной индивидуальности до деталей, позволяет рассматривать образ как типичный для эпохи Высокого Ренессанса. И в этом прежде всего отличие леонардовского портрета от портретов Раннего Возрождения. Это обобщение, главная идея которого - чувство собственной значительности, высокое право на самостоятельную духовную жизнь, достигнуто целым рядом определенных формальных моментов (и плавным контуром фигуры, и мягкой моделировкой лица и рук, окутанных леонардовским "сфумато").

В 1506 г. Леонардо приезжает в Милан, который принадлежал уже французам. Последние годы на родине - это время скитаний между Флоренцией, Римом, Миланом, заполненные, однако, и научными изысканиями, и творческими занятиями, в основном живописью. Мучаясь собственной неустроенностью, ощущением непризнанности, чувством одиночества в родной Флоренции, раздираемой, как и вся Италия, внешними и внутренними врагами, Леонардо в 1515 г. по предложению короля Франциска I из династии Валуа (1494-1547, король Франции с 1515) навсегда уезжает во Францию.

Леонардо был величайшим художником своего времени, гением, открывшим новые горизонты искусства. Он оставил после себя немного произведений, но каждое из них явилось этапом в истории культуры. Леонардо известен также как разносторонний ученый. Его научные открытия, например изыскания в области летательных аппаратов, представляют интерес и в наш век космонавтики. Тысячи страниц рукописей Леонардо, охватывая буквально все области знания, свидетельствуют об универсальности его гения.

Идеи монументального искусства Возрождения, в которых слились традиции языческой Античности и возвышенный дух христианства, нашли наиболее яркое выражение в творчестве Рафаэля (Рафаэль Санти, 1483-1520). В его искусстве обрели зрелое решение две основные задачи: пластическое совершенство человеческого тела, выражающее внутреннюю гармонию всесторонне развитой личности, в чем Рафаэль следовал Античности, и сложная многофигурная композиция, передающая все многообразие мира. Проблемы эти были разрешены еще Леонардо в "Тайной вечере" со свойственной ему логикой. Рафаэль обогатил эти возможности, достигнув поразительной свободы в изображении пространства и движения в нем человеческой фигуры, безукоризненной гармонии между средой и человеком. Многообразные жизненные явления под кистью Рафаэля просто и естественно складывались в архитектонически ясную композицию, но за всем этим стояли строгая выверенность каждой детали, неуловимая логика построения, мудрое самоограничение, что и делает его произведения классическими. Никто из мастеров Возрождения не воспринял так глубоко и естественно языческую сущность Античности, как Рафаэль; недаром его считают художником, наиболее полно связавшим античные традиции с западноевропейским искусством новой поры.

Рафаэль Санти родился в городе Урбино, одном из центров художественной культуры Италии, при дворе герцога урбинского, в семье придворного живописца и поэта Джованни Санти, который и явился первым учителем будущего мастера. Ранний период творчества Рафаэля прекрасно характеризует небольшая картина в форме тондо "Мадонна Конестабиле" (ок. 1502-1503), с ее простотой и лаконизмом строго отобранных деталей (при всей робости композиции) и особым, присущим всем работам Рафаэля, тонким лиризмом и чувством умиротворения. В 1500 г. Рафаэль уехал из Урбино в Перуджу учиться в мастерской известного умбрийского художника Перуджино, под влиянием которого написано "Обручение Марии" (1504). Чувство ритма, соразмерности пластических масс, пространственных интервалов, соотношение фигур и фона, согласование основных тонов (в "Обручении" это золотистые, красные и зеленые в сочетании с нежно-голубым фоном неба) и создают ту гармонию, которая проявляется уже в ранних работах Рафаэля и отличает его от художников предыдущей поры.

В 1504 г. Рафаэль перебирается во Флоренцию, художественная атмосфера которой была насыщена уже веяниями Высокого Ренессанса и способствовала его поискам совершенного гармонического образа. На протяжении всей жизни Рафаэль ищет этот образ в Мадонне, его многочисленные произведения, толкующие образ Мадонны, снискали ему всемирную славу. Заслуга художника состоит прежде всего в том, что он сумел воплотить все тончайшие оттенки чувств в идее материнства, соединить лиричность и глубокую эмоциональность с монументальным величием. Это видно во всех его Мадоннах, начиная с юношески робкой "Мадонны Конестабиле": в "Мадонне в зелени", "Мадонне со щегленком", "Мадонне в кресле" и особенно в вершине рафаэлевского духа и мастерства - в "Сикстинской Мадонне", единственной написанной на холсте как алтарный образ для церкви монастыря Сикста в Пьяченце.

Рафаэль Санти. Мадонна со щегленком. Флоренция, Галерея Уффицци

Несомненно, это был путь преодоления простодушного толкования безмятежной и светлой материнской любви к образу, насыщенному высокой духовностью и трагизмом, построенному на совершенном гармоническом ритме: пластическом, колористическом, линейном. Но это был и путь последовательной идеализации. Однако в "Сикстинской Мадонне" это идеализирующее начало отодвигается на задний план и уступает место трагическому чувству, исходящему от этой идеально прекрасной молодой женщины с младенцем-Богом на руках, которого она отдает во искупление человеческих грехов. Взгляд Мадонны, направленный мимо, вернее, сквозь зрителя, полон скорбного предвидения трагической судьбы сына (взор которого также недетски серьезен). "Сикстинская Мадонна" - одно из самых совершенных произведений Рафаэля и по языку: фигура Марии с младенцем, строго вырисовывающаяся на фоне неба, объединена общим ритмом движения с фигурами святых Варвары и Сикста, жесты которых обращены к Мадонне, как и взгляды двух ангелов (более похожих на путти, что так характерно для Возрождения), - в нижней части композиции. Фигуры объединены и общим золотым колоритом, как бы олицетворяющим Божественное сияние. Но главное - это тип лица Мадонны, в котором воплощен синтез античного идеала юной красоты с духовностью христианского идеала, олицетворяющего готовность к жертве, что столь характерно для мировоззрения Высокого Возрождения.

"Сикстинская Мадонна" - позднее произведение Рафаэля. До этого, в 1509 г., папа Юлий II (1443-1513, папа римский с 1503) приглашает молодого художника в Рим для росписи личных папских комнат (станц) в Ватиканском дворце. В начале XVI в. Рим становится главным культурным центром Италии. Искусство Высокого Возрождения достигает своего наивысшего расцвета в этом городе, где волею меценатствующих пап Юлия II и Льва X работают одновременно такие художники, как Браманте, Микеланджело и Рафаэль. Искусство развивается под знаком национального единства (ибо паны мечтали об объединении страны под своей властью), питается античными традициями, выражает идеологию гуманизма. Общая идейная программа росписи папских комнат - служить прославлению авторитета католической церкви и ее главы - папы.

Рафаэль расписывает, по сути, первые две станцы, остальные исполнены по его рисункам его учениками. В Станце делла Сеньятура (комнате подписей, печатей, 1509-1511) он написал четыре фрески - аллегории основных сфер духовной деятельности человека: философии, поэзии, богословия и юриспруденции. Для искусства Средневековья и Раннего Возрождения было свойственно изображать науки и искусства в образе отдельных аллегорических фигур. Рафаэль решил эти темы в виде многофигурных композиций, представляющих иногда настоящие групповые портреты, интересные как своей индивидуализацией, так и типичностью. Именно в этих портретах Рафаэль воплотил гуманистический идеал совершенного интеллектуального человека соответственно представлениям Ренессанса. Официальная программа росписи Станцы делла Сеньятура являлась отражением идеи примирения христианской религии с античной культурой. Художественная реализация этой программы Рафаэлем - сыном своего времени - вылилась в победу светского начала над церковным. Во фреске "Афинская школа", олицетворяющей философию, Рафаэль представил Платона и Аристотеля в окружении философов и ученых различных периодов истории. Их жесты (один указывает на небо, другой - на землю) характеризуют существо различий их учений. Справа в образе Евклида в окружении учеников Рафаэль изобразил своего великого современника архитектора Браманте; далее представлены знаменитые астрономы и математики; у самого края правой группы художник написал себя. На ступенях лестницы он изобразил основателя школы киников Диогена, в левой группе - Сократа, Пифагора, на переднем плане, в состоянии глубокой задумчивости, - Гераклита Эфесского. По предположению некоторых исследователей, величественный и прекрасный образ Платона был навеян незаурядным обликом Леонардо, а в Гераклите Рафаэль запечатлел Микеланджело. Но как ни выразительны изображенные Рафаэлем индивидуальности, главным в росписи остается общая атмосфера высокой духовности, ощущение силы и мощи человеческого духа и разума. Платон с Аристотелем, как и прочие античные мудрецы, должны были символизировать симпатии паи языческой Античности. Размещенные свободно в пространстве, в разнообразных ритме и движении, отдельные группы объединены фигурами Аристотеля и Платона. Логика, абсолютная устойчивость, ясность и простота композиции вызывают в зрителе впечатление необычайной цельности и удивительной гармоничности.

Во фреске "Парнас", олицетворяющей поэзию, изображен Аполлон в окружении муз и поэтов - от Гомера и Сафо до Данте. Сложность композиции состояла в том, что фреска "Парнас" размещена на стене, разорванной проемом окна. Изображением женской фигуры, опирающейся на наличник, Рафаэль умело связал общую композицию с формой окна. Образ Данте дважды повторяется во фресках Рафаэля: еще раз он изобразил великого поэта в аллегории богословия, чаще именуемой "Диспута", среди художников и философов Кватроченто (Фра Анжелико, Савонаролы и др.). Четвертая фреска Станцы делла Сеньятура "Мера, Мудрость и Сила" посвящена юриспруденции.

Во второй комнате, называемой Станца Элиодора (1512- 1514), Рафаэль написал фрески на исторические и легендарные сюжеты, прославляющие римских пап: "Изгнание Элиодора из храма" - на сюжет Библии о том, как кара Господня в образе ангела - прекрасного всадника в золотых доспехах - обрушилась на сирийского вождя Элиодора, пытавшегося похитить из Иерусалимского храма золото, предназначенное для вдов и сирот. Рафаэль, работавший по заказу Юлия II, не случайно обращается к этой теме: французы готовятся к походу в Италию, и папа напоминает о Божьем наказании всех, кто посягнет на Рим. Недаром Рафаэль ввел в композицию и изображение самого папы, которого несут в кресле к поверженному преступнику. Прославлению пап, их чудодейственной силе посвящены и другие фрески: "Месса в Больсене", "Встреча Папы Льва I с Аттилой", причем в первой папе приданы черты Юлия II, и это один из самых выразительных его портретов, а в последней - Льва X. Во фресках второй станцы Рафаэль уделял большое внимание не линейной архитектонике, а роли цвета и света. Особенно это видно на фреске "Чудесное изведение апостола Петра из темницы". Трехкратное появление ангела в трех сценах, изображенных на одной плоскости стены, в единой композиции (что само по себе было архаическим приемом), представлено в сложном освещении различных источников света: луны, факелов, сияния, исходящего от ангела, создающих большое эмоциональное напряжение. Это одна из самых драматических и тонких по колориту фресок. Остальные фрески ватиканских станц, например, Станцы дель Инчендио (1514-1517), выполнены по рисункам Рафаэля его помощниками Джулио Романо и Дж. Ф. Пенни.

Ученики помогали Рафаэлю и в росписи примыкавших к комнатам папы лоджий Ватикана (так называемые Лоджии Рафаэля, 1518-1519), расписанных по его эскизам и под его наблюдением мотивами античных орнаментов, почерпнутых преимущественно из только что открытых античных гротов (отсюда название "гротески").

Рафаэль исполнял работы самых разных жанров. Его дар декоратора, а также режиссера, рассказчика полностью проявился в серии из восьми картонов к шпалерам для Сикстинской капеллы на сюжеты из жизни апостолов Петра и Павла ("Чудесный улов рыбы", например). Эти картины на протяжении XVI-XVIII вв. служили для классицистов своего рода эталоном. Глубокое постижение Рафаэлем сути Античности особенно видно в живописи римской виллы Фариезина (1514-1515), построенной по его проекту (фреска "Триумф Галатеи", а также по его эскизам роспись в зале Психеи по мотивам сказки Апулея об Амуре и Психее, ок. 1515-1516).

Рафаэль был и величайшим портретистом своей эпохи, создавшим тот вид изображения, в котором индивидуальное находится в тесном единстве с типическим, где помимо определенных конкретных черт выступает образ человека эпохи, что позволяет видеть в портретах Рафаэля исторические портреты-типы ("Папа Юлий II", "Лев X", друг художника писатель Кастильоне, прекрасная "Донна Велата" и др.). В его портретных изображениях, как правило, господствует внутренняя уравновешенность и гармония.

Возможно, и правы те исследователи, которые признают, что в Рафаэле не было ни высочайшего интеллекта Леонардо, ни страстности и драматизма Микеланджело. Но, несомненно, в удивительном цельном гармоническом образе он сумел соединить красоту языческой Античности и христианский гуманизм ренессансной эпохи. Недаром австрийский историк искусства Макс Дворжак (1874-1921) называл его "основателем римского классицизма".

В конце жизни Рафаэль был непомерно загружен разнообразными работами и заказами. Даже трудно представить, что все это мог исполнить один человек. Он являлся центральной фигурой художественной жизни Рима; после смерти Браманте в 1514 г. стал главным архитектором Собора Святого Петра; ведал археологическими раскопками в Риме и его окрестностях и охраной античных памятников. Это неизбежно вызывало привлечение учеников и большого штата помощников при исполнении больших заказов. Умер Рафаэль в 1520 г. Его преждевременная кончина была неожиданной для современников. Прах его погребен в Пантеоне.

Микеланджело (Микеланджело Буонарроти, 1475-1564) - третий величайший мастер Высокого Возрождения - намного пережил Леонардо и Рафаэля. Первая половина его творческого пути приходится на период расцвета искусства Высокого Ренессанса, а вторая - на время Контрреформации и начало формирования искусства барокко. Из блестящей плеяды художников Высокого Ренессанса Микеланджело превзошел всех насыщенностью образов, гражданственным пафосом, чуткостью к смене общественного настроения. Отсюда и творческое воплощение крушения ренессансных идей.

Микеланджело Буонарроти родился в Капрезе, в семье подеста (градоправителя, судьи). В 1488 г. во Флоренции, куда переехала семья, он поступает в мастерскую к Гирландайо, через год - в скульптурную мастерскую при монастыре Сан Марко к одному из учеников Донателло. В эти годы он сближается с Лоренцо Медичи, смерть которого оставила в его душе глубокий след. Именно "в садах Медичи", в окружении поэтов, художников и ученых, сконцентрировавшихся вокруг Медичи, Микеланджело и начал тщательно изучать античную пластику. Его рельеф "Битва кентавров" (ок. 1492) по внутренней страстности и напряженности уже говорит о творческой манере будущего великого мастера. В 1496 г. молодой художник уезжает в Рим, где создает свои первые принесшие ему славу произведения: "Вакх" (ок. 1496) и "Пьета" (ок. 1498-1499). Буквально захваченный образами Античности, Микеланджело изобразил античного бога вина обнаженным юношей, обратившим взор на чашу с вином, как бы чуть пошатывающимся. Обнаженное прекрасное тело отныне и навсегда для Микеланджело становится главным предметом искусства. Вторая скульптура - "Пьета" (от итал. pieta - милосердие; в изобразительном искусстве сцена оплакивания Христа Богоматерью) - открывает целый ряд работ мастера на этот сюжет и выдвигает его в число первых скульпторов Италии.

Микеланджело изобразил Христа распростертым на коленях Марии. Молодое, идеально прекрасное лицо Мадонны скорбно, но очень сдержанно. Чтобы расположить большое мужское тело на коленях Мадонны, скульптор умножает количество складок плаща, спадающего с колен Марии. Фигуры образуют в композиции пирамиду, сообщающую группе устойчивость и законченность. Вместе с тем даже в этой ранней работе Микеланджело имеются черты, не свойственные искусству Ренессанса или, скажем, непривычные для него: в необычном сильном ракурсе запрокинута голова Христа, вывернуто его правое плечо; левая часть композиции, нагруженная более правой, потребовала сложного асимметричного рисунка постамента, более высокого в правой части. Все вместе это придало группе внутреннее напряжение, необычное для искусства Возрождения, однако господствующими в композиции являются черты, свойственные именно Высокому Ренессансу: цельность героического образа, классическая ясность монументального художественного языка.

Возвратившись в 1501 г. во Флоренцию, Микеланджело по поручению Синьории взялся изваять фигуру "Давида" из испорченной до него незадачливым скульптором мраморной глыбы. В 1504 г. Микеланджело закончил знаменитую статую, названную флорентийцами "Гигантом" и поставленную ими перед палаццо Веккиа, городской ратушей. Открытие памятника превратилось в народное торжество. Образ Давида вдохновлял многих художников Кватроченто. Но не мальчиком, как у Донателло и Вероккио, изображает его Микеланджело, а юношей в полном расцвете сил, и не после сражения, с головою великана у ног, а перед битвой, в момент наивысшего напряжения сил. В прекрасном образе Давида, в его суровом лице скульптор передал титаническую силу страсти, непреклонную волю, гражданское мужество, безграничную мощь свободного человека. Флорентийцы видели в Давиде близкого им героя, гражданина республики и ее защитника. Общественное значение скульптуры было понято сразу.

Микеланджело Буонарроти. Давид. Флоренция, Галерея Академии

В 1504 г. Микеланджело (как уже упоминалось в связи с Леонардо да Винчи) начинает работать над росписью "Зала пятисот" в палаццо Синьории, но рисунки и картоны к его "Битве при Кашинах" не сохранились, как и произведение Леонардо.

В 1505 г. папа Юлий II пригласил Микеланджело в Рим для сооружения себе гробницы. Замысел скульптора был грандиозным: он хотел создать колоссальный памятник-мавзолей, украшенный сорока фигурами более чем в натуральную величину. Восемь месяцев он провел в горах Каррары, руководя добычей мрамора, но когда вернулся в Рим, узнал, что папа от своего замысла отказался. Разгневанный Микеланджело уехал во Флоренцию, но, вытребованный папой, под нажимом флорентийских властей, боявшихся осложнений с Римом, вынужден был вновь возвратиться в Рим, на этот раз для не менее грандиозного, но, к счастью, воплотившегося замысла - росписи потолка Сикстинской капеллы при Ватиканском дворце.

Над росписью плафона Сикстинской капеллы Микеланджело работал один, с 1508 по 1512 г., расписав площадь около 600 кв. м (48 х 13 м) на высоте 18 м. Центральную часть потолка Микеланджело посвятил сценам священной истории, начиная от сотворения мира. Эти композиции обрамлены написанным же, но создающим иллюзию архитектуры карнизом и разделены живописными тягами. Живописные прямоугольники подчеркивают и обогащают реальную архитектуру плафона. Под живописным карнизом Микеланджело написал пророков и сивилл (каждая фигура около трех метров), в люнетах (арках над окнами) изобразил эпизоды из Библии и предков Христа как простых людей, занятых повседневными делами.

В девяти центральных композициях развертываются события первых дней творения, история Адама и Евы, Всемирный потоп, и все эти сцены, по сути, являются гимном человеку, заложенным в нем силам, его мощи и красоте. Бог - это прежде всего Творец, не знающий преград на пути к созиданию, образ, близкий представлению гуманистической эпохи о творце (сцена "Сотворение Солнца и Луны"). Адам идеально прекрасен в сцене "Сотворение Адама", он еще лишен воли, но прикосновение руки Творца, как электрическая искра, пронзает его и зажигает жизнь в этом прекрасном теле. Даже трагическая ситуация потопа не может поколебать веру в силу человека. Величие, мощь и благородство выражены и в образах пророков и сивилл: творческое вдохновение - в лице Иезекииля, услышавшего голос Бога; созерцательность - в образе сивиллы Эритрейской; мудрость, философическая задумчивость и отрешенность от мирской суеты - в фигуре Захарии; скорбное раздумье - Иеремии. При огромном количестве фигур роспись Сикстинского плафона логически ясна и легко обозрима. Она не разрушает плоскость свода, а выявляет тектоническую структуру. Главными выразительными средствами Микеланджело являются подчеркнутая пластичность, чеканность и ясность линии и объема. Пластическое начато в росписи Микеланджело всегда доминирует над живописным, подтверждая мысль художника о том, что "наилучшей будет та живопись, которая ближе всего к рельефу".

Микеланджело Буонарроти. Грехопадение. Рим, Сикстинская капелла

Вскоре после окончания работ в Сикстинской капелле умер папа Юлий II, и его наследники возвратились к мысли о надгробии. В 1513-1516 гг. Микеланджело исполняет фигуру "Моисея" и "Рабов" (пленников) для надгробия папы Юлия II. По его проекту ученики скульптора потом соорудили настенную гробницу, в нижнем ярусе которой и была помещена фигура "Моисея" (Рим, церковь Сан Пьетро ин Винколи). Образ Моисея - один из самых сильных в творчестве зрелого мастера. Он вложил в него мечту о вожде мудром, смелом, полном титанических сил, экспрессии, воли - качеств, столь необходимых тогда для объединения его родины. Фигуры рабов не вошли в окончательный вариант гробницы. Возможно, они имели какое-то аллегорическое значение (искусство в плену после смерти папы? - есть и такое их толкование). "Скованный раб", "Умирающий раб" передают разные состояния человека, разные стадии борьбы: мощный порыв в желании освободиться от пут, бессилие ("Скованный раб"), последний вздох, замирающую жизнь в прекрасном, но уже коченеющем теле ("Умирающий раб").

Микеланджело Буонарроти. Капелла Медичи с гробницей Джулиано в церкви Сан Лоренцо во Флоренции

С 1520 по 1534 г. Микеланджело работает над одним из самых значительных и самых трагических скульптурных произведений - над гробницей Медичи (капелла Медичи во флорентийской церкви Сан Лоренцо), выражающей все переживания, выпавшие в этот период на долю и самого мастера, и его родного города, и всей страны. С конца 1520-х гг. Италия была буквально раздираема как внешними, так и внутренними врагами. В 1527 г. наемные солдаты разгромили Рим, протестанты разграбили католические святыни Вечного города. Флорентийская буржуазия свергает Медичи, правивших вновь с 1510 г., после смерти Пьетро Содерини, но папа идет на Флоренцию походом. Город готовится к обороне, Микеланджело стоит во главе строительства военных укреплений, испытывает настроения смятения, отчаяния, уезжает - буквально бежит из Флоренции, узнав о готовящейся измене ее кондотьера, вновь возвращается в родной город, чтобы оказаться свидетелем его разгрома. В начавшемся страшном терроре погибли многие друзья Микеланджело, а сам он вынужден был некоторое время жить изгнанником.

В настроении тяжелейшего пессимизма, в состоянии усиливающейся глубокой религиозности и работает Микеланджело над гробницей Медичи. Он сам сооружает пристройку к флорентийской церкви Сан Лоренцо - небольшое, но очень высокое помещение, перекрытое куполом, - и оформляет две стены сакристии (ее внутреннего помещения) скульптурными надгробиями. Одну стену украшает фигура Лоренцо, противоположную - Джулиано, а внизу, у их ног размещаются саркофаги, украшенные аллегорическими скульптурными изображениями - символами быстротекущего времени: "Утра" и "Вечера" - в надгробии Лоренцо, "Ночи" и "Дня" - в надгробии Джулиано. Оба изображения - Лоренцо и Джулиано - не имеют портретного сходства, чем отличаются от традиционных решений XV в. Микеланджело подчеркивает выражение усталости и меланхолии в лице Джулиано и тяжкое раздумье, граничащее с отчаянием, - у Лоренцо, считая не обязательным точную передачу черт в лицах моделей. Для него важнее философская идея противопоставления жизни и смерти, облеченная в поэтическую форму. Чувство беспокойства, тревоги исходит от образов Лоренцо и Джулиано. Это достигается и самой композицией: фигуры посажены в тесное пространство ниш, как бы стиснуты пилястрами. Этот беспокойный ритм еще усиливается позами аллегорических фигур времени суток: напряженные изогнутые тела как бы скатываются с покатых крышек саркофагов, не находя опоры, их головы пересекают карнизы, нарушая тектонику стен. Все эти диссонансные ноты, подчеркивающие состояние надломленности, нарушают архитектоническую гармонию Ренессанса и являются предвестием новой эпохи в искусстве. В капелле Медичи архитектурные формы и пластические образы находятся в нерасторжимой связи, выражая единую идею.

В один из приездов Микеланджело в Рим ему было предложено расписать алтарную стену Сикстинской капеллы изображением "Страшного суда". Занятый в то время статуями для капеллы Медичи во Флоренции, скульптор ответил отказом. Папа Павел III (1468-1549, папа римский с 1534) тотчас после своего избрания стал уже настойчиво требовать от Микеланджело исполнения этого замысла, и в 1534 г., прервав работу над гробницей, которую он завершил только в 1545 г., Микеланджело уезжает в Рим, где приступает ко второй работе в Сикстинской капелле - к росписи "Страшный суд" (1535-1541) - грандиозному творению, трактованному художником как величайшая трагедия человеческого рода, как "гимн человеческой боли" (слова художника из дневника). Черты новой художественной системы проявились в этой работе Микеланджело еще ярче.

Творящий суд, карающий Христос помещен в центре композиции, вокруг него во вращательном круговом движении изображены низвергающиеся в ад грешники, возносящиеся в рай праведники, встающие из могил на Божий суд мертвецы. Все полно ужаса, отчаяния, гнева, смятения, всех несет "ветер жизни" (из дневника). Даже Мария, предстательствующая за людей, боится своего грозного сына и отворачивается от его руки, неумолимо отделяющей грешников от праведников. Сложные ракурсы переплетенных, закрученных в клубок тел, крайний динамизм, повышенная экспрессия, создающие выражение беспокойства, тревоги, смятения, - все это черты, глубоко чуждые Высокому Возрождению, как чужда ему и сама трактовка темы "Страшного суда" (вместо торжества справедливости над злом - катастрофа, крушение мира).

Живописец, скульптор, поэт, Микеланджело был также и гениальным архитектором. Им исполнена лестница флорентийской библиотеки Лауренциана (проект ок. 1523-1534, осуществлен уже после отъезда Микеланджело в Рим), оформлена площадь Капитолия и возведены Ворота Пия (Poita Pia) в Риме. С 1546 г. он работает над Собором Святого Петра, начатым еще Браманте, создателем знаменитой ротонды "Темпьетто". Микеланджело принадлежит рисунок и чертеж купола, который был исполнен уже после смерти мастера и который до сих пор является одной из главных доминант в панораме города.

Два последних десятилетия жизни Микеланджело приходятся на тот период, когда в Италии искореняются черты свободомыслия великой гуманистической эпохи Ренессанса. По настоянию инквизиции, посчитавшей непристойным такое количество обнаженных тел во фреске "Страшный суд", ученик Микеланджело Даниеле да Вольтерра записывает некоторые фигуры. Последние годы жизни Микеланджело - это годы утраты надежд, потери близких и друзей, время его полного духовного одиночества. Но это и время создания самых сильных по трагичности мироощущения и по лаконизму выражения произведений, свидетельствующих о его неумирающем гении. В основном это скульптурные композиции и рисунки (в графике Микеланджело был таким же величайшим мастером, как Леонардо и Рафаэль) на тему "Оплакивание" ("Пьета с Никодимом", ок. 1547-1555, собор Флоренции; "Пьета Ронданини", неоконченная группа, ок. 1555-1564, Кастелло Сфорцеско) и "Распятие".

Микеланджело умер в Риме в возрасте 89 лет. Тело его было вывезено ночью во Флоренцию и погребено в старейшей церкви родного города Санта Кроче. Историческое значение искусства Микеланджело, его воздействие на современников и на последующие эпохи трудно переоценить. Некоторые зарубежные исследователи трактуют его как первого художника и архитектора барокко. Но более всего он интересен как носитель великих классических традиций Ренессанса.