Федеральное государственное бюджетное образовательное учреждение высшего образования

Министерство образования и науки российской федерации

«Тихоокеанский государственный университет»

 

Факультет искусств, рекламы и дизайна

Кафедра «Изобразительного искусства»

Направление 43.05.03 «Педагогическое образование»

Профиль изобразительное искусство и технология

 

ПОЯСНИТЕЛЬНАЯ ЗАПИСКА К курсовой РАБОТЕ

 

 

Тема: ОСОБЕННОСТИ КОЛОРИТА ДАЛЬНЕВОСТОЧНОГО ПЕЙЗАЖА

 

 

	Фамилия имя отчество	Подпись	Дата	Всего листов ПЗ
Студент	Козлова Анжела Викторовна
Руководитель	Иконников Александр Иванович			Всего листов: - графической части; - раздаточного материала; - презентации.
Завкафедрой	Павленкович Ольга Борисовна

 

 

Хабаровск – 2017 г.

 

СОДЕРЖАНИЕ

 

 

Введение. 3

Раздел I. Теоретическое обоснование актуальности выбора жанра. 6

1.1 Пейзаж как жанр изобразительного искусства. 6

1.3 Основные понятия учения о колорите в пейзаже. 13

1.4 Пастельная живопись. 24

1.4.1. Понятие техники пастель и история ее развития. 24

1.4.2 Художественные свойства. 27

Раздел II. Ход выполнения практической части курсовой работы 31

2.1 Концепция. 31

2.2 Методика работы пастелью. 33

Заключение. 42

Список литературы.. 44

Приложение. 45

 

ВВЕДЕНИЕ

Современные о пейзаже формировались протяжении столетий с художественных приемов его изображения. В произведении особое придаётся построению перспективы и композиции передаче состояния воздушной и световой их изменчивости.

Освоение начинается с «личного с каждой в отдельности природы. После кропотливого изучения, прорисовки различных пейзажа, для более не существовать некой зелёной массы, в природе, так и в в каждой травинке будем видеть хорошо знакомого с характерными, своеобразными и пластикой.

В пейзаже, и в других жанрах искусства, должна отражена наша чувства и мысли любовь к природе.

Природа и многогранна, она статична. Поэтому необходимо передать в не только элемент природы, и уловить ее быстро изменяющееся настроение и суметь его на холсте. А является самой и главной задачей живописца.

Актуальность работы заключается в проблемы колористических решение задач и цветовых отношений написании пейзажа в время суток и различных состояний природы.

Цель работы:создание работ в жанре выполненных в технике пастель.

курсовой работы посредством решения задач:

- изучить и искусствоведческую и специальную по теме пейзаж;

- изучить и методикой рисования пастель;

- провести исследование колорита в ;

- сделать разработки композиционному поиску;

- создать пейзажных работ, в состоянии природы, в технике пастель.

Объектомявляется процесс серии работ в пейзаж, передача природы через колористических задач.

Предмет –история и виды пейзаж, особенности и тональных отношений, выполнения пейзажа пастель.

Гипотеза заключается в понимании ценности созданных работ и максимальный воздействия их зрителя, что от:

- соответствующего композиционного и образного

- подбора соответствующих художественной выразительности, отражающих первоначальный художника.

Научнаякурсовой работы в систематизации, закреплении, и углублении теоретических и практических навыков в изображения пейзажа в пастель.

Теоретико-методологическойисследования явилось целого ряда что позволило изучить все исследуемой проблемы:

- наблюдения;

- теоретического

- сравнения;

- логического

При работе с использовались такие как конспектирование, цитирование.

Изучениеи литературы по исследования дал узнать, какие и проблемы уже хорошо изучены, каким ведутся дискуссии, и какие в данной области недостаточно освещены.

Для курсовой работы изучены особенности художественного образа в портрет.

Практическая курсовой работы

- в личном приращении работы над и систематизации знаний выбранной теме;

- овладение навыка работы пастель;

- решение задач в разработке работ и передача и тональных отношений в работе над пейзажем.

Данная работа состоит введения, двух заключения и списка литературы.

Выбор темы для работы был желанием развивать в умение видеть в природе, и получить знание в изучении цвета.

 

 

РАЗДЕЛ I. ТЕОРЕТИЧЕСКОЕ АКТУАЛЬНОСТИ ВЫБОРА

 

1.1 Пейзаж жанр изобразительного

 

Интерес человека к природы берет еще с древних черты пейзажа найдены еще в неолита, в рельефах и стран Древнего особенно в искусстве Египта и Древней Греции. В века пейзажными украшали храмы, богатые дома, нередко служили условных пространственных в иконах и больше в миниатюрах.

Сам «пейзаж», который кроме общего местности и описания в литературе, является из востребованных изобразительного искусства.

Тема – местность (от фр. paysage, pays - местность, родина), окружающая естественная или человеком природа с ее ландшафтами, гор, рек, лесов), город и местность. Соответственно природный, сельский и (архитектурный, индустриальный и пейзажи. В природном морской пейзаж а художников, изображающих называют «маринистами») космический, астральный – небесного пространства, и планет. Особое в городском пейзаже ведута – документально изображение. С точки времени различают исторический (в т.ч. руины – археологических или мест и памятников) и (картины будущего пейзажи.

В узком и смысле следует пейзаж и пейзажное изображение. Пейзаж – «портретное» изображение вида, того, есть, что существует. Это бы живописное графическое точно-правдивое изображение. Оно и неповторимо, его подправить, деформировать, нельзя придумать, сочинить. В от него изображение – это сочиненные с помощью пейзажные виды. Термин обычно означает и и другое.

Пейзаж – не просто но всегда образ природной городской среды, определенная интерпретация, находит свое в исторически сменяющихся пейзажного искусства.

Обращаясь к становления жанра нельзя не его важные развития.

В искусстве пейзаж приобрел путь развития. Как жанр он в Китае еще в веке. Пейзажи художников, выполненные на шелковых очень одухотворенны и (см.приложение 1.) Произведения глубокий философский как бы вечно обновляющуюся бесконечно необъятное которое кажется из-за введения в обширных горных водных гладей и дымки. В пейзаж человеческие фигуры и мотивы (горная бамбук, дикая олицетворяющие высокие качества. Под китайской культуры сложился и особый японского пейзажа, ярко выраженной выделением декоративных с более активной ролью в природе, на это ярко показывают гравюры японского художника Кацусика. Хокусай (см.приложение рис.2.)[7;стр.58].

В искусстве первыми обратились к изображению природы венецианские живописцы эпохи Возрождения,например такие, как А.Каналетто. Как самостоятельный жанр, пейзаж окончательно сформировался в XVII в. Его создали голландские живописцы. Художники обратились к изучению натуры, Леонардо да Винчи, позже П. Брейгель в Нидерландах разработали систему валеров, световоздушную перспективу. В XVI в. формируются первые разновидности и направления этого жанра: лирический, героический, документальный пейзаж: П.Брейгель «Пасмурный день» (Канун весны) (1565, Вена, Музей истории искусств), П.П.Рубенс «Охота на львов» (ок. 1615, Мюнхен, Старая пинакотека), Рембрандт «Пейзаж с прудом и арочным мостом» (1638, Берлин – Далем), Я. ван Рейсдаль «Лесное болото» (1660-е, Дрезден, Картинная галерея), Н.Пуссен «Пейзаж с Полифемом» (1649, Москва, ГМИИ им. Пушкина), К.Лоррен Полдень (1651, С.-Петербург, Эрмитаж), Ф.Гварди «Площадь Сан Марко, вид на базилику» (ок. 1760–1765, Лондон, Национальная галерея) и т.д. (см приложение рис.3, 4).

В XIX в. творческие нововведения художников пейзажа, преобладание его общественной проблематикой, развитие пленэра (изображение естественной природной среды) завершились достижениями импрессионизма, давшими новые возможности в живописной передаче пространственной глубины, изменчивости световоздушной среды, сложности цветовой гаммы, открывшими новые возможности в передаче изменчивой игры бликов, неуловимых состояний природы, богатства красочных оттенков. Это барбизонцы, К.Коро «Утро в Венеции» (ок. 1834, Москва, ГМИИ им. Пушкина), Э.Мане «Завтрак на траве» (1863, Париж, Лувр), К.Моне «Бульвар Капуцинок в Париже» (1873, Москва, ГМИИ им. Пушкина), О.Ренуар «Лягушатник» (1869, Стокгольм, Национальный музей). В России А.К.Саврасов «Грачи прилетели» (1871, Москва, Третьяковская галерея), И.И.Шишкин «Рожь» (1878, Москва, Третьяковская галерея), В.Д.Поленов «Московский дворик» (1878, Москва, Третьяковская галерея),.[2] (см приложение рис.5)

Крупные мастера конца XIX и XX вв. (П. Сезанн, П. Гоген, Ван-Гог, А. Матисс во Франции, А. Куинджи, Н. Рерих, Н. Крымов в России, М. Сарьян в Армении) расширяют эмоциональные, ассоциативные качества пейзажной живописи. Традиции русского пейзажа расширили и обогатили А. Рылов, К. Юон, Н. Рерих, А. Остроумова-Лебедева, А. Куприн, П. Кончаловский и др.

В зависимости от характера пейзажного мотива можно выделить сельский, городской (в том числе городской архитектурный и ведута), индустриальный пейзаж. Особую область составляет изображение морской стихии - марина и речной пейзаж.

Сельский пейзаж он же «деревенский» - Это направление пейзажного жанра было популярно во все времена вне зависимости от моды. Отношения между природой и результатами сознательной деятельности человечества всегда были достаточно сложными, даже конфликтными; в изобразительном искусстве это видно особенно ярко. Пейзажные зарисовки с архитектурой, забором или дымящей заводской трубой не создают настроения умиротворения: на подобном фоне вся красота природы теряется, уходит. Однако существует среда, где человеческая деятельность и природа находятся в гармонии или же, напротив, природа играет главенствующую роль – это сельская местность, где архитектурные сооружения как бы дополняют деревенские мотивы. Художников в сельском пейзаже привлекает умиротворенность, своеобразная поэзия сельского быта, гармония с природой. Дом у реки, скалы, зелень лугов, проселочная дорога давали толчок вдохновению художников всех времен и стран.

Городской пейзаж стал результатом нескольких столетий развития пейзажной живописи. В 15 веке получили распространение архитектурные пейзажи, на которых изображались виды на город с высоты птичьего полета. На этих интересных полотнах зачастую сливались древность и современность, присутствовали элементы фантастики.

Архитектурный пейзаж – разновидность пейзажа, один из видов перспективной живописи, изображение реальной или воображаемой архитектуры в природной среде. Большую роль в архитектурном пейзаже играет линейная и воздушная перспектива, связывающая природу и архитектуру. В архитектурном пейзаже выделяют городские перспективные виды, называвшиеся в 18 в. ведутами (А.Каналетто, Б.Беллотто, Ф.Гварди в Венеции), виды усадеб, парковых ансамблей с постройками, пейзажи с античными или средневековыми руинами (Ю.Робер; К.Д.Фридрих «Аббатство в дубовой роще», 1809–1810, Берлин, Государственный музей; С.Ф.Щедрин), пейзажи с воображаемыми сооружениями и руинами (Д.Б.Пиранези, Д.Паннини)(см приложение рис.6).

Ведута (ит. veduta, букв. – увиденная) – пейзаж, документально точно изображающий вид местности, города, один из истоков искусства панорамы. Поздний венецианский пейзаж, тесно связанный с именами Карпаччо и Беллини, которому удалось найти равновесие между документальной точностью отображения городской действительности и ее романтической интерпретацией. Термин появился в 18 в., когда для воспроизведения видов использовалась камера-обскура. Ведущим художником, работавшим в этом жанре, был А.Каналетто: Площадь Сан Марко (1727–1728, Вашингтон, Национальная галерея). (см приложение рис.7) Дальнейший серьезный вклад в развитие этого направления внесли импрессионисты: К. Моне, Писсаро и др. Дальнейшее развитие этого направления свелось к поиску наилучших способов отображения, цветовых решений, возможности отобразить особое «дрожание атмосферы», свойственное городам.

Современный городской пейзаж - это не только лишь толпы людей на улицах и пробки на дороге; это еще и старые улочки, фонтан в тихом парке, солнечный свет, запутавшийся в паутине проводов… Это направление привлекало и будет привлекать как художников, так и ценителей искусства во всем мире.

Марина (ит. marina, от лат. marinus – морской) – один из видов пейзажа, объектом изображения которого является море. Самостоятельным жанром марина оформляется в Голландии в начале 17 в.: Я.Порселлис, С. де Влигер, В.ван де Велле, Ж.Верне, У.Тернер «Похороны на море» (1842, Лондон, галерея К.Моне «Впечатление, солнца» (1873, музей Мармоттан), «Малая гавань в (1826, Москва, галерея).(см. приложение рис.8) Айвазовский, никто другой показать живую, светом, вечно водную стихию. Избавляясь слишком резких классицистической композиции, со временем подлинной живописной свободы. Бравурно - "Девятый вал" Русский музей, является одной наиболее узнаваемых этого жанра. Живопись пленэре (под небом), в основном пейзажи и экстерьеры, некоторого опыта и «тренировки». Не все легко из-под руки вы это представляли, чтобы вперед и овладеть изображения пейзажа пленэре, нужно дать себе и насладиться открывающимся вами видом. Часто ландшафт, этюд, эскиз, или иногда могут приятным рабочим который не недооценивать. В таких обычно изображено главное, так мы хотим уловить и быстро на холсте каких-либо лишних деталей. В же разработке , теряется то важное , что хотели бы в своем произведении . В как и во других темах наш собственный наш опыт и возможности должны посвящены чему-то особенному. [1;97]

Пейзаж носить исторический, фантастический, лирический, характер.

Часто служит фоном в графических, скульптурных медали) произведениях жанров. Художник, природу, не стремится точно выбранный пейзажный но и выражает отношение к природе, ее, создает образ, обладающий выразительностью и идейной содержательностью. Например, Ивану Ивановичу сумевшему создать своих полотнах эпический образ природы, русский поднялся до глубоко содержательного и искусства ("Рожь", "Корабельная роща", 1898). Сила полотен не в что они с фотографической точностью знакомые ландшафты полосы, искусство гораздо глубже и содержательнее. Бескрайние полей, колышущиеся свежим ветром колосьев, лесные на картинах И. Шишкина мысли о былинном и мощи русской природы.

Пейзаж Ильича Левитана именуется «пейзажем настроения [8;стр.38] На его воплощаются изменчивые состояния тревоги, предчувствия, умиротворенности, и др. Поэтому передает объемную предметов обобщенно, тщательной проработки трепетными живописными пятнами. Так им в 1895 картины «Март» и «Золотая осень», знаменующие точку в развитии лирического пейзажа [7;74].

 

Основные понятия в пейзаже

 

Колорит – общая эстетическая цветовых качеств искусства, характер всех цветовых произведения, его строй. Главное колорита – богатство и цветов.

Важнейшим художественного образа колорит. Это из средств выразительности в живописи, графике, во произведениях искусства.

цветов играет в существенную роль. Обычно между собой равные по и близкие друг по цветовому тону. Когда тонально объединены собой, происходит качественное изменение, особая звучность. Цвет, выпадает из тональности, не с ней, кажется разрушает целостность произведения. Художественное строится на всех цветов, есть когда одно цветовое нельзя изменить яркости или увеличить или по размерам, нарушая целостность произведения. Гармоничное взаимосвязь, тональное различных цветов в называется колоритом.

раскрывает перед красочное богатство мира. Он художнику передать картины: колорит быть спокойным, тревожным, грустным и др. Колорит теплым и холодным, и темным.

С древних ученые пытались природу цвета. Причину многие ученые времени связывали свойствами самого а не с работой глаза. Поэтому интерес к цвету возможность ознакомиться с понятием с различных ,так как наук изучают феномен. Цвет предметом исследований наук, например физика, психология, и, изобразительного искусства. Цвет - не только физики (свет), и феномен нашего действительности (психология, физиология). Наш воспринимает свет светлое-темное и как в нашем мозгу накапливается как и становится индивидуальным, ощущением и опытом. Свет и – определенная область колебаний лучистой , излучения, длины волн в от 380 770 миллимикрон, на человеческий вызывая у него света и цвета. Эти называют видимыми благодаря им, видим окружающий мир.

И так спектральные цвета, и хроматические цвета, цвета. В солнечном принято различать основных цветов: синий, голубой, желтый, оранжевый, красный. Деление условно и зависит особенностей глаза. Человеческий способен выделить в от 100 200 различных цвета. Некоторые отражают свет в пропорции, в какой имеются в солнечном то есть свет не избирательно. Такие называются ахроматическими серая, черная) и друг от только светлотой, отраженного света. Например, снег отражает солнечного света, бумага – 75%, а кожа – 1 – 2%. Глаз способен различать 300 порогов белого до черного. Другие отражают свет то есть спектральных компонентов лучей отражаются чем остальные, поверхности называются или цветными (греч. «хромос» – «ахромос» – бесцветие), цвета включают гамму спектральных и тонов. В зависимости поверхностей и от или монохроматического потоков существуют отражения, пропускания и света (или цвета). Они в процентах. Каждому цвету соответствует хроматический цвет, при смешении с дает ахроматический. Такие цвета называют цветами (красный – оранжевый – голубой, – синий и другие) взаимо дополнительными.

В определения гармоничных цвета, обладающих воздействием на все хроматические располагают по образовав из цветовой круг (рис.3). Все цвета располагаются в в естественной последовательности. Круг пурпурными цветами. В практике в настоящее применяется 24-частный имеющий хорошую на 2, 4, 6, 8 и цветов, облегчающую гармонических сочетаний. В можно выделить главных цвета: желтый, зеленый и синий. Красно-желтые круга называют они связаны с человека об солнце, раскаленном сине-голубая часть относится к холодным по ассоциации льдом, водой, небом, холодным металлом. В зоне спектра можем различать теплые или холодные оттенки цвета. Все дополнительные цвета на противоположных диаметра цветового круга.

цветов в природе, все так и гармонично, помогает искать пути цвета предмета природных явлений красками. Очень художник находит своего творческого новые способы, материалы. Оказывается, цветового восприятия у помогала сама природа. В краях, где воздуха была и давала мягкие цветовых тонов, вынуждены были вглядываться в богатейшую оттенков цвета земли, моря, далей. В можно сказать, восприятие мира более живописным севере, что и к рождению колористической в Венеции, Париже, Амстердаме, Лондоне. Важным было и то, что художники вышли писать картины на открытый воздух – пленэр, что позволяло им развивать свое восприятие цвета. Восприятие цвета во многом зависит от цветового тона, степени его яркости и насыщенности.

Оценка цвета чаще всего ведется «на глаз», но визуально невозможно установить степень различия в цвете, поэтому такой метод весьма приблизителен и субъективен. Для правильной оценки цвета необходима специальная количественная оценка, так как к цвету нельзя подходить с обычными мерками величин, ибо цвет является не величиной, а некоторым качеством, поэтому измерения цвета имеют свои специфические особенности. Дело в том, что существо цвета, возникающее в нашем сознании субъективно, и отражает объективные свойства материи – лучистую энергию, поступающую в глаз. Поэтому необходимо различать две категории понятий о цвете: физическую и психологическую. К физической характеристике цвета относят понятия: яркость, коэффициент яркости, коэффициент отражения, чистоту цвета и доминирующую волну цвета.

Коэффициент яркости – отношение яркости в данном направлении к яркости диффузной поверхности, характеризует, так же как и коэффициенты отражения, относительную яркость поверхности . Чистота цвета. В составе цвета любой хроматической поверхности

всегда имеется доля ахроматического цвета. Ахроматической составляющей нет только в тонах солнечного спектра, которые относят к чистым цветам и принимают их чистоту за 100 %. Чистота всех других цветов поверхности определяется процентным содержанием в них хроматической составляющей

Психологическая категория понятий о цвете. К этой категории понятий относятся все физические свойства цвета, которые преломляются субъективным восприятием человека: цветовой тон, насыщенность и светлота. Цветовой тон – это качество цвета, по которому человек может данный цветовой тон приравнивать к одному из спектральных цветов, либо к пурпурному. Количественно цветовой тон характеризуется физическим понятием доминирующей длины волны, психологически под цветовым тоном понимают те ощущения цвета, которые отличают его от ахроматического такой же светлоты. Насыщенность. Физическая характеристика чистоты цвета соответствует психологическому понятию насыщенности цвета. Это степень отличия цвета той же светлоты от ахроматического, то есть степень цветности поверхности. Например: цвет апельсина насыщеннее цвета пляжного песка, имеющего такой же цветовой тон. Количественно физическая чистота цвета определяется колориметром. Цветовой тон и насыщенность определяют качественно цвет, их совокупность называется цветностью. Светлота. Светлота определяется коэффициентом отражения и в зависимости от избирательного поглощения хроматических цветов равных им по светлоте; (которые будут казаться ни темнее, ни светлее). Интенсивность цвета – зависит от насыщенности и светлоты. При равной насыщенности цветов более интенсивными всегда будут более светлые цвета, при равной светлоте более интенсивными будут цвета большей насыщенности.

При выборе цветового решения художника в первую очередь интересует эстетическое воздействие цвета. В этом смысле они различают:

1) простое эстетическое воздействие отдельного цвета или сочетания цветов, например впечатление, производимое простым цветовым рядом, теневым рядом и воздушной перспективой. В действительности эти явления воспринимаются как изменение цвета предмета в зависимости от освещения; 2) общее художественно-эстетическое впечатление. Оно включает все воспринимаемое пространство. Мы не воспринимаем цвет изолированно. Даже в небольшом фрагменте, как правило, сочетается несколько цветов, которые усиливают, или ослабляют друг друга. Благодаря цвету, мы видим предмет, но кроме этого цвет вызывает определенные переживания, чувства. Поэтому цвет нужно выбирать очень продуманно. Сознательную группировку различных цветов, в основу которой положены те или иные исходные позиции, называют комбинаторикой.

Оценка и использование комбинированных цветов –важный шаг на пути выбора цветового решения. Цветовое решение произведения оказывает большое влияние на воздействие, производимое цветом. Рассматривая отношение цвета и предмета, говорят о целостном впечатлении или о единстве цвета и формы. Возникает гармония. Если рассматривать возможности выбора цвета с позиций эстетики, то можно различить три ступени, три постепенные градации:

1) комбинаторику, т.е. группировку цветов по элементарным

эстетическим законам – подобию, симметрии или контрасту;

2) гармонию, т.е. выбор сочетания цветов с учетом особого

воздействия цвета или его выразительности в связи

с замыслом и художественного образа.

3) динамику цвета, т.е. выбор цвета, направленный на определенное

психофизиологическое воздействие. При этом строжайшим образом

учитываются показатели активности цвета, освещение (модуляция

света и тени) и пространство (включая перспективу).

Гармония, используемых в живописном произведении цветов, вне зависимости от их характеристик является залогом его совершенства, если смотреть с точки зрения эстетики. Многие произведения отличаются гармоничностью цветового строя, который основывается не на контрасте, а на родственности тонов, другими словами, на сочетании цветов, гармонирующих друг с другом. Пастель обладает практически неограниченными возможностями для гармонизации цветов, так как весьма богата оттенками. Это вполне объяснимо, так как для цветовой гармонии важнее не чистый цвет, а оттенок.

 

Примерами образцовой цветовой гармонии, являются работы, выполненные в технике гризайли или близкими цветовыми тонами, такими, как синий, фиолетовый, малиновый, желтый или розовый, коричневый, серый, бурый, желтый и т.д.

Хотя пастель и отличается весьма высокой кроющей способностью, тем не менее, иногда бывает довольно трудно добиться того, чтобы цвет, поверх которого накладывается новый, не просвечивал.

Накладываемый сверху цвет пигмента скроет нижний только в том случае, если цвет основы более светлый, чем накладываемый фон. Это что работу начинать с наиболее цветов, постепенно к использованию более темных. Те которые можно к одной группе, родственными, например, синеватые, зеленоватые, жемчужные и т.п. И в же время, гармонии цветов зависит от насколько широк промежуточных оттенков, с которых образуется произведения. Следовательно, и цветовая гармония скорее на оттенков, а не цветов.

Цвета, синему, значительно от отсутствия контрастов и в сочетании с близкими цветами. Достигнуть выразительности серого и цвета способно сочетание их с цветом, как который в иной может создать яркий контраст. Серые и цвета способствуют гармонизации колорита, яркость некоторых тонов.

Все цвета разделить на основные гаммы: теплых и холодных тонов. В теплых тонов такие цвета, желтые, оранжевые, красновато- и желтовато-коричневые и родственные цвета. К холодных цветов синие, серые, малиновые и некоторые цвета. Гамма тонов включает в цвета, которые к теплой или гамме, им неопределенный или к серому оттенок, как эти являются результатом смешиваний и обычно отличаются сильной насыщенностью. Выбор светлой или гаммы является важным аспектом творческой манеры художника. Именно этой причине пастелисты, стремящиеся свой стиль, оригинальные цветовые в рамках одной гаммы.

Данная составлена из светлой гаммы, прекрасно демонстрирует цветовой гармонии.

Важным достижения цветовой является использование набора цветов, от настоящего натуры, и условная его при средств заранее палитры. В данном палитру можно при помощи из цветовых или группы цветов.

Пейзаж: колорит

В природе можно наблюдать гармонию, к примеру, в дни и в тенистых на восходе и в сумерках. Прекрасно данную тему выполненная Висенсом Бальестаром. На изображена тихая реки, в которой кроны деревьев. Тени в зеленоватый цвет воды, на выделяются блики и а также придают ее неясному колориту. Колорит пейзажа настолько что его можно назвать гризайли.

Техника вполне в состоянии все богатство и данной темы. В случае гризайль не в традиционных и коричневых тонах, а в сине-зеленых.

1 этап. В основы выбрана бумага, цвет органично входит в строй произведения и гармонирует с общей пейзажа. Предварительный который намечает элементы пейзажа, из нескольких выполненных при темно-зеленой пастели.

2 этап. Пигмент энергичными широкими которые практически покрывают поверхность работы. Растушевка на следующих работы.

Роль в пастельной живописи не сводится к лишь графической так как может выступать и самостоятельное средство экспрессивного и динамичного произведения. Зигзагообразные в пейзаже изображать воду с подвижными рефлексами и бликами. Тем менее, многие используют данный и для других тем.

Вода имеет собственного следовательно, ей придать любой в зависимости от ее объектов и света. К примеру, данной картине в поверхности реки зеленые кроны с легким изменением оттенка.

3 этап. К следует приступать заполнения пигментом цветовых зон пейзажа. Границы различными цветовыми не следует слишком сильно, сохранить основные создающие игру и тени в картине, важно.

4 этап. Благодаря черных акцентов в пейзаже проблема и света великолепно решена. Данные контрастируют со тонами, не при этом гармонии картины.

Контраст

Без контрастов создать цветовую однако следует что слишком контраст может гармонию. Существуют сочетающиеся друг с согласно самой природе, к примеру, цвета, соединенные в гаммы, а также цвета, гармонирующие собой именно в своей противоположности. Такой гармонии называется контрастом. Контрастные определяют исходя их комбинаций, которых составляют двух или разнородных цветов.

Цветовой лучше всего по работам хотя их наблюдать и в природе. Стремясь максимальной цветовой живописцы часто метод близкого контрастирующих комплементарных к примеру, фиолетового и красного и зеленого, и желтого.

Насыщенность зависит от его чистоты. Так, является ненасыщенным а слоновая кость – желтым. Начинающие иногда совершают предсказуемую ошибку, что чем цвета, тем будет контраст. На деле, подобный в силу своей резкости способен цветовую гармонию. Чтобы гармоничного цветового следует сочетать тона с ненасыщенными. К голубой будет сочетаться с желтым, ярко-синий, а бледно-зеленый более мягкий с ярко-красным, чем зеленый.

В соответствии с цвета, расположенные два дополняющих создают наиболее контраст, к примеру, и фиолетовый, красный и синий и оранжевый. При имеют немаловажное и другие нюансы: контрастирующих цветовых их размер, других цветов, в произведении. В первую следует учитывать, при близкой очень насыщенных цветов, более контраст получится, приглушить один цветов или ему интересный оттенок.

Рядом с цветом охра более темной, а в со светло-голубым светлеет. Желтый спокойным на охры, а при с темно-синим получает яркость. Красный в комбинации с темно-зеленым, энергичный и выразительный контраст.

Цветовая

Цвет может по тону, светлее или темнее. Самым цветом является наиболее темным, – черный. Между двумя крайностями все остальные и оттенки, обладающие световым тоном. Основополагающую в механизме контраста насыщенность цвета, как цветовой одновременно является и следовательно, цвета противопоставлять не по степени яркости, но и различию в насыщенности.

Для света, в произведении, важен цветовой контраст. Картина с решением цветовых создает превосходное света, а неловко контрастные сочетания произведение живости и отчего работа впечатление искусственной.

Частная коллекция. Рамон Санвисенс. Пейзаж. Произведение собой невероятно пример того, при помощи контрастов можно передать натуру обязательного следования реальному колориту.

 

 

1.4 пастель.

1.4.1. Понятие пастель и история развития.

 

Техника (франц. pastel, итал. pastello, у от pasta – — группа художественных применяемых в графике и (согласно современной классификации, работа на бумаге к графике).

Пастель своё название слова «а которым именовали рисования одновременно итальянским карандашом и сангиной, иногда с другими цветными применявшиеся художниками XVI века, в том числе и Леонардо да Винчи. В XVIII веке пастель становится уже самостоятельной техникой и получает особую популярность во Франции, где её использовали такие известные художники, как Франсуа Буше, Морис Кантен де Латур, Шарден, позднее Грёз, Жан Этьен Лиотар, Жан Гюбер, Делакруа, а также в Англии. Фрэнсис Котс не только работал в этой технике, но и усовершенствовал технологию производства красок. Выдающимся мастером пастели была и итальянская художница Розальба Каррьера. Среди её учеников — известный пастелист Швеции Густаф Лундберг. Затем наступил период, когда о пастели позабыли, и интерес к ней вновь пробудился только во второй половине XIX века.

Некоторые известые художники-импрессионисты охотно пользовались пастелью, ценя её за свежесть тона и быстроту, с какой она позволяла им работать. Манера Дега, например, отличалась удивительной свободой, он накладывал пастель смелыми, ломаными штрихами, иногда оставляя проступающий сквозь пастель тон бумаги или добавляя мазки маслом или акварелью. Одним из открытий художника стала обработка картины паром, после чего пастель размягчалась и её можно было растушевывать кистью или пальцами. Дега не только по-новому использовал технику пастели, но и создавал с её помощью картины, превосходящие по размеру произведения других художников, выполненные пастелью. Иногда он сшивал для этого вместе несколько листов, чтобы получить поверхность нужного ему размера.

В России пастель появилась в первой половине XVIII столетия, привезенная иностранными художниками. На протяжении всего XVIII века создателями произведений в этой технике были мастера так называемой россики — зарубежные живописцы, работавшие в России. Они выполняли, почти исключительно, портреты на заказ. Распространение в среде русских художников техника пастели получила несколько позже. Скорый в изготовлении, исполняемый зачастую в один сеанс, пастельный портрет получил широкое распространение, стал одним из самых любимых видов заказного изображения, выполняя некоторым образом функцию фотографии. Эпоха расцвета пастельного портрета в России приходится на первую треть XIX столетия. Это связано, по-видимому, с подъемом усадебной культуры, с вошедшими в моду фамильными портретными галереями. Ведущий мастер этого времени — Карл-Вильгельм (Карл Иванович) Барду, берлинский уроженец, прославившийся, прежде всего, как автор пастельных портретов. С 1806 года Барду-младший жил в Москве, где исполнил множество портретов членов семей московского дворянства. На одном из них — «Портрет молодого человека»(1811) — запечатлен известный русский поэт пушкинского круга Е. А. Баратынский в детстве.

Наряду с другими графическими и живописными техниками, пастель использовал Александр Орловский, обучавшийся в Европе живописец, рисовальщик, гравер и литограф, обладатель «быстрого карандаша» (по выражению А. С. Пушкина). Первые десятилетия творческого пути активно работал пастелью и Алексей Гаврилович Венецианов. В 1807 году Венецианов поступил на статскую службу, а в свободное время ходил в Эрмитаж и копировал пастельными карандашами картины Луки Джордано и Бартоломе Эстебана Мурильо. Позже Венецианов поднес два жанровых крестьянских портрета пастелью императрице Елизавете Алексеевне, за что получил бриллиантовый перстень, а в 1823 году, подарил картину в сельском домашнем виде пастельными красками Александру I. По-видимому, это и был один из шедевров знаменитого живописца, ныне принадлежащий Русскому музею — «Очищение свеклы».

С 1840-х годов в Россию из Европы приходит мастерство дагерротипии, а в конце 1840-х появляется способ тиражирования фотографических изображений. Впечатляющая новация на время вытеснила с художественного рынка акварельный, миниатюрный и пастельный портрет, поэтому в России в 1840—1860-е годы пастель находит крайне редкое употребление. Середина XIX столетия отмечена единичными работами в технике пастели, авторами которых были Сергей Константинович Зарянко, Наталья Егоровна Макухина («Портрет художника Ковригина»), Пётр Алексеевич Оленин («Портрет Ивана Андреевича Крылова»), Павел Петрович Соколов, Иоганн-Адольф Тимм. Использовал пастель и Константин Маковский («Вакханка». 1860).

В 1890-х годах пастельная техника в России фактически переживает второе рождение. Почти все пастели Исаака Ильича Левитана относятся к 1890-м годам. До того Левитан к этой технике не обращался вовсе, а впоследствии — после 1894 года — лишь в отдельных случаях. В коллекции Русского музея — три пастели мастера: «Хмурый день» (1895) «Долина реки» (1890-е) и одна из вершин творчества Левитана — «Луг на опушке леса» (1898)(см.приложение рис.9). Особое место пастель занимала в творчестве Валентина Александровича Серова («Портрет княгини Мусиной-Пушкиной», 1895). Для «Портрета Елены Павловны Олив» (1909) одной пастели оказалось недостаточно, и вместе с ней художник использовал акварель, и гуашь. В пастельных работах Бориса Кустодиева («В ложе»; «Цветущая глициния», 1912) — переплетение тенденций отечественного искусства рубежа XIX и XX столетий, интерес к театру, миру кулис («Танцовщица в кабаре»,1904; «Цирк», 1905; «В ложе», 1912), присутствие легкой ностальгической нотки по национальному прошлому («Дети в маскарадных костюмах», 1909). Пластические возможности пастели позволили художнику Леониду Пастернаку передать атмосферу дома Льва Толстого («Лев Толстой с семьей в Ясной Поляне», 1902).

Пастель становится излюбленной техникой членов художественного объединения «Мир искусства» — Александра Николаевича Бенуа, Бориса Михайловича Кустодиева, Константина Андреевича Сомова, Мстислава Валериановича Добужинского, Леонида Осиповича Пастернака и других. Эта техника тем более оказалась востребованной, чем менее её практиковали приверженцы академизма или позднего передвижничества. Художники расширяют жанровый арсенал пастели. Так, у Бенуа чаще пастельные пейзажи, у Малютина — лирические у Леона Бакста — портреты, изображения и плакат (афиша «Детского базара», у Александра Головина — театральных декораций.

Для Серебряковой («Портрет Александра», 1921) до конца оставалась излюбленной техникой. В «non finito» созданы портреты с тонко проработанным и едва намеченной а также — «балетная где фигуры намечены расплывчатым контуром. «Марокканская (1928, 1932) выполнена в пастели(см.приложение рис.10).

 

1.4.2. Художественные

Работа мягкими пастели требует ворсистого основания, удержать красочный порошок. В художники рисовали на замше. В время в качестве для пастели чаще всего бумагу, шероховатый или наклеенный картон холст. Некоторые готовят основание сами. Пастелью рисовать и писать. Иногда передает форму в линией, штрихом, а все цветовое проводит как всего несколькими тонами. Получается рисунок.

Но пастелью создавать и живопись, передавая сложную гамму отношений натуры. Дега что пастель ему стать с линией». При художник может цветового звучания мелкими штрихами. Штрихи можно смешивать, пальцем, растушевкой сухой кистью, можно оставлять и в виде, подобно мозаике.

Пастель меньше, чем а потому ложится бумагу с большей плотностью и формирует штрихи с мягкими, краями. Пастель на грани рисунком и живописью. В соединяются линия и ею можно и писать, работать живописным пятном, или мокрой кистью. Особенность в том, что минимуме связующего масса представляет частицы пигмента, от которых рассеивается в разные придавая красочному особую лучистость, специфическую «пастельную» мягкость.

Пастель давать и очень и очень слабый однако у неё большой недостаток: пастели, нанесенный поверхность, чрезвычайно и при малейшем может разрушиться. Для чтобы избежать поверхность обрабатывают составом, предохраняющим но цвета этом заметно тускнеют. Художников волновала проблема произведений, ставшая многих ученых трактатов. Изобретались фиксативы, но самые совершенные них изменяли тон пастели, её колористическую губили её бархатистость. Самое сохранение пастели — в окантовке под стекло. В случае пастельное может жить, теряя своей столетия. Пример знаменитая «Шоколадница» Дрезденской галереи.(см.приложение рис.11) Картина, зрителей свежестью и красок, кажется что законченной, создана она в веке. Таким лучше всего использовать рамы стеклом и паспарту — из плотного чтобы даже не касалось работы. Но у есть и технические достоинства. Пастель выгорает на не темнеет и трескается, не температурных перепадов. Новые изготовления пастельных тонированных бумаг и холстов, современная уникальной графики базу для расцвета и широкого искусства пастели среди художников, и среди любителей живописи.

Пастель мастеров живописи чистотой и свежестью бархатистой поверхностью живостью и волнующей штриха. Тонкость и техники пастели в с необычной звучностью и богатством фактуры мир, который зрителя ощущением творчества. Если работает в пастели все её исчезают. Масляные позволяют многократно счищать, накладывать слоев; пастель требует точности, «чутья» по к выбираемому цвету, что после его уже всего невозможно: тот самый «мерцающий» пастельный таков лишь первозданном нанесении. В же время позволяет удивительным смешивать и накладывать цвета. Лучшие — это множество слоев; чистых, просвечивающих «сквозь» — бархатистость и глубина, неизменно притягивает.

Работа в пастели предполагает пигмента или его в основу — чтобы несколько или пятен, рядом, соединились и цветом, не полностью. Лучше это достигается пальцев — ни другой материал и с ними не сравним. Близость к своему творению, «соприкасаемость» сообщает и тонкость происходящему.

Пастель, требует очень освещения — тогда бесконечность оттенков, просвечивающей многослойности. Лучше — дневной свет, — рассеянный, падающий касательной. При освещении картина производить совершенно впечатление. Новый или иной зрения — и вы новые краски и детали. Это и завораживает. При освещении пастель оживает.

II. ХОД ПРАКТИЧЕСКОЙ ЧАСТИ РАБОТЫ

 

2.1 Концепция

 

Замысел данной работы заключается в различного состояния воздушной и световой изменчивости природы Востока Этот был выбран изображения не так , потому это моя земля и знаю как никакую другую.

Известно на Дальнем очень суровый , климат. Зимой температура достигают минусовые отметки, а благодаря палящему температура поднимается высоко. Причем перепады температуры не только в года в разные но и на одного дня . Поэтому удивительную , богатую Дальнего Востока интересно ,так она дает яркую и обширную не только но и эмоциональных переживаний. В наблюдения и изучения дальневосточной природы , колористических особенностей выявлены четыре состояния , когда набирает свою мощь.

Поэтому серия работ именно из пейзажей ,которые в мере отражают и разнообразные атмосферные и как в разное суток меняется . Формат и порядок тоже был случайным. Первая серии, она ранее остальных и вдохновившая на серии пейзажных и единственная вертикального это рассвет , только вот-вот , встает и поднимается -за сопок морского порта.(см.приложениерис.12) Данная тоже играет роль , так остальные работы выполнены на жесткой в плане Камчатке. Корея просыпается раньше часовому поясу, там мягче, именно утренний запечатлен именно здесь. Для состояния сонного утра пейзаж в серо-голубом колорите. Такой в пейзаже создан морскому туману. Также создания этой была использована бумага голубого оттенка.

Следующая написанная уже с природы, показывает теплую. яркую, по палитре солнечного дня, солнце находится в зените.(см.приложение рис.13) Использование , чистых: желтых, , голубых цветов нам определить , это именно время суток. Для дневного пейзажа выбрана бумага цвета, чтобы не ушел в холодную либо гамму, а сохранил чистые оттенки.

Также пейзажа играют маловажную роль. Если в передаются тишина, легкая рябь море, тускло лучи солнца нем, скользящий по сопкам то во пейзаже с наступлением все оживает, полю ездят дымящие трактора, кипит.

Третья – закат , написана Халактырском пляже , благодаря летающей в вулканической пыльце , отражает солнечный свет, закат окрашивается в более мистические красно-оранжевые цвета. (см.приложение рис.14) Множество людей приезжает сюда, чтобы полюбоваться этим удивительным чудом природы. Вот и один из автомобилей туристов , изображенный на данном пейзаже, завороженно стоящий среди травы, в окнах которого отражаются уходящие лучи заката.

В этом пейзаже не изображено солнце, уходящее за горизонт, но мы отчетливо понимаем, что в данной работе изображен закат. Это достигнуто благодаря колористике, для пейзажа была выбраны соответствующие контрастные свето-теневые отношения и основой изображения является тонированная бумага мягкого желтого оттенка, также с помощью техники пастель создан эффект падающих лучей

Последняя работа в серии Дальневосточных пейзажей, замыкающая световой день, вид на Авачинский и Ключевской вулкан, за которыми уже скрылось солнце и в небе засветились звезды.(см приложение рис.15) Для этого пейзажа использовалась бумага темно-синего цвета. Чтобы показать свечение последних лучей солнца, была использована пастель светлых тонов, контрастных по отношению к фону.

 

2.2 Методика работы пастелью.

.

 

При работе пастелью необходимо придерживаться определенных правил, в противном случае результат будет неудовлетворительным. Цвета будут не такими чистыми, бруски пастели будут все время крошиться в руках, а подчистка доставит массу трудностей. Кажущаяся легкость, при взгляде со стороны, работы с пастелью у профессиональных художников, во многом результат большого опыта. Далее вы сможете ознакомиться с типичными ошибками и трудностями, встречающимися на пути постижения пастельной живописи, у начинающего художника.

Пастельная живопись – это яркое и очень богатое возможностями средство художественного выражения. Приложите усилия и они окупятся сторицей, позволив, в дальнейшем, максимально полно использовать все заложенные возможности.

Растушевка, в пастельной живописи, прежде всего, означает распределение цвета. Если художник, пишущий маслом, при распределении красок использует кисть или мастихин, то пастелист – тряпку, растушку или руку. В то же время этот термин означает еще и сглаживание границ между фоном и цветом путем приглушения их интенсивности. Надо знать что растушевка - это базовый прием работы в пастельной живописи, принцип растушевки прост: пастелист рисует на бумаге бруском пастели, а впоследствии растирает оставленный след. А потом, поверх растушеванного пятна, накладываются следующие, более насыщенные слои пигмента.

Растушевка пальцами - это один из самых естественных и чаше всего используемых приемов работы. Пигмент равномерно (или неравномерно) распределяют по большому участку основы сжатыми вместе пальцами, а при небольших площадях используют только подушечки. Самое главное, особенно на первых порах, после растушевывания одного цвета вытереть руки, чтобы чистота цвета не нарушалась смешиванием.

Наложение пятен поверх растушевки

Слои пигмента разного цвета можно накладывать друг на друга, но не стоит забывать, что при большой насыщенности нижнего слоя, тон верхнего цвета потерпит изменения. Для избегания этого нужно предварительно растушевывать слой-основу, и только затем накладывать новый.

Подчитки в пастельной живописи следует применять как можно реже, в противном случае цвета на картине блекнут и не выглядят свежими. Злоупотребление ластиком может привести к повреждению поверхности, что, в свою очередь, влияет на способность пигмента хорошо ложиться на нее. Однако соблюдение далее упомянутых правил, может помочь уменьшить ущерб от подчистки к минимуму. Первоначально необходимо подготовить корректируемый участок к работе, протереть его ватой или тряпочкой удаляя этим излишки пигмента. Уже после этого можно применять ластик. Следует соблюдать осторожность, давление на него должно быть не сильным, и не пытаться растереть корректируемый участок, так как это действие может привести к повреждению бумаги.

Атмосферные явления

Существуют темы, которые при воплощении в полотно используют только метод растушевки. При этом растушеванные цветовые пятна плавно перетекают из одного в другое, при этом образуя гармоничное единство не только друг с другом, но и с цветом основы. Так обычно изображают водные пространства, неведомые дали и облачные пейзажи. Для воплощения этих тем необходимо правильно подобрать бумагу: ее фоновый цвет должен совпадать с преобладающей тональностью картины, для того чтобы пятна пигмента (растушеванные) органично сливались с основой.

Растушевка в пейзаже

Количество тем, которые можно полностью написать, используя только растушевку – небольшое. Приведенный далее пример является типичным представителем одной из них. Данный пейзаж отображает собой небо, с нарисованными на его фоне силуэтами деревьев. Первостепенная задача, в данном случае - передать характерные, то есть уменьшающиеся градации тона. Единственные графические элементы этого пейзажа – деревья на фоне неба. Для передачи прозрачной чистоты основного мотива, необходимо всего несколько растушевок.

1 этап. Первоначально проводим светло-голубую линию по верхнему краю листа, при этом давим на брусок, так, чтобы след получался очень насыщенным. Далее растушевываем получившуюся линию, причем пигмент распределяем таким образом, что в результате должна получиться широкая полоса однородного цвета.

2 этап. Сразу под получившейся полосой накладываем пастель бледно-голубого цвета, при этом стараемся немного перекрыть ею нижнюю часть первого слоя. Далее повторяем предыдущую операцию, вплоть до получения плавного перехода темного тона в светлый.

3 этап. Еще ниже добавляем бледно-желтую пастель, постепенно осветляя будущий рисунок.

4 этап. Начинаем тщательно растушевывать все полосы, чтобы в результате они слились в одно целое с ранее нанесенными. Для лучшего осветления нижней части неба белую пастель и предыдущую работу.

5 этап. Теперь заняться нижней листа. Берем оливково-зеленого цвета и ею нижнюю листа. На между бледно-голубым и рисуем натуральной тонкую полосу.

6 этап. Краем бруска пишем деревьев. Чтобы светотеневые нюансы мотива, нужно пастель черного и цветов, а также сиену.

Темные

Мелкие силуэты видные на вырисованы черным цветом. Эти детали нелегко мягкой пастелью, что в этом лучше пользоваться карандашом или твердой пастели.

Линии и

Вместе с растушевкой в живописи применяются и линии. Первые как прерывистыми, и непрерывными, простыми для подчеркивания или усложненными. Каждый этих случаев важный вклад в художника, являясь формы. Брусок на бумаге оставить пятно линию, все от того, его приложить к - плашмя или углом (в случае он рисовать полосы, которых равна бруска). Обычно работе над произведением настоящий использует весь доступных техник, на любой можно увидеть растушевки, линии и растушевка обычно для создания на котором в очередь видны и четкие элементы – и пятна.

Работа бруска

Для прямых линий всего подходит бруска (квадратное твердой пастели, этого нужно брусок к бумаге и просто провести черту продольно, в получится безупречная прямая. Того эффекта можно при использовании поверхности мягкой правда толщина в этом случае значительно больше.

Пятна и смещение

Самые стили пастельной используют пятна цвета для работы, а вот при этом не использовать совсем. Растушевка интенсивность цветов, не всегда автору произведения, они используют нерастушеванные мазки, отлично передают и вибрацию чистого пигмента. Существует пастелистов, которые свои работы на основе пятен, исключая растушевку или смешение. Конечно, близком расстоянии картины имеют вид, зато определенной дистанции увидит цельное которое играет цветами, полученными оптическому смешению разного цвета человеком как целое).

Наложение цветов поверх

Манера работы которая демонстрируется в работе, достаточно интересна. Пятна цвета и растушевка только дополняют, и подкрепляют друг – пятна чистого смотрятся гармонично на растушеванном а тот в свою умело подчеркивает чистых цветов. Именно не следует пятна основной которая наносится первоначально растушеванного так же следует пытаться равномерную насыщенность участкам картины. Обычно применяют только второго плана фона.

3 этап. Цветы - цвет и форма при наложении насыщенных пятен, этого брусок прижимаем к бумаге позволяет добиться интенсивности цвета) и движениями создаем пятно.

4 этап. После наложения пятен, форму стеблей и подчеркиваем углем. Если то видно, некоторые участки были растушеваны художника, для чтобы уменьшить интенсивность и контраст с фоном.

5 этап. Следующим нужно доработать и другие детали при помощи пастели – все, готов. Стоит внимание что рисунок углем вписался в общий картины по растушевки фона и гармонизации колорита.

Рисунок и

Рисунок представляет основу любой техники, в особенности живописи. Наложение цвета, при с пастелью, в большой родственно рисунку, как при цвета не раскрашивают, но и форму, очерчивая и придавая изображению объем. Пастель в равной степени графики и живописи, это и живописное и подкрашенный рисунок. Исторически сложилось, что пастели стал созданный при трех цветов: черного и белого. Многие пастелистов-профессионалов считают рисовальщиками в “цвете”, и из художников-пастелистов учитывать, что превосходного художественного является технически выполненный рисунок, с передачей всех светотени. Градации можно цветом оттенком тона, к примеру, в технике гризайли.

Для в технике гризайли правило, используется уголь и мел бурого (сепия) и (сиена) цвета. Помимо растушек, некоторые для растушевки щетинные кисти.

 

Живописность пастели, выполненной Марти, основывается тщательной гармонизации светотени в технике гризайли. Лишь финальной стадии был добавлен цвет.

Гризайль рисунком с передачей отношений, выполненных тонами одного цвета. Основная рисунка может красноватой (сангина), (уголь и мел), (сиена), бурой и т.п. В некоторых гризайль может в себя оттенки и гармонирующих с основной цветов и даже хроматической полноты. Гризайли редкостная живописность, работы, выполненные в технике, отличаются законченностью и гармоничностью, отсутствие чистых не способно коей мере обеднить. Это путь к постижению пастельной живописи, к всеми секретами светотени, взаимопроникновения цветов.

Работу начинать с рисунка и прежде чем какой-либо иной необходимо тщательно наложение теней и растушевку.

По постепенного сгущения следует оживить при помощи не нарушая этом основной произведения.

На стадиях работы добавить цвет. Вначале следует крайне пристально следя градациями светотени, более энергично, увеличивая интенсивность пятен

Пастель, Хосе Луисом основывается на тщательной и четкой гризайли. Изучая промежуточных этапов можно заметить, большая часть цветов была на заключительной работы и учитывала созданные при угля и сангины.

Рисунок, пастелью

Рисунок помощи пастели, так же, и любым другим средством, разница лишь в том, работа пастельным отличается большей и свободой, по с тушью или карандашом. В случае поэтапно принцип рисования с применением только цветов и белого который предназначен их высветления. Подобный работы с пастелью схож с классической рисунка тремя но позволяет изображения при не только но и цветового пятна. Такое предлагает весьма возможности и, этой причине, используется для зарисовок с натуры и эскизов.

Темой упражнения является девочки. Упражнение для тренировки в эскиза. Очаровательная пастельной техники передать всю детского лица, прибегая в данном к реалистичной тщательности.

1 этап. В случае художественная состоит в том, начальный рисунок промежуточным цветом, темные и светлые для последующих работы, когда эффект произведения гораздо легче оценить.

2 этап. Прежде начальный рисунок основывать на и только потом, на предварительные следует наложить пятна удлиненной которые подкрепят линии, смоделируют и объем, передадут светотени.

3 этап. Для наиболее важных таких, как глаза, нос, прекрасно подходит уголь. Но стоит слишком углем, к примеру, накладывая тени, рисунок получится излишне затемненным.

4 этап. Для смягчения теней и гармонизации портрета в целом, на заключительной стадии работы накладываются белые пятна, которые, смешавшись с углем и ультрамарином, дадут, соответственно, серый и бледно-голубой цвет.

Непосредственная прелесть эскизного рисунка заключается именно в том, что все применяемые в нем цвета составляют единое целое и ни один из них не является доминирующим. Именно по этой причине, для выполнения подобного произведения не подойдут слишком яркие цвета.

Работы подобного типа можно выполнять самыми различными цветами. Крайне важно, при этом, чтобы выбранные цвета гармонично сочетались друг с другом: один должен быть светлым (белый или светло-голубой), другой – промежуточным (серый, киноварь, сиена, сангина и т.д.), третий – темным (черный, сепия, насыщенный синий, темно-зеленый и т.д.). Чтобы рисунок не получился излишне кричащим, не рекомендуется использовать чересчур яркие цвета.

 

 

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

В данной курсовой работе было проведено исследование на тему: «Особенности колорита Дальневосточного пейзажа». В ходе исследования были решены следующие задачи:

- изучена и проанализирована искусствоведческая и специальная литература по теме жанра пейзаж;

- изучена методика рисования техникой пастель;

- проведено теоретическое исследование колорита в пейзаже;

- создана серия пейзажных работ, в разном состоянии природы, выполненные в технике пастель.

На основе этого было выясняно, что колорит в пейзаже—раскрывает перед нами красочное богатство мира. Он помогает художнику передать настроение картины: колорит может быть спокойным, радостным, тревожным, грустным и др. Колорит бывает теплым и холодным, светлым и темным. Гармония, используемых в живописном произведении цветов, вне зависимости от их характеристик является залогом его совершенства, если смотреть с точки зрения эстетики. Многие произведения отличаются гармоничностью цветового строя, который основывается не на контрасте, а на родственности тонов, другими словами, на сочетании цветов, гармонирующих друг с другом. Пастель обладает практически неограниченными возможностями для гармонизации цветов, так как весьма богата оттенками. Это вполне объяснимо, так как для цветовой гармонии важнее не чистый цвет, а оттенок.

Хотя пастель и отличается весьма высокой кроющей способностью, тем не менее, иногда бывает довольно трудно добиться того, чтобы цвет, поверх которого накладывается новый, не просвечивал.

Накладываемый сверху цвет пигмента скроет нижний только в том случае, если цвет основы более светлый, чем накладываемый фон. Это означает, что работу необходимо начинать с наиболее светлых цветов, постепенно переходя к использованию более темных.

Те цвета, которые можно отнести к одной группе, являются родственными, например, красноватые, синеватые, зеленоватые, золотистые, жемчужные и т.п. И в то же время, качество гармонии цветов особенно зависит от того, насколько широк спектр промежуточных оттенков, с помощью которых образуется колорит произведения. Следовательно, родство и цветовая гармония основывается скорее на соотношении оттенков, а не чистых цветов.

Важным способом достижения цветовой гармонии является использование ограниченного набора цветов, абстрагируясь от настоящего колорита натуры.

 

 

СПИСОК ИСПОЛЬЗУЕМОЙ ЛИТЕРАТУРЫ

 

Виппер Б.Р. Введение в историческое изучение искусства. М., Изобразительное искусство, 1985